Asesor Cinematográfico

TOP 10: 2010

2011-01-10T20:30:00.002-03:00

INCEPTION. El origen (Christopher Nolan)
SHUTTER ISLAND. La isla siniestra (Martin Scorsese)
THE HURT LOCKER. Vivir al límite (Kathryn Bigelow)
UP IN THE AIR. Amor sin escalas (Jason Reitman)
THE SOCIAL NETWORK. Red social (David Fincher)
THE HANGOVER. ¿Qué pasó ayer? (Todd Phillips)
THE GHOST WRITER. El escritor oculto (Roman Polanski)
AVATAR (James Cameron)
ROBIN HOOD (Ridley Scott)
WALL STREET, MONEY NEVER SLEEPS. Wall Street, el dinero nunca duerme (Oliver Stone)

COOMING SOON...

2010-01-12T15:43:00.000-03:00

Muy pronto, el regreso de su asesor amigo.

TOP 5: ADICTOS

2008-11-02T19:46:00.004-02:00

(Sujeto a modificaciones)

1-TRAINSPOTTING (Danny Boyle, 1996)
2-REQUIEM FOR A DREAM. Réquiem por un sueño (Darren Aronofsky, 2000)
3-BOOGIE NIGHTS. Noches de placer (Paul T. Anderson, 1997)
4-THE MAN WITH THE GOLDEN ARM. El hombre del brazo de oro (Otto Preminger, 1955)
5-FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS. Pánico y locura en Las Vegas (Terry Gilliam, 1998)
bonus track: STRANGE DAYS. Días extraños (Kathryn Bigelow, 1995)

MUSEO DEL CINE. Episodio 9: El acorazado Eisenstein

2008-04-29T12:23:00.005-03:00

Apenas menos de diez largometrajes realizó (y le dejaron realizar) el director ruso Sergei Eisenstein, pero eso solo le alcanzó para ubicarse entre los grandes de la historia del cine.
En 1925 Lenin ya había muerto junto a su ideal marxista y Trotsky ya había sido anulado por Stalin. Proveniente del teatro, donde era director de escena, ese año Eisenstein dirige su primera película, Huelga, dentro de la temática de propaganda revolucionaria y popular que “sugería” el Estado soviético. Encargada por el gobierno para conmemorar los veinte años del primer levantamiento comunista contra el zar, la siguiente película de Eisenstein, El acorazado Potemkin (1925), sería su obra maestra y uno de los mejores films de la época muda del cine. En realidad, el proyecto original se iba a llamar 1905, e iba a estar formado por varios capítulos que relatarían los hechos de aquella primera intentona de revolución, pero el director decidió centrarse en el episodio del motín de los marineros del Potemkin, que se sublevan contra sus superiores por obligarles a alimentarse con carne podrida. La película muestra las numerosas innovaciones que Eisenstein pone en práctica para que la filmación y el montaje sean funcionales a la narración de los acontecimientos, donde el protagonista no es uno solo, sino la masa popular. Octubre (1928) describe los sucesos de 1917 previos a la caída del zar Alejandro y la llegada de Lenin y los bolcheviques al poder; asimismo, esta película sufriría la primera de una larga lista de intervenciones de la censura stalinista sobre la obra de Eisenstein (la figura de Trotsky ya no era bien vista así que debió quitar casi todas las imágenes de la película en donde él aparecía). Lo viejo y lo nuevo (1929) trata sobre la tan mentada reforma agraria, manteniendo la temática de colectivismo (aunque esta vez con una protagonista que sobresale de la masa proletaria) y el brillante montaje, pero se debió modificar varias veces el guión por los cambios que se suscitaban mientras tanto en el ambiente agrario.
Entre sus ideas fundadas en el teatro, la principal era el “montaje de atracciones”: a partir de la edición del film, hacer uso de imágenes fuertemente contrastadas para provocar intensas reacciones emocionales en el espectador (alguna vez afirmó que esta técnica funcionaba de una manera similar a la dialéctica de Marx), sumado al intenso uso que hacía del simbolismo y las metáforas, como en la secuencia de Huelga, que alterna escenas de ganado sacrificado en el matadero con trabajadores fusilados por soldados del zar; el mítico cochecito de bebé cayendo por las escalinatas en El acorazado Potemkin (homenajeado por Brian De Palma sesenta años después en Los intocables), o el caballo colgando del puente levadizo en Octubre.
Es interesante saber que con la aparición del sonido en el cine, Eisenstein realizó una gira por Europa y Estados Unidos, donde fue a parar al mismo Hollywood para familiarizarse con las nuevas técnicas sonoras. Fue contratado por la Paramount para filmar proyectos entre los que se incluían una versión fílmica de “La guerra de los mundos” de H.G. Wells, la adaptación de la novela “An American tragedy”, de T. Dreiser, y un guión escrito por el mismo Eisenstein llamado “Sutter’s gold”, pero sus proyectos fueron rechazados por poseer demasiada “conciencia social” y ser “comercialmente inviables”. Así las cosas, Paramount rompió el contrato con el ruso y en noviembre de 1930 el gobierno estadounidense, que ya comenzaba a desagradarle el comunismo, deportó a Eisenstein y sus colaboradores.
Su siguiente destino fue México; su nuevo proyecto, ¡Que viva México!, sobre la revolución en ese país. En un principio fue patrocinado y financiado por el escritor Upton Sinclair, pero éste le soltó la mano a Eisenstein a mitad de camino (vaya a saber por qué) y la película no se pudo completar, aunque más tarde se harían diversos montajes (ninguno hecho por el ruso), dando como resultado un puñado de filmes parecidos entre sí.
Con el nubarrón del infortunio encima, Eisenstein regresa a la Unión Soviética, donde los problemas no lo abandonarán: su visita a Estados Unidos lo convierte en sospechoso para Stalin, por lo que El prado de Bezhin (1937) es atacada de manera impiadosa por la censura y no llega a terminarse.
Sin embargo, su película biográfica sobre el héroe nacional Alexander Nevsky (1938), que había derrotado a una invasión teutona en el siglo XIII (algo similar a lo que Hitler tenía en mente por ese entonces), recibió un enfervorizado apoyo tanto del pueblo como del gobierno, que le entregó una mención honorífica al director. Gracias a dicho apoyo, pudo encarar su siguiente proyecto manteniendo el tópico histórico y nacionalista, una amplia trilogía sobre Iván el Terrible dentro de una mirada más personalista hacia la figura de aquel legendario zar. La primera película (1944) también fue aprobada y premiada, pero la segunda, al mostrar ciertos excesos de Iván similares a los de Stalin (como el uso de policía secreta), fue implacablemente prohibida, confiscada y destruida en muchos de sus fragmentos. Fue la última obra de Sergei Eisenstein dentro de su asfixiante país. Murió en 1948 a los 50 años de edad.
En 1958, ya muerto Stalin, se estrenó lo que quedó de Iván el Terrible II en color.
En 1979 el fiel colaborador de Eisenstein, Grigori Alexsandrov, estrenó ¡Que viva México! en forma de documental.
En 1988 se conocieron 4 minutos, los únicos sobrevivientes, de Iván el Terrible III.
En la actualidad, en todas las universidades de cine del mundo, Sergei Eisenstein es referido como un pionero de la cinematografía, por no decir un genio.

LUGAR PARA LOS COEN

2008-04-20T18:32:00.003-03:00

Sería fácil decir que “en las películas de los hermanos Coen siempre hay criminales”. Sería más interesante decir que sus personajes suelen estar parados en la línea que separa lo moral de lo inmoral, balanceándose de un lado a otro. El ladrón de poca monta que le roba una beba a un millonario (Educando a Arizona); el despreciable infeliz que hace secuestrar a su esposa para sacarle plata al suegro (Fargo); el convicto que vuelve con su familia sólo para ser noqueado por su nuevo marido (Dónde estás hermano); el pusilánime escritor que es convocado a Hollywood y sufre el síndrome de la página en blanco (Barton Fink); el vago perdedor que es usado por un millonario sosías (El gran Lebowski); el insípido barbero que de buenas a primeras idea un plan digno del mejor cine negro (El hombre que nunca estuvo)… Asimismo, H.I. se convierte en héroe en comparación con sus compañeros de celda y el asesino a sueldo que lo persigue; Jerry queda reducido a gelatina frente a sus peligrosos secuaces y a la implacable policía embarazada; en su odisea Everett logra frenar (aunque en forma fortuita) la corrupción y el racismo, y de paso graba un hit; gracias a su pasividad, Barton se salva de ser forreado por los productores de cine y de ser asesinado por un nazi obeso; el Dude logra liberarse de la banda de actores porno nihilistas, se queda con una linda chica y sigue con su pasión por el bowling; a Ed, sin embargo, el plan de chantajear al amante de su esposa no podría haberle salido peor…
El patrón que se percibe en todos estos personajes y sus circunstancias es que ninguno de ellos es dueño de su destino, al igual que ninguno de nosotros, sólo que es muy poco probable que un acreedor nos orine la alfombra, o en caso de ir a la cárcel nos enamoremos de la mujer policía que saca las fotos. Esta es la enorme chispa de original creatividad que imprimen los hermanos Coen en sus guiones. Y esto es lo que mostraron al volver en su mejor forma con su último largometraje (ganador del Oscar) Sin lugar para los débiles.
Luego de un par de películas inferiores (El amor cuesta caro y la remake de El quinteto de la muerte), no por ser malas sino por estar debajo del handicap Coen, Sin lugar para los débiles se encuentra entre las mejores películas de la dupla… o la mejor, lo discerniremos en un futuro cercano.
La acción transcurre en 1980. Un cazador texano descubre un macabro escenario con varios cadáveres, entre hombres y perros, y sus correspondientes moscas, una camioneta llena de droga… y una valija llena de dinero. El bichito de la codicia se le despierta, así es que sólo le presta atención a lo último. Por supuesto que no sólo a él le desagrada la idea de que dos millones de dólares queden abandonados en el desierto, sino a otras personas… como sus propietarios. A esto sumémosle un despiadado asesino (un Javier Bardem espeluznante, que desagrada hasta cuando sonríe) que también se anota en la lista de los que desean el dinero, y no se detendrá por nada ni nadie. Siguiendo la acción a los tumbos, un comisario a días de su retiro (Tommy Lee Jones), que se espanta y al mismo tiempo se resigna por la violencia y la brutalidad que van cobrando los acontecimientos.
Dicho ámbito de violencia, adornado con un inteligente humor negro, es el terreno donde mejor se mueven Ethan y Joel Coen. Aunque para llegar al desenlace utilizan un camino distinto, en Sin lugar para los débiles el mismo está bastante emparentado con el de Fargo, sólo que con una vuelta de tuerca más reflexiva, tanto que este humilde servidor se tuvo que quedar en el cine cinco minutos después de terminada la película para explicársela a un par de jóvenes que estaban en la misma fila. Para eso estamos, sobre todo si se trata de un excelente film.

MUSEO DEL CINE. Episodio 8: El nacimiento de la nación cine

2008-03-19T17:56:00.003-03:00

Allá por 1915, el legendario director David Wark Griffith, más conocido como D.W. Griffith, revolucionó a la industria del cine con su obra El nacimiento de una nación, sentando las bases del “cómo” filmar películas de allí en adelante. Tal como vemos las películas hace décadas, todo empezó con él.
Luego de filmar casi quinientos cortos (en aquel entonces pocas películas duraban más de media hora) para la productora Biograph, en 1914 Griffith se pasó a la independiente Mutual, que le permitiría filmar una película por año producida por él mismo.
Significativamente, Griffith comenzó a filmar uno de sus primeros largometrajes el 4 de julio de 1914, con un presupuesto de cuarenta mil dólares. La película se llamaría The Clansman, título homónimo del libro en el que está basada. En ella se relatan los hechos de la Guerra de Secesión (sumado a una historia de amor entre una yanqui y un confederado), el asesinato de Lincoln y las posteriores luchas raciales entre los liberados afroamericanos del sur y el recién creado Ku Klux Klan, que en forma controversial (y osada) aparece como “el bando bueno”.
El 8 de febrero de 1915 se estrenó The Clansman, con una duración de dos horas cuarenta minutos (exorbitante duración para la época, por lo que debía proyectarse en dos funciones de dos días seguidos) y un costo final de ciento diez mil dólares, hasta ese momento la más cara de la historia. Ese no fue el único precedente de la película de Griffith, a la que también hay que sumarle sus avances en edición de imagen que apuntan a un desarrollo más narrativo del film, los múltiples ángulos de cámara y los primeros primeros planos (valga la redundancia) de la historia del cine. La banda sonora (obviamente no se escuchaba en la película porque era muda, pero era interpretada por una orquesta en el cine) se convirtió en un hit, el primero generado por una película.
El 3 de marzo fue reestrenada con el nuevo título El nacimiento de una nación, esta vez ya editada definitivamente con tres horas de duración. La entrada costaba la friolera de dos dólares, cuando normalmente los cines cobraban alrededor de ocho centavos… imaginen una entrada de cine en 2008 a 80 pesos. Asimismo, debido a la supuesta “demonización de la raza negra”, la película causó disturbios en varias ciudades donde fue presentada (en Chicago fue prohibida y recién se pudo ver en 1940); un argumento a favor de los que atacaban la película es que la mayoría de los personajes negros eran interpretados por blancos pintados. Sin embargo, a lo que apunta El nacimiento… es que Estados Unidos se fundó a partir del odio y las divisiones entre iguales, algo que, como las técnicas de Griffith, se mantiene en la actualidad.
Por la enorme importancia que cobró el film, posteriormente muchas figuras proclamaron haber actuado en él, sin que haya posibilidad alguna de confirmarlo. Por ejemplo, el gran director John Ford afirmaba que él era uno de los encapuchados del Klan (¿cómo saberlo???).
D.W. Griffith se superaría a sí mismo al año siguiente con Intolerancia, una suerte de respuesta a todos aquellos que criticaron El nacimiento de una nación; pero a diferencia de ésta, fue un fracaso de taquilla.
En 1919 Griffith se unió a Mary Pickford, Douglas Fairbanks (algo así como los Angelina Jolie y Brad Pitt de la década del ’10) y Charles Chaplin para fundar United Artists, para producir largometrajes alejados de los controles de productores y financistas.
Griffith nunca volvería a tener un éxito como el de El nacimiento de una nación, por más que haya hecho unas cuantas películas más de gran calidad (Intolerancia, Lirios rotos, Las dos tormentas). Con la llegada del sonido, su carrera como director llegó a al final. Dirigió un par de películas sonoras y luego fue dejado de lado por la industria de una manera algo innoble. Murió en 1948.

ORO NEGRO, SANGRE ROJA

2008-02-29T15:23:00.002-02:00

Principios del siglo XX. Un hombre dentro de un pozo en medio de tierras áridas busca algo que más tarde encontrará: petróleo, que por aquella época era la nueva gran sensación; ahora es la porquería que mueve al mundo.
Así comienza la minimalista pero poderosa epopeya de Daniel Plainview en Petróleo sangriento, la nueva película del minimalista pero poderoso Paul Thomas Anderson.
Cercano al avasallante carnicero Bill de Pandillas de Nueva York (Martin Scorsese, 2002), pero con más poder verdadero (y capitalizado), como el Michael Corleone de El padrino II, Daniel Day-Lewis entrega otra fabulosa actuación, lo que no hace otra cosa que confirmar lo que ya se sabe: es el mejor actor de su generación. El personaje, eje central de su propia historia, hace de su ambición y egocentrismo la coraza que lo protege de las circunstancias de la vida y de los eventuales errores en los que puede caer por su propia ira. El objetivo no es otro que convertirse en un magnate petrolero al que nadie le pueda tocar el culo. Claro que en el camino se las verá con quienes lo intenten, como el joven predicador pueblerino cuyos escrúpulos quizás estén en el mismo nivel subterráneo de Plainview.
En cuanto al director Anderson, al que nos referimos alguna vez en este blog (ver noviembre 2006) entrega su quinto largometraje, manteniendo una calidad cinematográfica que ya no es sorpresa pero sigue emocionando. Respecto a sus trabajos anteriores, en Petróleo sangriento se pueden observar varios quiebres: es su primer película con un guión adaptado de otra obra (la novela Petróleo!, de Upton Sinclair) que no sea su propia creación; acostumbrados a los escenarios intimistas de Magnolia o Noches de placer, vemos también por vez primera un desarrollo tan amplio en escenas exteriores, que le sale perfecto; esta vez, la historia queda fuertemente centralizada en un solo personaje a diferencia de sus trabajos corales y de los relatos simultáneos de los dos tortolitos de Embriagado de amor.
En lo que se mantiene, que es uno de los puntos neurálgicos de la excelencia de sus películas, es en la imperfección de los protagonistas; si el espectador logra alguna empatía con ellos, será con una cierta culpa. Nadie se va a identificar demasiado con un actor porno que se prostituye para comprar droga, o con un actor teatral que destroza al género femenino con las armas de un tratado sociológico, ni tampoco con Daniel Plainview, que presenta en todas las reuniones a un niño como su hijo para mostrar una imagen familiar puramente demagógica.
Finalmente, me permitiré una pequeña profecía: la frase “He abandonado a mi hijo!!!” en labios del iracundo Plainview, pasará a la historia.
Aparte de ser una gran película, Petróleo sangriento es un estupendo retrato de cómo se gestó esta última parte de la historia, y qué herramientas usó el hombre para ello. No las ideales, como de costumbre.

¡CÓMO SE MUEVE!!!

2008-02-16T13:16:00.002-02:00

Una de las primeras películas hiperpromocionadas por Internet allá por 1999 (ahora es normal) fue The Blair Witch Project. Se vendía como “un video encontrado”, filmado casi en tiempo real, sobre unos estudiantes que iban a un bosque a investigar algo de connotaciones sobrenaturales. Como película de terror supo refrescar al género, sin efectos visuales, ni ríos de sangre, haciendo hincapié en la atmósfera creada más que en el poder de la imagen. Lamentablemente, el film se quedó más en sus buenas intenciones que en eventuales logros (sin mencionar que sus creadores cayeron en la tentación de filmar una decepcionante segunda parte).
En esas instancias había quedado esto de “filmar el terror desde adentro”, hasta Cloverfield (Matt Reeves, 2008), otro producto de JJ Abrams, productor de la serie Lost y director de Misión Imposible 3. La introducción es similar a aquella que mencionamos arriba, una cámara digital encontrada “en la zona que antes se llamaba Central Park”.
Los amigos de un joven ejecutivo que viaja a Japón (la tierra natal de Godzilla, no?) deciden hacerle una fiesta y filmar saludos de despedida; en la misma cinta aparecen intercaladas escenas anteriores de Rob con su chica (en la cama, en el tren…). Todo muy lindo, hasta que se escucha una fuerte explosión, seguida de un corte de luz. De ocurrir esto en Buenos Aires, uno pensaría en un escape de gas, pero la primera idea que viene a la mente de una joven neoyorquina es “un ataque terrorista!!!”. A partir de esta escena, la cámara con la que filma uno de los muchachos es prácticamente nuestros ojos, ya que a esa altura el espectador logró cierta empatía con los protagonistas (otro punto que supera a Blair Witch). Todo se percibe desde “adentro”; los edificios que se derrumban no se ven desde tomas panorámicas sino desde abajo, el monstruo destructor se muestra poco a poco (primero se lo escucha, luego se le ve la cola…); no hay científicos ni jefes militares ni presidentes que nos digan qué está pasando ni de dónde vino ese bicho enorme (apenas algunos pantallazos de “noticia de último momento” en un televisor), sólo somos los espectadores, los protagonistas, sus circunstancias… y la cámara, que en manos del despavorido (y no muy despierto) Hud en muchos casos se moverá frenéticamente, para eventuales mareos de quienes paguen la entrada de cine.
Cloverfield comienza siendo una buena idea con buenas intenciones y termina siendo un producto magnífico que produce emoción y placer para quienes buscan disfrutar de algo más que el efecto visual en el cine.
Claro que no todas podían ser buenas: ya se rumorea en Internet sobre la segunda parte. ¿Para qué alterar lo perfecto?

MUSEO DEL CINE. Episodio 7: La película abortada

2008-02-05T05:31:00.000-02:00

Luego de un puñado de cortos, en 1953 el gran Stanley Kubrick ya estaba listo para rodar su primer largometraje, Fear and Desire, que en realidad dura poco más de una hora. El presupuesto fue ínfimo y en su mayoría aportado por Martin Perveler, un potentado farmacéutico de California y tío de Kubrick. También ayudó su propio padre, que transformó en efectivo la póliza de su seguro de vida para tal fin. El futuro genio del cine se encargó de montaje, filmación y dirección, mientras que media docena de actores principiantes seguían los diálogos de su esposa, Toba. El guionista era Howard Sackler, quien años después formaría parte del equipo de escritores de Tiburón. El sonidista Nathan Boxer durante los ’70 trabajó en varias películas de Francis F. Coppola, pero en Fear and Desire fue despedido por Kubrick, quien tomó el sonido también a su cargo.
¿El argumento? Como prólogo a las tantas incursiones de Kubrick en el género bélico, la historia narra cómo cuatro soldados en una guerra ficticia deben atravesar territorio enemigo, y el encuentro en el camino con una joven perdida. Hasta ahí todo bien. La película se estrenó en Estados Unidos, tuvo buenas críticas (incluso algunas apostaron fichas para “ese nuevo realizador” que se convertiría en un grande); obvio que al ser de bajo presupuesto no la vio casi nadie. Sin embargo, en lo que sería el comienzo de su manía detallista y perfeccionista (por no decir obsesiva compulsiva), Kubrick mandó a retirar del circuito todas las copias de Fear and Desire, por considerarla “chapucera” y como “un dibujo hecho por un niño”.
El tiempo pasó, Kubrick se hizo de un merecido renombre en el mundo del cine… todo eso ya lo sabemos, pero mientras tanto, el público quería ver aquella primer película del maestro, y que no se podía conseguir. Cuando ya se suponía a Fear and Desire una película perdida, el negativo de cámara original se encontró a finales de los ’80 en la bodega de un galpón en Puerto Rico (no pregunten cómo llegó ahí, nadie sabe). En 1993 fue adquirido por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, en Washington DC. Actualmente se encuentra en el Centro Nacional de Conservación Audiovisual, en Culpeper, Virginia. Sin embargo, abundan las copias piratas y además existe una sola copia legal en el museo de fotografía George Eastman House (también conocido como Kodak) en Rochester, Nueva York. Los herederos de Kubrick permiten ver el film, pero sólo en forma individual (no puede proyectarse a sala llena, por ejemplo), y obviamente no se pueden hacer copias ni la cinta debe salir del museo.
En realidad, el deseo de Kubrick era que nadie más viera la película, por eso evitó las posteriores re-ediciones de la cinta. Lo que no sabía era que Kodak, al realizar ediciones de cintas, tiene una política interna de hacer una copia extra para sus archivos. De allí vienen las copias piratas que se pueden conseguir en DVD o VHS.

MUSEO DEL CINE. Episodio 6: El poder de la botella

2008-02-02T05:12:00.000-02:00

Cuenta la historia que una mañana de 1944 el gran director Billy Wilder (Pacto de sangre, Sunset Boulevard, Infierno 17, Sabrina) viajaba de New York a Hollywood en tren cuando en la estación de Chicago bajó a comprar algo para leer en el viaje; entre el material de lectura se encontraba The lost weekend, novela más bien autobiográfica de Charles R. Jackson, que narra los desesperantes cuatro días que pasa un escritor para superar su alcoholismo y el consecuente síndrome de abstinencia. Wilder había tenido una reciente experiencia referida al tema: el rodaje de Pacto de sangre (1944) se había visto varias veces demorado por las crisis alcohólicas de su coguionista, Raymond Chandler.
Al llegar el tren a Hollywood, Wilder ya tenía el boceto mental para realizar la película, que se estrenaría al año siguiente, con dirección de Wilder y guión suyo junto a Charles Brackett, quien también sufría el problema del alcohol en su familia, con su esposa e hija; el protagonista fue Ray Milland, que tuvo una actuación descollante.
El preestreno de Días sin huella (así se llamó en el mundo hispanoparlante) fue un rotundo fracaso. El público, acostumbrado a ver borrachos sólo en comedias obviando el costado dramático de la enfermedad (en parte, para evitar la realidad), le dio una fría recepción a la película, incluso muchos preveían el final de la carrera actoral de Milland. Pero ese no era el único problema: se rumoreaba que la industria de las bebidas alcohólicas tenía intención de comprar los rollos de la película para sacarlos de circulación (o sea, destruirlos), agregado a que antes de la realización le habían ofrecido a la productora Paramount cinco millones de dólares para no filmarla (bromeando, una vez Wilder dijo que si se lo hubieran ofrecido a él, no la dirigía). Asimismo, la Hays Office (el organismo de censura de Hollywood) le buscaba el pelo al huevo a esa obra que ofrecía una nueva, incómoda y cruda mirada sobre el alcoholismo. Paramount tomó la sabia decisión de guardar la película y “esperar a ver qué pasa”. Mientras tanto, Billy Wilder recibió el llamado de la patria para combatir en la Segunda Guerra Mundial.
Por esas cosas del comportamiento de las masas, en noviembre de 1945, con la guerra ya terminada y con el mundo ante un nuevo orden, Días sin huella fue valientemente estrenada, resultó un éxito de críticas y el público le dio la bienvenida que antes le había retaceado. Ganó 4 Oscars (película, director, actor y guión), el Globo de Oro y fue una de las premiadas en la primera edición del Festival de Cannes.
Luego de Días sin huella, Billy Wilder quedó consagrado como uno de los mejores directores de la historia. Otro día nos dedicaremos al resto de sus obras maestras. Ray Milland siguió manteniendo su carrera por décadas pero la cúspide de su trabajo siempre fue el alcohólico Don Birnam. En cuanto a Charles R. Jackson, los ingresos por los derechos de su obra hecha película le redituaron varios años de estabilidad económica. Lamentablemente, nunca pudo liberarse de su adicción al alcohol, por lo que se suicidó en 1968. Otra trágica historia de talento desperdiciado.

TOP 5: APOCALÍPTICAS

2008-01-16T03:01:00.000-02:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-TWELVE MONKEYS. Doce monos (Terry Gilliam, 1995)
2-THE TERMINATOR. (James Cameron, 1984)
3-THE MATRIX (L. Wachowski – A. Wachowski, 1999)
4-PLANET OF THE APES. El planeta de los simios (Franklin Schaffner, 1968)
5-MAD MAX 2: ROAD WARRIOR. El guerrero de la carretera (George Miller, 1982)
Bonus track: I AM LEGEND. Soy leyenda (Francis Lawrence, 2007)

LOS AFFLECK LA PEGARON

2007-12-07T19:25:00.000-03:00

Como bien sabemos todos, Ben Affleck es de esos actores híperpromocionados pero más bien de madera a la hora de hacer su trabajo (como pasa con David Beckham en el ambiente futbolístico). Esta vez no lo vemos porque se encuentra detrás de la cámara dirigiendo… y resulta que le salió muy bien para ser la primera vez; llámenlo suerte de principiante o como sea, pero Desapareció una noche es un film de suspenso y drama que sabe mantener la tensión del nudo de la historia sin caer en lugares comunes: los “buenos” no son tan buenos, los “malos” no se evidencian demasiado y lo que se supone que está bien hacer se somete al punto de vista de cada uno.
Indefectiblemente Desapareció una noche nos recuerda a la gran Río místico (Clint Eastwood, 2003), lo cual no es casualidad: los libros en los que se basan ambas películas fueron escritos por el mismo autor. Los mismo elementos argumentales reaparecen, los barrios de Boston, recuerdos de infancia (“sí, lo conozco, iba a la escuela conmigo”) unidos a pasados oscuros, el abuso sexual infantil, la inteligente perspectiva del autor sobre la justicia por mano propia (sin tomar partido alguno sino ofreciéndolos a elección del espectador), y el desenlace, completamente inesperado y distinto a lo que vimos antes.
Una niña de cuatro años es raptada de su casa y el caso se convierte en el típico circo mediático; nada nuevo bajo el sol, pero como siempre, cuando observamos más de cerca descubrimos las cosas nuevas: la madre de la nena es una alcohólica drogadicta que hace de mula para un peligroso dealer barrial; al policía a cargo de la investigación (un sobrio Morgan Freeman) también una hija le fue secuestrada y asesinada años atrás; a la vez, dos detectives con aspecto de sabuesos aparecen de la nada, aunque uno de ellos es Ed Harris, y con él nunca se sabe; la tía de la chica contrata a una pareja que se dedica a buscar personas (Casey Affleck, hermano del director y Michelle Monaghan, la de Misión Imposible 3)… no perdidas sino escapadas, del tipo morosos incobrables, así que aceptan el trabajo sin mucho convencimiento, hasta que se involucran lo suficiente como para creerse útiles en la búsqueda que una ciudad entera está realizando. Patrick (C. Affleck) se crió entre los “pesados” del barrio y hasta alguna vez fue un drogón pero se pasó del lado de la ley, así que se las sabe todas, hasta enfrentarse a un poderoso mafioso sin que le tiemble el pulso. Por otra parte, a Angie (Monaghan) le sale el instinto maternal latente que las mujeres suelen tener (pero que la madre de la nena perdida muestra sólo ante las cámaras) y toma el caso de una manera algo personal.
Respecto a las actuaciones, Affleck tiene una voz de flauta medio quebrada que al principio desconcierta pero después uno se acostumbra (definitivamente actúa mucho mejor que su hermano), Monaghan no aporta mucho, Harris imprime su acostumbrada intensidad y Freeman, como dijimos, la lleva tranquilo. Mientras, esperemos que Ben se quede ahí donde está.

EL REGRESO DEL IMPLACABLE NARANJA

2007-10-18T03:35:00.000-03:00

Hace como 20 años habíamos conocido al holandés Paul Verhoeven cuando preguntamos quién había dirigido Robocop. Más adelante sorprendió con una sólida cinta de ciencia ficción como fue El vengador del futuro (1990) Y su nombre quedó definitivamente registrado cuando capitalizó al máximo la sensualidad de Sharon Stone (como vimos todos) en Bajos instintos (1992). Luego vinieron Showgirls (1996) que también sorprendió pero por su inferioridad frente a las películas precedentes; Invasión (1997), otra de ciencia ficción, pero con la interesante ambigüedad de presentar héroes muy poco carismáticos (¡y casi todos porteños!), y la versión más sanguinaria del hombre invisible, El hombre sin sombra (2000). Estas películas, que vimos todos, indican sin duda un patrón en común que no es otra cosa que la marca del director: la utilización de erotismo y violencia explícitos, sin descuidar el hilo argumental, sino que más bien haciendo trabajar ambos elementos en función del mismo.
Claro que la carrera de Verhoeven no empezó con el policía mitad hombre mitad máquina. En Holanda, en la década del ’70, lanzó un puñado de películas con temática lindante al erotismo, como Diario de una prostituta (1971), Pasión obsesiva (algo así como una Love Story más cruda) o Sudor caliente (1975), material con “buena salida” en los Países Bajos. Luego aparecería la veta violenta y tajante del holandés, con El soldado de Orange (1977), El cuarto hombre (1983) y Los señores del acero (1985); con todo esto aceptó el acertado llamado de Hollywood. Así es como pudimos ver a un maleante deshecho en ácido, un guerrillero con otro cuerpo en el vientre, el cruce de piernas más famoso de la historia (incluso después de la afeitada), unos recalcitrantes fascistas salvando al planeta y una mujer violada por un ser invisible.
Seis años después de su último largometraje reaparece con Black Book, una historia de espionaje… y sufrimiento humano en la agonía de la Segunda Guerra Mundial, cuando algunos nazis mantenían un ciego optimismo pero la mayoría ya no le daba bola a lo que ordenaba Hitler desde la sitiada Berlin.
Una joven cantante judía recurre a sus dotes histriónicas para sobrevivir a la cacería nazi en distintos escondites. Luego de que su familia entera fuera asesinada en una emboscada, se vincula con elementos libres de la Resistencia holandesa, donde demuestra coraje y una asombrosa capacidad de sobreponerse a la adversidad al seducir a un oficial del Tercer Reich para lograr la liberación de unos prisioneros, y de paso iniciar su venganza contra el encargado de masacrar a toda su familia. La historia atrapa desde el suspenso que siempre conlleva el espionaje en el cine y en las novelas de género, sumado a los elementos favoritos de Verhoeven que mencionamos arriba: el erotismo sin vueltas y la más cruda violencia. Las peripecias de los protagonistas, en un juego de gato y ratón con un constante cambio de dirección y sentido, evitan que la historia caiga en lo trillado que se había convertido el subgénero de “historias de la Segunda Guerra”.
Así las cosas, en Black Book volveremos a ver mujeres desnudas (y hombres también), sangre salpicada y muchos muertos. Eso sin contar el final, o mejor dicho, los últimos cinco segundos, más bien desesperanzadores. Verhoeven en su estado natural.

TOP 5: PAUL VERHOEVEN

2007-10-16T02:04:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones)

1-ROBOCOP (1987)

2-TOTAL RECALL. El vengador del futuro (1990)

3-ZWARTBOEK. El libro negro (2006)

4-BASIC INSTINCT. Bajos instintos (1992)

5-STARSHIP TROOPERS. Invasión (1997)

bonus track: HOLLOW MAN. El hombre sin sombra (2000)

LYNCH REZARPADO

2007-09-28T18:43:00.000-03:00

Si en las películas anteriores David Lynch había mostrado signos de ser un director atípico, más allá de su genialidad, en su última producción, Imperio, puso toda la carne en el asador. Si el “público normal” se había quedado con cabos sueltos en Carretera perdida (1998) o Mulholland Drive (2001), ni se molesten en ir a ver Imperio porque a la media hora van a quedar como perro en cancha de bochas… sin tener en cuenta que la duración total de la película se acerca a las tres horas.
Con mucha influencia del Bergman de Persona (1966), con pizcas surrealistas y multiplicando el grado onírico de Mulholland Drive, Lynch va construyendo su historia con elementos completamente disímiles; el propio correlato toma dos direcciones, pero ambas se recorren por turnos, como si se tratara de una rayuela cinematográfica, hasta que llega un momento en el que todo lo que parecía pedazos diferentes entre sí queda como un hermoso patchwork.
Filmación de una filmación, protagonistas y director de una película que comienzan a rodar, se enteran de que ya había sido comenzada años atrás pero sin terminar por la muerte de sus actores, “debido a que la historia está basada en una leyenda gitana polaca y por lo tanto la filmación anterior había sido blanco de una maldición”. Con decir sólo eso me pueden responder “qué boludez estás recomendando”, pero el entretejido de realidad concreta y fantasía abstracta que Lynch muestra vale por su propio peso y se convierte en el eje de la historia.
Mención aparte para la brillante Laura Dern y la mejor (y múltiple) actuación de su carrera, y lo justificada que queda la protesta de Lynch porque la Academia no la nominó al Oscar. Espero que la gente que conoce a este asesor cinematográfico ahora comprenda por qué es mi actriz favorita.
Y si se preguntan a qué se refiere el título, Inland Empire, es lo mismo que Mulholland Drive, un lugar, sólo eso. Yo que ustedes me ocuparía más de la gente con cabeza de conejo.
Reitero, en Imperio David Lynch no se guardó nada y el resultado fueron dos conclusiones inapelables: le salió fabuloso, y siempre tuvo razón.

TOP 5: DAVID LYNCH

2007-09-28T03:26:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones)

1-MULHOLLAND DRIVE. El camino de los sueños (2001)

2-BLUE VELVET. Terciopelo azul (1986)

3-INLAND EMPIRE. Imperio (2006)

4-THE ELEPHANT MAN. El hombre elefante (1980)

5-THE STRAIGHT STORY. Una historia sencilla (1999)

bonus track: WILD AT HEART. Corazón salvaje (1990)

VIGENCIA

2007-08-20T00:28:00.000-03:00

En estos últimos años aquella premisa que rezaba “segundas partes nunca son buenas” fue perdiendo validez, sobre todo en las secuelas de superhéroes. Así y todo, hablar ya de una cuarta parte no podía significar nada bueno. Hasta que vemos Duro de matar 4.0. Estamos en condiciones de afirmar con toda seguridad que la primera película (John McTiernan, 1988) es una obra maestra del cine de acción, la segunda (Renny Harlin, 1990) se asentaba demasiado en clichés de la anterior (otra vez Navidad, otra vez Holly en peligro, otra vez falta de colaboración policial) y la tercera (McTiernan, 1995) mejoraba bastante la saga pero tenía severos baches en su desenlace (la parte del barco es muy mala). Así y todo, la 2 y la 3 fueron buenas, pero la 4… es mejor!
Ahora John McClane, veinte años más viejo que cuando eliminó a doce terroristas ladrones en un edificio de cuarenta pisos, ya fue merecidamente ascendido a detective y dejó el alcohol, pero sigue divorciado y se lleva mal con su hija, una atractiva joven con un carácter de origen puramente genético. ¿Los terroristas de turno? Ya son modelo siglo XXI; si recuerdan el asalto informático a la torre de control del aeropuerto y lo multiplican por mil, tal vez se acerquen a la peligrosidad de los jóvenes villanos de 4.0, donde los peligros son renovados y le dan la frescura que uno supone no encontrará en una saga de dos décadas de duración; las situaciones y las escenas de acción mantienen el alto impacto, hay autos, helicópteros, un avión, un temible acróbata, una hermosa oriental (sabíamos que John tenía nociones machistas pero faltaba confirmarlas zurrando a alguna perra), todo eso sumado al acostumbrado y gracioso monólogo de McClane cuando la cosa se complica inesperadamente: del “ven a la costa, nos divertiremos todos juntos” de la 1, al “Sólo tienes que ir a buscar a un chico en New Jersey, John. Qué tan difícil puede ser?”. Esta vez los hechos transcurren en más de veinticuatro horas (a diferencia del casi tiempo real de las dos primeras películas), abarcando varios kilómetros de distancia entre los distintos escenarios. Bruce Willis es el "bueno" que amamos ver aporreado, golpeado y lastimado, porque así es como llega a borrar del mapa a los malos.
Ya podemos decirlo: yipi kai yey, John McClane es garantía de calidad.

MUSEO DEL CINE. Episodio 5: “La más grande película jamás realizada”

2007-08-08T18:03:00.000-03:00

El 16 de diciembre de 1962 se estrenó Lawrence de Arabia, de David Lean. Tres horas y media después, la historia del cine tenía una joya más en su haber. Sin embargo, dos meses antes la revista Time reportaba: “Se afirma que Lawrence de Arabia ya es descripta como la más grande película jamás realizada”. Pero no todo fue color de rosa (pese a los rumores de homosexualidad del verdadero T.E. Lawrence). Veamos:
El productor Sam Spiegel (que ya había trabajado con Lean en El puente sobre el río Kwai) inicialmente contaba con un presupuesto de dos millones y medio de dólares y un plazo estipulado para realizar la película de cuatro meses. A la fecha de estreno, se habían gastado trece millones y habían pasado dos años (en los cuales Lean se tomó sólo un día libre por estar enfermo).
En febrero de 1960, Spiegel y Lean ya tenían elegido para el rol protagónico a Marlon Brando, pero éste desistió para hacer El motín del Bounty (dirigida por Lewis Milestone, que alguna vez había querido filmar la vida de Lawrence). Varios castings y meses después, Katharine Hepburn le recomienda a Spiegel que contrate a un actor de teatro que hacía poco debutaba en cine, llamado Peter O’Toole. Alain Delon iba a formar parte del elenco, pero tuvo problemas con las lentes de contacto marrones (?), así que el elegido para el papel de Sherif Ali fue Omar Sharif. Alec Guinness, históricamente interesado en la vida de T.E. Lawrence, quería el rol protagónico, pero Lean y Spiegel lo convencieron de que ya estaba mayor para el mismo. De todas maneras, Guinness hizo el papel del príncipe Feisal, que Laurence Olivier había rechazado. Completa el elenco principal el único americano de todos ellos: Anthony Quinn.
Cuando el equipo de producción se trasladó a España, la filmación se demoró por tres meses, debido a que el guionista Robert Bolt fue encarcelado por participar en una protesta contra el armamento nuclear.
En una entrevista televisiva, Peter O’Toole relató una anécdota que reflejaba cuánto había demorado la filmación: en una escena, Lawrence y el general Allenby (Cdte. en Jefe de las fuerzas británicas en Arabia) se encuentran bajando una escalera. “Fue una escena que se debió filmar varias veces y también fue pospuesta”, dijo O’Toole, “tanto que cuando terminé de bajar la escalera, era un año más viejo que cuando estaba en el piso de arriba”.
Para la banda sonora, Spiegel tenía planeado utilizar tres compositores, uno para la música árabe, otro para la música inglesa y el tercero para musicalizar las escenas más dramáticas de la película; éste último sería Maurice Jarre. Los meses pasaron y Spiegel sólo tenía un compositor que no lo convencía, así es que semanas después el encargo de la banda sonora completa recayó en Jarre, que ya contaba con muy poco tiempo antes del estreno de la película. Igualmente, el francés lo logró, e incluso le alcanzó para dirigir él mismo a la Orquesta Filarmónica de Londres en la grabación. El resultado fue una de las mejores bandas sonoras de la historia.
Pese a que en Lawrence… no hay ni una sola línea de diálogo pronunciada por una mujer, durante la filmación tuvo lugar una historia de amor: parte de la película se filmó en Jordania; el rey Hussein cedió una brigada entera de su Legión Árabe para que hicieran las veces de extras (así que muchos de los soldados que se ven… son realmente soldados). Con frecuencia Hussein visitaba los sets de filmación, y allí es donde conoció a una joven inglesa que trabajaba en la producción, Toni Gardiner, de la cual quedó completamente enamorado. Se casaron en 1962. El hijo mayor de ambos, Abdullah II, es el actual rey de Jordania.
Lawrence de Arabia se alzó con 7 Oscars incluyendo mejor película y director, y 5 Globos de Oro. Ocupa el puesto Nº 7 de las mejores películas de habla inglesa del American Film Institute, y por ahí pueden encontrarse con alguien que les diga que es la mejor.
Hay unas interesantes reseñas en www.alohacriticon.com/elcriticon/article2571.html.

MUSEO DEL CINE. Episodio 4: La cuna

2007-08-03T01:11:00.000-03:00

El legendario Cecil B. DeMille, contratado por la Jesse Lasky Feature Play Company, buscaba una locación más realista que la que la productora le había otorgado en Nueva Jersey para filmar su ópera prima, The Squaw Man (es un juego de palabras, “squaw” significa “mujer indígena”; en el mundo hispanoparlante se conoce como El Mestizo). Por una recomendación, en diciembre de 1913 el director viajó en tren hasta Flagstaff, Arizona, lugar que tampoco fue de su agrado, así que siguió camino hacia el oeste.
DeMille llegó a la costa californiana y le envió un telegrama a Lasky que hoy es uno de los más famosos de la historia del cine:

LLEGUÉ A CALIFORNIA.
PIDO AUTORIZACIÓN PARA ALQUILAR TERRENO EN UN LUGAR LLAMADO HOLLYWOOD, 75 DÓLARES POR MES.
SALUDOS A SAM.

“Sam” era Samuel Goldfish (luego Goldwyn), cuñado de Lasky y gerente comercial de la productora. Lasky y Goldfish le dieron el permiso a DeMille, pero sólo por un mes. La película se estrenó en febrero del año siguiente.
Ese terreno se convertiría en el lugar donde se instalarían los estudios Paramount. Y después todos los demás.
Seis meses después, W.W. Hodkinson crea Paramount Pictures para financiar y distribuir películas de productores independientes. Sus primeros clientes serían Jesse Lasky y Adolph Zukor, quienes en 1916 adquirirán el 50% del paquete accionario.

ADIÓS (con las mejores intenciones del cine)

2007-07-31T00:07:00.000-03:00

Ingmar “Nacho” Bergman está muerto. Al igual que Tataglia, Barzini, Mo Green, las cabezas de las 5 familias. Nos dejó pronto, con tan sólo 89 años recién cumplidos, pero dicen sus allegados que murió en paz, en su casita de la isla de Farö. Recuerdo que él siempre me decía: “cualquier hispanoparlante boludo se piensa que la isla se llama así porque tenemos un faro y nada que ver, con los reflectores de las mansiones alcanza y sobra”. Así de espontáneo era Nacho, como lo llamábamos los amigos.
Se fue una de las glorias del cine, sin ningún lugar a dudas; lo que se dice un maestro de maestros, alguien que sentía de verdad el séptimo arte, como lo demostró en El séptimo sello (1957). Durante cuarenta años Nacho supo entregar una obra de arte tras otra, desde su prometedor guión de Tortura (Alf Sjöberg, 1944) y su debut detrás de las cámaras con Crisis (1946), hasta aquella maravilla que fue Fanny y Alexander (1982), muchos dicen que estaba buena pero que era muy larga (“para estar tres horas sentado voy a ver Titanic”, supe escuchar)… eso es porque no les pasó lo que a mí: una tarde estábamos con Nacho tomando una cerveza en un barcito de Goteborg y de pronto me dice “no querés ver la versión para TV de Fanny y Alexander?”. Yo acepté encantado, pero sin saber que la versión televisiva era de cinco horas y doce minutos, así que pasado ese tiempo me tuve que dibujar la raya del culo, mientras le agradecía a la esposa de Nacho las albóndigas suecas (köttbullar) que me había convidado mientras veíamos la película. Después de Fanny y Alexander ya se dedicó de lleno a las películas para televisión, cosas de viejo chocho como se dice comúnmente, lo que no quita que nos haya entregado una estupenda y amena visión autobiográfica en Con las mejores intenciones (Bille August, 1992) y Saraband (2003), la continuación de Escenas de la vida conyugal (1973), que pudimos ver en los cines argentinos la temporada pasada, lo que provocó comentarios del tipo “Bergman está vivo todavía?”.
De más está mencionar el resto de su obra, el legado que nos dejó para siempre ahora que se fue siendo tan joven; si no viste nada de Bergman, fijate en Internet, elegí una que seguro es por lo menos buenísima. Si querés llevarte por estadísticas, las tres veces que fue nominado al Oscar, La fuente de la doncella (1960), Detrás de un vidrio oscuro (1961) y la ya nombrada Fanny y Alexander, se llevaron la estatuilla, como Cuando huye el día (1957) se alzó con el Oso de Oro en Berlin y con el premio mayor en Mar del Plata, entre otros tantos premios para el resto de sus filmes. Es muy válido que se diga esto en Argentina, uno de los pocos países en donde se le dio a su filmografía el valor que merece (quizás por la misma razón por la que nuestros psicólogos se llenan de guita); menos mal que el analfabetismo de las sucesivas dictaduras sólo alcanzó para que El silencio (1963) fuera prohibida… para menores de 22 años. Si me preguntan, mi favorita es Persona (1966), pero no quiere decir que sea la mejor. La que a él más le gustaba y le parecía su mejor película por lejos, era una de las menos conocidas, Luz de invierno (1962). En 2005 la revista Time lo calificó como el más grande director de cine vivo. Ahora tendrán una difícil tarea para cambiar el nombre.
Nacho Bergman tenía sus cosas. No sólo por sus cuatro divorcios, sino que, por ejemplo, no le agradaba cuando alguien le preguntaba si tenía algún parentesco con Ingrid Bergman: “no tengo nada que ver con esa borracha falopera”, solía responder. En una ocasión nos encontrábamos en un comedor de Malmö cenando räksallad (ensalada de camarones) cuando me dijo “Lucas, acá en Suecia los Bergman somos como los Ríos en Argentina, por eso la confusión”. En esa misma oportunidad descubrí que, así como sabía una guasada de cine, en otras materias no era muy fuerte. Mientras venían los postres me dijo "a esos chicos nuevos que salieron, Abba, no les veo mucho futuro", y después agregó "pero las minas están buenas".
Solíamos tener nuestras discrepancias en materia de cine: mientras yo defendía a Orson Welles, él se despachaba con que era un “gordo roñoso que se hacía el pistola pero no sabía ni actuar ni filmar” y que su obra cumbre, El ciudadano, “era un embole”. Lo mismo sobre Jean-Luc Godard: “es un aburrido de mierda y un chanta que hace películas que no se entienden un carajo y son para los críticos nomás”. Un día estábamos en un bodegón de Estocolmo dándonos una panzada de tomatstill (arenque en salsa de tomate), cuando me contó que “cuando ese boludazo de Godard vino a Suecia a filmar Masculino Femenino, me daban ganar de echarlo a patadas en el culo”. Claro que teníamos nuestros puntos en común, como la idea de que Antonioni “es un dormido”, y en enaltecer a Coppola y Scorsese; de las última películas estadounidenses que le mostré, le encantaron como a mí Traffic, Belleza americana y Magnolia.
Otras cosas también nos unían aparte del amor al cine, los dos somos de cáncer, fans de Roxette, hijos de curas e hinchas del Uppsala FC. En 2002 me llamó una madrugada burlándose de que Suecia había eliminado a Argentina del mundial, ahí lo mandé a la puta que remil parió y no nos volvimos a hablar hasta 2005, cuando cortésmente lo llamé para felicitarlo por lo de Time, justo estaba tomando una artsoppa (sopa de cerdo y legumbres), y de paso me recomendó Saraband. A principios de este año, cuando se estaba recuperando de la operación de cadera, me invitó a Farö para tomarnos unas copas de aquavi (aguardiente de papa) y charlar sobre las cosas de la vida, como las mujeres, ahí fue cuando me contó que “Liv Ullman es una frígida de mierda, no la calentás ni con un reactor nuclear, pero en esa época estaba para darle y le di”.
De mi gran amigo Nacho Bergman no hay mucho más para decir, hay sin embargo, todo para ver, o volver a ver. En estos momentos le podría estar haciendo un primer plano a Dios, si no fuera porque era un ateo hijo de puta.

FAMILIA

2007-07-29T03:43:00.000-03:00

Mi papá: Stanley Kubrick
Mi mamá: Audrey Hepburn
Mi esposa: Cate Blanchett
Mi amante: Laura Dern
Mi hija: Scarlett Johansson
Mi abuelo: Francis Ford Coppola
Mi abuela: Marlene Dietrich
Mis bisabuelos: Alfred Hitchcock y David Lean
Mi tatarabuelo: Buster Keaton
Mi tío abuelo: Sergio Leone
Mis tíos: Martin Scorsese, Brian De Palma, Oliver Stone, Al Pacino, Jack Nicholson
Mi tía: Meryl Streep
Mi tío gallego gay: Pedro Almodóvar
Mi padrino: David Lynch
Mi madrina: Holly Hunter
Mis primos: Daniel Day-Lewis, Johnny Depp y Edward Norton
Mis primas: Juliette Binoche y Kate Winslet
Mi prima que está pa darle: Uma Thurman
Mi hermano: Quentin Tarantino
Mi amigo de la infancia: Bruce Willis

TOP 5: REMAKES

2007-07-17T20:34:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones. Se califica la calidad de la versión más nueva)

1-SCARFACE. Cara cortada (Brian De Palma, 1983) basada en Scarface (Howard Hawks, 1932)
2-BEN HUR (William Wyler, 1959) basada en Ben Hur (Fred Niblo, 1925)
3-CAPE FEAR. Cabo de miedo (Martin Scorsese, 1991) basada en Cape Fear (J. Lee Thompson, 1962)
4-NOSFERATU (Werner Herzog, 1979) basada en Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens (F.W. Murnau, 1922)
5-THE MANCHURIAN CANDIDATE. El embajador del miedo (Jonathan Demme, 2004) basada en The Manchurian candidate (John Frankenheimer, 1962)

LA MOVIDA DE EUROPA DEL ESTE!

2007-07-17T19:35:00.000-03:00

Que alguien vaya a Europa y le digan que en Eslovaquia están las mejores minas es como si a un turista extranjero le dicen que la mejor movida del país está en… Formosa. Esto les ocurre a los jóvenes (ergo, materia dispuesta a ser víctimas) protagonistas de Hostel (Eli Roth, 2005), película de terror extremo, lo que se conoce como gore, o sea, sangre y descuartizamientos a lo pavote.
Si hay que calificar al film, podemos afirmar sin dudas que es bastante malo, pero que el entretenimiento está garantizado para los amantes del género. En base a esta deficiencia de calidad, sumada a que ninguno de los protagonistas es reconocible (ni destacadas sus actuaciones), como tampoco lo es su director, es que el gancho principal se encuentra apenas comenzada la película con ese crédito que reza “Quentin Tarantino presenta”. No sería la primera vez que QT nos hace tragar un sapo con sus recomendaciones (sin ir más lejos, La balada del pistolero), pero en este caso una vez más se le puede atribuir el gaffe a su cinefilia: el desarrollo de Hostel recuerda mucho a las películas de terror ítaloamericanas de los ’60 y ’70, en las que guión, actuación, maquillaje, etc. eran una desgracia… pero las chicas eran lindas y los monstruos bien malparidos. Aquí también hay de eso: hermosas eslovacas más fáciles que la tabla del 2, sádicos psicópatas internacionales, una peligrosísima pandilla de… niños y partes del cuerpo humano fuera de sus lugares habituales.
El cine que le gusta a la gente, ¿no?

MUSEO DEL CINE. Episodio 3: La venganza de FF

2007-05-22T22:54:00.000-03:00

La acción transcurre el 27 de marzo de 1973. Una atípica entrega de los premios Oscar. Como no podía ser de otra manera, Marlon Brando ganó el premio al mejor actor por su papel en El Padrino, pero lo rechazó (como había hecho con el Globo de Oro en enero) enviando a una muchacha indígena a explicar el por qué del desaire, “debido al maltrato que Estados Unidos tenía hacia los indígenas”, algo que nunca se entendió del todo bien (menos cuando se supo que la chica en realidad estaba disfrazada). Más allá de eso, se estaba dando una suerte de batacazo: Cabaret, el musical de Bob Fosse, arrasaba la noche con siete estatuillas ganadas, contra una sola (guión adaptado) de El Padrino, la gran candidata; la segunda fue la de Brando, que siguió a la que alzó Liza Minnelli, un sueño que su madre (Judy Garland) no había podido cumplir, pero sí su padre (Vincente Minnelli).
Llegaba el turno del mejor director, casi un golpe de gracia: el ganador fue Bob Fosse, mientras Coppola aplaudía con sonrisa de catálogo. Si El Padrino no se llevaba mejor película no sé qué hubiera pasado.
8 de abril de 1975, otra ceremonia con problemitas. En su discurso de agradecimiento, el productor de Hearts and Minds, ganadora del premio al mejor documental, se puso a leer un telegrama… del Viet Cong. Mientras tanto, Francis Ford Coppola tenía su revancha: El padrino II ganaba ya cuatro Oscar (el guión, la música, dirección artística, Robert De Niro), el quinto fue para Coppola y el sexto convertiría a la película en la única segunda parte en repetir el triunfo de la primera en los premios de la Academia. Lenny, de Bob Fosse, también estaba nominada para varias categorías (entre ellas nuevamente película y director) pero no ganó absolutamente nada, al igual que la otra película nominada de Coppola, La Conversación.
Fosse y Coppola se volverían a enfrentar en la “arena” de la Academia el 14 de abril de 1980, aunque ésta mostraría una indolencia indignante al premiar sólo la música de All That Jazz y el sonido de Apocalipsis Now, más un par de cosas más.

TRESCIENTOS PENES

2007-05-21T23:01:00.000-03:00

Debe haber unas trescientas razones por las que no debería recomendar 300, pero en este momento no se me ocurre ninguna.
Por lo pronto puedo decirles que si esperan ver algo del tipo Corazón valiente o Espartaco, olvídenlo, 300 está completamente apoyada en el aspecto gráfico y visual, ya que está basada en una novela gráfica (algo así como un libro de cómics) de Frank Miller, el de Sin City; sería como ver a San Martín al borde de un precipicio en Los Andes con un mosquete en una mano y una espada en la otra, decapitando y destripando. O sea, no es una épica pero tampoco son dibujos animados.
Más allá de la indefectible licencia artística, la película tiene bastante más fidelidad histórica de la que uno podría imaginar hasta minutos antes de entrar al cine. Breve pantallazo retro: allá por el siglo V AC el imperio persa estaba en franca expansión; primero con Darío, luego con su hijo Jerjes, se había adueñado de toda la ribera oriental del Mediterráneo (sin contar al este del mismo), pero faltaba Grecia. En lo que se conoció como las Guerras Médicas, Persia invadió a la cuna de la civilización occidental en 490 AC, lo que culminó en victoria para los locales en la olímpica batalla de Maratón. Diez años después, un ejército persa mucho más cuantioso (alrededor de doscientas mil cabezas) va por la revancha con el propio rey Jerjes al mando. Las tropas defensoras, que entre griegos, espartanos y alguno más de por ahí, no llegaban ni al 1% del ejército persa, soportaron las primeras embestidas en el angosto paso de las Termópilas (que en la película se toman la molesta molestia de traducirlo a “Puertas Calientes”), pero luego sucumbieron debido a que los persas le encontraron la vuelta gracias a un griego que tuvo un iscariotesco paso a la historia. Mientras ocurrían estos hechos, el grueso del ejército helénico con su flota se reacomodaba en el golfo de Salamina, donde el propio Jerjes fue derrotado meses después, mientras que al año siguiente Grecia lograría su definitiva victoria sobre Persia en la batalla de Platea, pero siempre, cosa curiosa, en inferioridad numérica respecto al oriental enemigo.
Como decíamos, la película tiene un despliegue visual que llena los ojos, ayudado por una banda sonora de gran impacto (sobre todo en la percusión), que hasta incluye por ahí una guitarra eléctrica. El hilo argumental es bastante simple y hasta resume los hechos de las Guerras Médicas, por ejemplo, lo que se muestra al comienzo de la película con el provocador asesinato de los emisarios persas, en realidad había ocurrido diez años antes (la misma disputa que culminaría en Maratón). Asimismo, el relato no peca ni de ingenuo ni de engañoso, salvo en algunos aspectos técnicos que se pueden hacer notar, como los improbables dos metros y medio con los que se presenta a Jerjes, las máscaras metálicas de sus soldados (?), las luchas cuerpo a cuerpo aisladas del resto de la batalla, o el hecho de que absolutamente ningún soldado en la historia fue a una batalla con el torso desnudo, por más músculos y anabólicos que lo cubran. Pero estos detalles, sumados al volumen en el que hablan los protagonistas, más los cadáveres y las flechas, que se cuentan como granos de arroz en un paquete de un kilo, conforman un alegato tirando a machista, que va de la mano con la hazaña épica que se relata.
El que quiera hacer un correlato con el presente, refiriéndose a la lucha entre una civilización occidental y otra oriental, el asunto no pasa por ahí, sino por el intento de conquista de un imperio que en sus tropas tiene más esclavos que soldados (sólo que los esclavos persas no eran forzados a enlistarse en el ejército para obtener la green card), contra el ejército de un país invadido que se las arregla como puede (muchas veces en forma heroica) para repeler al invasor.
Puede que 300 no le guste al común de la gente, pero si son varones heterosexuales activos… vayan a verla!!!

TOP 5: Malas pero entretenidas

2007-04-14T02:36:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones. Ordenado de acuerdo al grado de entretenimiento)

1-DESPERADO. La balada del pistolero (Robert Rodríguez, 1994)
2-CHARLIE’S ANGELS. Los Ángeles de Charlie (McG, 2000)
3-ROCKY IV (Sylvester Stallone, 1986)
4-THE MUMMY. La momia (Stephen Sommers, 1999)
5-SPY KIDS. Mini Espías (Robert Rodríguez, 2001)
bonus track: CON AIR (Simon West, 1997)
bonus track 2: GREASE (Randal Kleiser, 1978)

MUSEO DEL CINE. Episodio 2: Instrucciones para un buen grito

2007-03-02T02:21:00.000-03:00

Uno de los elementos que contribuyeron a la fama inoxidable del Tarzán cinematográfico inmortalizado por el nadador medallista olímpico Johnny Weissmuller que en 1932 inicia una serie de doce películas, es sin duda el grito del hombre mono. Todos alguna vez intentamos imitarlo, con pobres resultados. Quizás porque en realidad no es un grito humano… o sí lo es aunque no del todo.
El grito de Tarzán es una ensalada de sonidos, realizada por el departamento de sonido de la MGM a cargo de Douglas Shearer (ganador de 5 Oscars) y está compuesto por:
-un aullido de hiena en reversa;
-un balido de camello;
-un soprano dando una nota “mi” alta;
-un grito del propio Weissmuller.
En mayo de 1979, un ya anciano Johnny Weissmuller (sobreviviente de una carrera artística en la que no hizo otro papel más que el del hombre mono, y cuatro divorcios, motivados entre otras cosas por sus agresiones físicas) se encontraba internado en el hospital Motion Picture Country de Hollywood… molestando al resto de los pacientes con sus gritos de Tarzán durante las noches. En su funeral, el 22 de enero de 1984, se emitió una grabación del famoso grito.
El recuerdo más vívido de Weismuller de su época de Tarzán: “una vez filmando a una escena, estaba persiguiendo a mi elefante cuando de repente se detuvo; choqué contra su culo y me rompí la nariz”.

EL CHARCO DE SCORSESE

2007-02-27T03:12:00.000-03:00

Desde las profesionales palizas y ejecuciones de Buenos muchachos y Casino, hasta las salpicaduras de Toro salvaje, pasando por la nieve manchada de Pandillas de New York, la sangre es protagonista central en las películas de acción de Martin Scorsese, y ese es el tipo de filmes en donde el ítaloamericano se desenvuelve con mayor habilidad y demuestra su talento en el secuenciado de imágenes y la narración de las historias. Algo que igualmente no opaca sus incursiones en comedia, drama y hasta documental.
En su última película, Los infiltrados, reaparecen los charcos y las salpicaduras de sangre, presencia incómoda pero absolutamente necesaria porque, así es la violencia, no es sólo un tipo que cae abatido con un agujero en el pecho. Se trata de la segunda remake que realiza el director, luego de Cabo de miedo, sólo que en esta ocasión la versión original es oriunda de Hong Kong (Infernal affairs, 2002), lugar en donde, a la par del grotesco cine de artes marciales (donde la gente se la pasa saltando y dando vueltas y para derribar a alguien hay que darle no menos de diez patadas voladoras), se desarrolló todo un subgénero de acción y tiros a lo pavote, que por lo general suelen estar acompañados por un carismático guión y entretenido argumento. Como éste. Eso en cuanto a la versión asiática, veamos que ocurre en occidente.
El título no se refiere a otra cosa más que el típico caso del “agente doble” o “topo”, sólo que tratado en viceversa, paralelamente y en su máxima expresión. Un policía (Leonardo DiCaprio) con familiares non sanctos es prácticamente desterrado de la fuerza policial para adentrarse de lleno en el mundo del hampa. Un discípulo (Matt Damon) del más importante jefe mafioso de Boston ingresa a la academia de policía para luego convertirse en el virus huésped que pone sobre aviso a su jefe sobre cada movimiento de la unidad que sigue los pasos del crimen organizado. Peligrosa misión para ambos y mucho más para el policía, que logra ganarse la confianza del rústico y despiadado, aunque con rasgos bonachones, capo local, un Jack Nicholson que despliega el trabajo soberbio que todos esperamos de él. Ambos infiltrados en algún momento sienten la presión de la situación, otra vez, la mayoría del peso cae sobre el personaje de DiCaprio, que en su tercer trabajo junto a Scorsese, ya está totalmente habituado a ponerse el overol. Constantemente la tensión se traslada al espectador, los dos protagonistas se la están jugando por sus convicciones natas, pero vendiendo el alma para ello (el criminal Damon combatiendo crímenes, el policía Di Caprio cometiéndolos). Dicha tensión llega a sus puntos álgidos cuando uno está por descubrir al otro (precedida por una desopilante escena de Nicholson en un cine porno) y cuando ambos personajes se relacionan con la misma mujer… algo que uno de los dos nunca sabrá. O sea, cine del bueno, señores.
Un párrafo aparte merecen los papeles secundarios, el ya mencionado Nicholson, el siempre efectivo Martin Sheen (esta vez dejando de lado su habitual rigurosidad para mostrar la faceta paternalista que su personaje requiere), un Alec Baldwin que en los últimos años se está superando a sí mismo con cada papel que entrega (del antes carilindo “marido de Kim” ya no queda nada, ahora sólo se dedica a pedir pista para consagrarse) y la grata sorpresa de la mejor actuación en la carrera de Mark Wahlberg hasta la fecha; el pasado de estrella pop ya está dos metros bajo tierra, y el actor de carácter fue su sepulturero. Una pena que tenga pocos minutos en cancha en este film donde interpreta a un ácido policía con un sarcasmo afilado como espada ninja.
Se escuchó por ahí que Los infiltrados está realizada al estilo de los policiales clásicos de los ’40 y ’50. Pues sí, y ahí se advierte la mano de artesano del viejo Martin (que con esos anteojotes está mutando a algo similar a Woody Allen); su adaptación a los cambios del ambiente es notable: reemplazando al obeso criminal que no usaba teléfonos de Buenos muchachos, ahora es todo vía celular (los que piensen que el desarrollo de tecnología influye negativamente en una trama de suspenso… se llevarán una sorpresa); no sólo armas y droga se trafica en el mercado negro de hoy, los microprocesadores también tienen un lugar de privilegio.
Una gran película de Scorsese, que no entraría en su top 5 pero sin dudas integraría el top 10. Si bien su mano es reconocible, hay algo distinto en este film con relación al resto de su obra, es como una renovación respecto de sus anteriores historias de gangsters. Bienvenida sea, así les terminamos de tapar la boca a quienes decían que Martin ya estaba más cerca del arpa que de la guitarra.

MUSEO DEL CINE. Episodio 1: una charlita sobre Sunset Boulevard

2007-01-15T02:23:00.000-03:00

El 10 de agosto de 1950 se estrenó El ocaso de una vida (Sunset Boulevard), dirigida por el gran Billy Wilder. La historia de la película es un fiel reflejo de la decadencia de Hollywood y su época dorada. Dos años antes se había abandonado el “studio system” y se iniciaba la era de las productoras independientes. Las majors sólo se encargarían de la distribución. Asimismo, el cine comenzaba a perder terreno frente a su principal y poderoso enemigo: la televisión.
Días atrás del estreno de Sunset Boulevard en el Radio City Music Hall, en la premier para críticos y figuras de la industria, Louis B. Mayer, el capo de la MGM, increpó a los gritos a Wilder:
-Bastardo, destruiste la industria que te creó y te dio de comer. Deberían bañarte en alquitrán, cubrirte de plumas y echarte fuera de Hollywood.
Wilder contestó con un tranquilo
-Fuck you.

99 FORMAS DE MORIR (temazo de Megadeth)

2007-01-04T02:12:00.000-03:00

El segundo negocio más rentable del mundo es el tráfico de armas; el primero es el narcotráfico y el tercero es la trata de blancas o prostitución infantil a nivel internacional. ¿Qué tienen en común estas actividades comerciales aparte de ser ilegales, ergo no estar gravados impositivamente y responder a una demanda de mercado? Las tres actividades resultantes (quemarse el cerebro, matar deliberadamente, ejercer denigrante dominio sexual) nos diferencian del resto de los animales. Es curioso que el ser humano sea la especie más desarrollada del planeta, cuando ninguno de los seres inferiores a él consume sustancias nocivas para su organismo, ni mata por otra cosa que no sea defensa propia o búsqueda de alimento para subsistir, ni se aparea con individuos que no llegaron a su etapa de celo.
Del mismo director de Gattaca (1997) y guionista de The Truman Show (1998), El señor de la guerra (Andrew Niccol, 2005) relata la génesis y evolución de un traficante de armas de origen ucraniano (soviético en el tiempo que transcurre la historia), que por supuesto comienza su negocio poco después de emigrar a Estados Unidos y entrar en contacto con los vicios del capitalismo. El papel es llevado de manera muy eficiente por Nicolas Cage.
Luego de una breve e irónica introducción del protagonista (“Una de cada doce personas en el mundo está armada. El asunto es cómo armar a las otras once”), la secuencia de títulos se desarrolla con el primer plano de una bala de fusil viajando desde su fabricación hasta su destino final, que es, obviamente, hundirse en el cuerpo de alguien, armado o desarmado. Acompaña apropiadamente un temazo de Buffalo Springfield llamado “For what it’s worth” (“Por qué vale la pena”). El resto de la película es el relato en primera persona del traficante ucraniano (basado en personajes reales), explicando entre otras cosas cómo fue beneficiado o perjudicado por el transcurso de la historia, como el crecimiento exponencial de su negocio con la disolución de la Unión Soviética o la locura brutal del dictador liberiano Andre Baptiste (nombre ficticio para referirse a Charles Taylor, el verdadero dictador), que el traficante debe soportar en pos de una fluida relación comercial. En algunos tramos el film hace recordar a Blow (Ted Demme, 2001), que relataba una historia similar (y también real) pero con drogas en vez de armas, y con un final totalmente distinto.
Frente a las relaciones humanas que el traficante comprende con padres, hermano, esposa e hijo, se plantea el inevitable dilema moral, no sólo hacia el personaje mismo sino hacia el espectador, que obviamente no puede sentirse identificado con él aunque eso siempre quiere, algo que había sido perfectamente obviado por ejemplo, en esa escena memorable de Brazil (Terry Gilliam, 1985), cuando el torturador no termina de limpiarse la sangre de las manos y ya está jugando con sus hijos. En el caso de El señor… dicho dilema se sobrevuela en un hecho tan elemental como que el traficante no quiere que su hijo tenga armas de juguete. Más allá de eso, se le encuentra un costado bastante simpático a tremendo delincuente. Volviendo a Blow, en esa cinta no queríamos que le cagaran el negocio a Johnny Depp, ¿no?
Lo mejor es el desenlace de la película, del cual por supuesto no daremos muchos detalles, pero se debe mencionar el realismo con el que la trama es resuelta, alejado de todo maniqueísmo y lecciones morales, mostrando la “verdad verdadera” en el momento justo en lugar de ir especulando con ella todo el tiempo como ocurrió en otras ocasiones.
Claro que esto es sólo ficción, el director y guionista lo tuvo en claro y así fue como le aplicó a Nicolas Cage el carisma necesario para que, luego de que un sanguinario liberiano probara una Magnum .357 matando a uno de sus guardias, el traficante (también sanguinario aunque a la manera occidental) se quejara de eso… porque entonces debía vender el arma como usada. Y la escena de antología, que resume el desenlace de la guerra fría: Nicolas Cage sentado sobre una derrumbada estatua de Lenin, calculando la ganancia de su inversión por la compra de armamento soviético en desuso.
Cuidado con las armas, las cargan los vivos, las descargan los perejiles y las sufren… también los perejiles.

CHOQUE DE ETNIAS... EN CLAVE FALLIDA

2006-11-28T02:42:00.000-03:00

Crash (Paul Haggis, 2004) es una película “coral” más que se suma a sus contemporáneas Amores perros, 21 gramos, Magnolia, Noches de placer, Realmente amor, entre otras. Ganadora del Oscar a mejor película y guión (escrita y dirigida por el mismo guionista de la también premiada Million dollar baby), uno se pregunta si la gente de la Academia no habrá hecho la votación después del brindis. Veamos.
El tema principal, y hasta preponderante, de Crash es el choque de culturas y etnias en Los Ángeles, una de las metrópolis de la aldea global. El mayor defecto de la película es el tratamiento que hace del racismo en sus personajes, porque en este principio de siglo (y décadas antes también) la discriminación no funciona así, a flor de piel como se muestra, negros culpando a la sociedad blanca de sus penurias, blancos tratando a negros como completos marginales. Lamentablemente, la discriminación actual repta de manera mucho más sutil, ergo más peligrosa ya que es más complejo percibirla; las frases “negro de mierda” o “fucking nigger” se pronuncian puertas adentro o murmurando. En una de las historias también se trata el tema del inmigrante al que la adaptación se le hace casi imposible, lo que provoca el temor a lo desconocido, y el sentimiento de “defensa preventiva” tanto para el nativo como para el visitante: el residente de origen persa que es, intolerancia mediante, confundido con un árabe, y por lo tanto inevitablemente relacionado con Bin Laden. Para mayor referencia, tenemos el caso de Argentina, en donde a todo lo que venga de Medio Oriente lo llamamos “turco”. Asimismo, aún existen lugares en donde suponen que Río de Janeiro y Buenos Aires son ciudades de un mismo país.
Por otra parte, el hecho de que en una de las principales ciudades estadounidenses haya rastros de discriminación racial se relativiza bastante cuando en estos momentos hay grandes chances de que un afroamericano reemplace a Donkey Bush en la Casa Blanca.
Los relatos de Crash se dividen en dos partes, que no son otra cosa que dos días continuados aunque con una línea cronológica algo confusa. En la primera, los personajes hacen muestra de sus ideologías y consecuentes acciones respecto “al otro”. En la parte final, todos exhibirán las secuelas de haber pasado por distintas experiencias cuyo objetivo providencial sería darles un nuevo punto de vista respecto al mundo a su alrededor, pero los resultados son tan difusos que las consecuencias tienden a dirigirse a ese lugar en donde todo cambia para que todo siga igual.
Un Fiscal de Distrito diametralmente opuesto a la discriminación (aun después de que dos afroamericanos lo asaltaran a punta de pistola) pero que degenera esa línea de pensamiento utilizándola para sus aspiraciones políticas; su intolerante esposa, que ve amenazas donde no las hay, y que también ve seguridad donde no la hay. El delincuente negro, quien expresa tal odio hacia los blancos que no hace otra cosa que autodiscriminarse, tendrá su oportunidad de redención impidiendo un crimen mucho peor que los suyos, pero nada que ver con blancos ni negros. El policía de color que asimila “el difícil mundo de los negros” pero siente recelo de hacer pública la relación sentimental con su compañera mexicana; en medio, una ridícula charla telefónica: “mamá, no molestes, estoy teniendo sexo con una mujer blanca” (???). La historia más interesante podría ser la del iraní con grandes dificultades de adaptación (su hija ya nativa frecuentemente debe hacer de traductora) que se la agarra con un honesto y humilde latino, bordeando la tragedia sin sentido. Un chino que va de víctima a victimario en lo que se tarda en robar una camioneta. Un director de televisión negro que agacha la cabeza por el lugar inferior que le da la sociedad de blancos, para indignación de su esposa… y para confusión del espectador. Un policía que muestra un racismo exacerbante (del tipo “claro, tenía que ser negro para hacer tal cosa”), más tarde también como el delincuente, tendrá oportunidad de redimirse, pero no haciendo otra cosa que su trabajo. Y su compañero que lo discrimina por discriminador, pasará por una desafortunada experiencia que en el guión pretende ponerlo a prueba, pero cuyo resultado no queda del todo claro.
El racismo y la discriminación no dejarán de existir ni en los personajes ni el resto de la sociedad, todos con esa pesada mochila que cargamos los humanos y que es nuestro temor a lo diferente, a lo desconocido. Lo que realmente nos distingue es cómo respondemos a ese temor, si al distinto le pegamos un tiro y después preguntamos, o si aceptamos que las diferencias antropológicas, religiosas, sexuales, etc. no son suficientes para tratar a alguien con otras características como “otro tipo de persona”. ¿O acaso las peores personas que conocimos en nuestras vidas no eran también blancos, cristianos y heterosexuales como nosotros mismos?

EL COVER DE SPIELBERG

2006-11-23T02:31:00.000-03:00

Antes que nada debo decir que cada vez que veo una película con Dakota Fanning, tengo la paranoica fantasía de que en algún momento de la filmación la pendeja tomará de rehenes a director, guionistas y productores para decir “haremos la película como yo quiera”. Esa nena es una pequeña maravilla que deja como postes a las últimas grandes apariciones infantiles (ahora drogones), Macaulay Culkin y Haley J. Osment. Con casi trece años, y después de haber hecho tándem con grandes como Sean Penn, Robert De Niro o Denzel Washington, lo único que queda por exigirle es que continúe su carrera en su adolescencia y después también, empresa que posee antecedentes peliagudos (como el de Judy Garland), cuando no imposibles (¿sabían que el rubiecito de La historia sin fin 2 terminó sus días ahorcándose?) y hasta desintegrados (la pubertad se llevó para siempre el enorme histrionismo de Shirley Temple), pero confiemos en la contención familiar, que no quede desorientada por tanta fama y dinero.
La niña Fanning coprotagoniza La guerra de los mundos, opus 23 del tío Steven, remake de la película homónima de 1953 y versión fílmica de la célebre novela de H.G. Wells (y que alguna vez el maestro Orson Welles supo aportarle MUCHO realismo en una ya inmortal transmisión radial de 1938). Tercera incursión del director en relatos sobre alienígenas, sólo que esta vez los extraterrestres no se comunican a través de la música ni tienen dedos luminosos con poderes curativos; la historia trata sobre una invasión desde el espacio con exterminación incluida, al mejor estilo Cortés o Pizarro, con la curiosa particularidad de que el ataque se inicia desde debajo de la tierra (explicación: maquinaria extraterrestre se encuentra oculta hace siglos y se activan por descargas eléctricas desde el espacio con pilotos incluidos). La historia se centra en la lucha de supervivencia de un padre divorciado (Tom Cruise) que deberá aprender a hacerse responsable por sus dos hijos nada menos que en el transcurso de una hecatombe mundial.
De más está halagar el despliegue de imágenes que solemos presenciar en las cintas de Spielberg que involucran ciencia ficción (Minority Report) y/o fantasía (Hook); las escenas de destrucción material y eliminación humana son espectaculares, con momentos que hacen recordar a la brillante media hora inicial de Rescatando al soldado Ryan; la fotografía del genial polaco Janusz Kaminski (compañero de emociones de SS desde La lista de Schindler) nuevamente se hace notar, por más que suele costar unos minutitos adaptarse a ella. Pero también debemos mencionar la conformación del nudo de relaciones entre los personajes de la misma familia. Curiosamente en las otras dos “películas de extraterrestres” también se relataba un prólogo de convivencia doméstica con sus respectivos conflictos: la madre divorciada con sus revoltosos hijos en ET, el padre de familia que se resigna a la rutina de Encuentros cercanos… y luego el consecuente quiebre con la aparición del elemento externo (más externo imposible). Spielberg desarrolló esta cuestión familiar con relativo éxito en Atrápame si puedes.
En cuanto a las inevitables comparaciones con la versión de 1953, no hay mucho que agregar: en este caso la remake es bastante más lograda y hasta incluso se podría obviar recurrir a la antigua cinta, aunque, por esas ironías de la vida, la primera superó en un punto a la presente ya que se llevó el Oscar a efectos especiales. Los cincuenta y dos años de diferencia también se hacen notar en la trama, por ejemplo, en la versión de 1953, los protagonistas lograban informarse de la situación mediante las fuerzas militares desplegadas para combatir al enemigo espacial, mientras que en el film de 2005, Tom Cruise recibe valiosos datos de una intrépida periodista y un refugiado con delirios apocalípticos (un sombrío Tim Robbins, cercano al de Arlington Road). Hablando de Tom, éste luce nuevamente bien explotado por Spielberg; tanto en Minority Report como en La guerra de los mundos la sucesión de eventos no le deja espacio para esas sonrisitas de guacho pistola (uno imagina una eventual charla en la que el director le dice “negro, acá se viene a laburar”).
En la columna del debe, podemos anotar que ambas películas caen en los mismos defectos de información incompleta respecto a la amenaza enemiga, y la falta de un quiebre significativo en la odisea de los protagonistas, algo que es muy necesario para que el espectador se inmiscuya del todo en la historia relatada.
Steven Spielberg se convirtió en uno más de los que integran esta desmesurada ola de remakes provenientes de Hollywood, aunque a estas alturas podemos afirmar que es el responsable de la única de estas versiones modelo XXI que en muchos puntos mejora a la original. Una razón más para admirarlo, aunque sea a regañadientes.
Y aguante Dakota Fanning.

IGUALES PERO DISTINTOS

2006-11-13T01:40:00.000-03:00

En los últimos diez años conocimos dos directores con nombres exactamente iguales pero con obras casi diametralmente opuestas. Esto fue hasta que uno de los dos Paul Anderson decidió incluir su segundo nombre, Thomas, o la inicial del mismo en sus películas; para no ser menos, el otro incluyó un par de letras también. ¿La diferencia? Paul W. S. entretiene, Paul T. le da alegría a los corazones amantes del cine.
El inglés Paul W. S. Anderson se dio a conocer en 1995 con Mortal Kombat, basada en el popular videojuego (ese que permitía producir creativas mutilaciones apretando todos los botones del joystick); la película confirmó la regla según la cual las versiones fílmicas de jueguitos suelen mostrar resultados muy inferiores (por no decir paupérrimos), regla que el propio Anderson más tarde se encargaría de refutar. Pero antes quedaría a cargo de un par de interesantes producciones futuristas: Event Horizon, la nave de la muerte (1997), cercana a Alien pero con una vuelta de tuerca metafísica y una efectiva dosis de terror en esos rostros con ojos recién extirpados. La otra era El último soldado (1998), similar a Soldado universal (Roland Emmerich, 1992), pero mucho mejor, y además con viajes interplanetarios y un Kurt Russell con su pequeño talento (acertadamente) alejado de Carpenter.
El punto más alto de Paul W. S. llegaría de la mano de otro videojuego. Resident Evil no es otra cosa que una más de esas películas con gente-encerrada-por-algo-o-alguien-que-los-va-matando-uno-por-uno, pero con elementos que la ayudan a escapar del convencionalismo y le agregan emoción a la trama, el héroe (heroína) amnésico, las secuelas de una fugaz relación sentimental y el enemigo que no tiene una forma definida y no se lo conoce sino hasta el desenlace del film. Tampoco Resident Evil es la gran película pero sí es bastante superior a muchas de su género. El propio Anderson se encargó del guión de la segunda parte (no así de la dirección).
Si bien su hasta ahora última película es algo floja, mejora con dignidad las expectativas que produce el guiso de mezclar dos personajes de sagas distintas como Alien y Depredador, ya desde su trama, que a la vez funciona como segunda secuela de la serie Depredador y como precuela de Alien (incluso mostrando en Lance Henriksen al modelo humano de los futuros androides lechosos). Esto en cuanto a Paul W. S. Anderson que, como vemos, queda encasillado para bien, en el género mencionado.

Paul T. nos mostró hasta ahora tres brillantes obras que él mismo se encargó de escribir, producir y dirigir, lo que lo estaría convirtiendo en uno de los mejores realizadores de su generación. Boogie nights (1997) es una película coral (de esas con varias historias entrelazadas) basada en un corto del mismo Anderson de 1988 y a la vez en la vida del mítico John Holmes (y su herramienta de 33 cm), ambientada en el mundo porno antes de la aparición del sida, o sea, fines de los ’70 y principios de los ’80; su calidad argumental es tan grande que no depende demasiado de las consabidas escenas sexuales. Burt Reynolds resucita después de haber pasado vergüenza en Striptease y Julianne Moore se recibe de gran actriz. Integra el top 100 de este mismo blog.
Magnolia (1999) es otro fantástico film coral que produjo un curioso pero no inesperado resultado: es un referente cultural de la presente década, como lo fue Pulp Fiction en los ’90. La razón más inmediata bien puede ser la habilidad de Paul T. para combinar y relacionar personalidades, comportamientos y acciones de los protagonistas de las nueve historias (que en realidad son una sola). Una vez más, el despliegue escénico de Moore cumple con creces, mientras que el histrionismo de cotillón de Tom Cruise queda perfectamente subordinado al guión. Philip Seymour Hoffman (actor en común en las tres películas) le agrega otro ladrillito a su sólida carrera. Y el final, inesperado tanto para personajes como para espectadores, pero necesario a la postre.
Embriagados de amor (2002) es responsable de un pequeño milagro: muchos no estadounidenses disfrutamos un protagónico de Adam Sandler, a la vez que los pocos tímidos y cortos en materia sentimental que quedamos en el mundo nos sentimos identificados con esa persona que recibe el regalo del amor y está dispuesta a protegerlo y no perderlo, como el tesoro más valioso que se pueda imaginar. Es que, ya sabemos, se siente muy bien esa embriaguez, y Paul T. le pone las palabras y las imágenes justas. Eso también se siente muy bien: ver esta película.
Paul Thomas Anderson es de los grosos, de esos a quienes esperamos reencontrar en la próxima película. Respeto y admiración hacia él desde este humilde pero importante espacio.

HIT THE ROAD, RAY

2006-10-03T02:29:00.000-03:00

Lejos del “ciego cool” de Al Pacino en la remake de Perfume de mujer, se ubica la sorprendente caracterización del genial Ray Charles a cargo de Jamie Foxx, uno de esos actores de los que solemos decir “¿a este dónde lo vi?”; y sí, lo vimos en películas dispares como el bodrio de La carnada, la muy buena Un domingo cualquiera (la última denuncia fílmica de Oliver Stone) y más recientemente la gran Colateral. Aparte de esto, lo que muchos no sabíamos, Jamie Foxx también pertenece al mundo de la música, con discos editados y todo. La cuestión es que muchos tomaron su actuación en Ray como una pantomima del músico, cuando es todo lo contrario; todos vimos alguna vez a Charles antes de morir, y siempre tuvo esos movimientos estrambóticos, utilizados desde su infancia para su ubicación espacial a falta de su visión, y acrecentados a partir del síndrome de abstinencia de heroína, y que Foxx no exagera, como tampoco esa cálida sonrisa perpetua que mostraba y su rara voz, que mutaba a brillante apenas se ponía a cantar.
La película se llama simplemente Ray (como Lenny, Anastasia, Ninotchka…) y mantiene un eficiente y veraz relato sobre la vida del músico durante sus años de mayor éxito, y no tanto, ya que es también su época de darse sus buenos saques de heroína. El transcurso de la historia se desplaza en la cómoda línea de tiempo cronológica, año por año, desde la partida de Ray de su Georgia natal, como también pobre y racista, hacia el lejano Seattle cruzando todo el país para dedicarse de lleno a la música (un viaje más o menos como Caleta Olivia – Posadas, salvando distancias), concluyendo con una imagen del verdadero Ray Charles en sus últimos años. Los viejos y nunca bien ponderados flashbacks de complemento muestran su niñez (en la pobreza rural en que los negros eran obligados a vivir), etapa fundamental en su vida ya que dos hechos desgraciados lo dejan marcado: su hermanito muere en un accidente casero, y él pierde la vista por una enfermedad congénita; en la película resulta conmovedor ver cómo su madre le enseña a valerse sin sus ojos. La vía de escape será la propia drogadicción, pero su talento es demasiado grande y por lo tanto meteórica su carrera… ¿les suena a cierto deportista argentino?
El film de Taylor Hackford (El abogado del diablo, Dolores Claiborne, Prueba de vida) demuestra jugosos aciertos en el relato por el tratamiento verídico de los mismos, como el episodio de la creación del tema “What I’d say”, inventado en cuestión de segundos para rellenar un concierto (algo que hace recordar a Amadeus, cuando Mozart, un instante después de escuchar una composición de Salieri, le hace tres variaciones distintas, y las tres mejores que la original), la relación con Quincy Jones, desde que ambos eran dos pelagatos hasta el reencuentro ya en las mieles de la fama, o la escena en la que Charles está componiendo “Hit the road Jack” y menciona “me lo envió Percy”, refiriéndose a Percy Mayfield, el autor del tema.
Hay ciertos cabos en la historia que no quedan del todo atados (como el episodio en el que su más fiel colaborador es acusado de malversación de fondos, o el tratamiento del manejo contractual de su carrera desde la ceguera) pero no influyen demasiado en el resultado final de Ray, que es muy satisfactorio: vemos una buena película y de paso escuchamos música de puta madre.

LA FUERZA NOS ACOMPAÑA. Diagnóstico de Star Wars

2006-08-23T15:45:00.000-03:00

STAR WARS
Episodio I: THE PHANTOM MENACE (George Lucas, 1999)
Episodio II: ATTACK OF THE CLONES (George Lucas, 2002)
Episodio III: REVENGE OF THE SITH (George Lucas, 2005)
Episodio IV: A NEW HOPE (George Lucas, 1977)
Episodio V: THE EMPIRE STRIKES BACK (Irvin Kershner, 1980)
Episodio VI: RETURN OF THE JEDI (Richard Marquand, 1983)

El episodio III fue el último; queda claro, no es la primera vez que a una historia se le cuenta el principio después del final, ni en la literatura ni el cine. Siempre se supo que después de El regreso del jedi volveríamos a tener noticias de la saga Star Wars porque la primer película de ella, era el episodio IV; algún espectador desprevenido (lejos, muy lejos de la legión de fanáticos) pudo llegar a pensar “carajo, me perdí las tres anteriores”, y a lo mejor daba para pensar eso. En aquel primer, aunque cuarto, episodio (¿el mejor?) la trama ya estaba armada en clave de relato 200% ficticio con la frase inicial “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy muy lejana…”, que tiene una directa relación con lo que rezaban los comienzos de relatos infantiles ambientados en el pasado (“Érase una vez en un reino…”). En este caso, el tiempo se hace relativo: si vamos a contar una historia de ficción, ¿por qué tiene que ser en el pasado o contener elementos anteriores a nuestros días? Si de imaginación se trata, apliquémosla hasta en el sentido temporal. Como decía más arriba, la trama del relato ya estaba instalada y en movimiento apenas comenzado el episodio IV; desde su título, Una nueva esperanza, se da a entender que ya pasó algo que no vimos pero sabremos, a medias, al concluir esa primera película. En efecto, los principales elementos de la saga se hacen presentes: el ocasional héroe hecho potencial Salvador (Luke Skywalker), una principesca dama en aprietos a quien salvar (Leia Organa), un villano que luce más malo que el poder que representa (Darth Vader), un mago llamado a poner en cauce a las fuerzas del bien (Obi-Wan Kenobi), un par de bufones que pueden llegar a ser útiles (R2D2 y C3P0) y un elemento libre y marginal que muta de mercenario a héroe que acepta su destino (Han Solo), y por sobre todo, la causa a seguir, la lucha contra el reinante poder del mal (así de sencillo). Todos personajes y situaciones que nos recuerdan a cuentos que conocimos en nuestra infancia (el sastre de El príncipe valiente, la joven Bella durmiente, el Garfio de Peter Pan, la bruja buena de El mago de Oz, los enanitos de Blancanieves, por citar algunos).
Con el episodio IV George Lucas, junto a Spielberg y su Tibur.ón (1975), cambiaron toda una tendencia en el público de cine, sumando entretenimiento y calidad y revolucionando el mundo de los efectos especiales.
El imperio contraataca fue la segunda película pero el quinto episodio (el mejor) de la saga, que revela mucho más que el anterior y muestra la sección más argumentalmente compleja (y por lo tanto más interesante) de Star Wars; la historia redobla la apuesta sobre sí misma y con la ya legendaria frase “Luke, yo soy tu padre”, produce una nueva vuelta de tuerca que hace crecer exponencialmente el interés sobre los sucesos anteriores al episodio IV y le da a la saga una connotación de novela proveniente del romanticismo decimonónico.
Así las cosas, el episodio VI fue el que más expectativa generó y quizás esa haya sido la causa por la que provocó algún sentimiento de desilusión, más que nada relacionado con la calidad del film, que entre otras cosas supo mostrar en su trama resoluciones poco convincentes. Asimismo, también aportó nuevas revelaciones como la hermandad de Luke y Leia… y la cara de Darth Vader, sumada a su redención momentos antes de morir, quizás el objetivo principal que persigue toda la historia de Star Wars.
Esa imagen de Vader sin su máscara fue el leitmotiv para que, lógica de rotación mediante, dieciséis años después (una generación después) comenzara a contarse el principio de la historia, su historia, el episodio I, La amenaza fantasma. No hay casi nada reconocible en esa cuarta o primera entrega, salvo la introducción con brillante música de John Williams, y los componentes que van apareciendo en forma de guiño (porque todos, todos, habíamos visto los tres episodios anteriores), desde los sables láser de los jedis hasta un C3P0 a medio armar y un R2D2 que comenzaba su vocación de salvarle las papas a los protagonistas. En toda esta atmósfera ajena a nosotros, treinta años antes del episodio IV, hay dos seres que nos son especialmente familiares, el por entonces aprendiz de jedi Obi-Wan Kenobi y el ya maestro Yoda; además, un personaje que reconocimos por su caperuza pero que no vemos “en vivo” (sólo en imágenes holográficas… en forma de amenaza fantasma): el que luego sería el Emperador Darth Sidious, y que sin embargo se puede intuir fácilmente de quién se trata. Por último, un niño de 9 años llamado Anakin Skywalker que, se sabe, no es otro que Darth Vader en su más tierna infancia. El cuadro de situación en este caso es la galaxia gobernada en forma de república, como Roma antes de Julio César y Augusto, con muchos flancos débiles en su estructura debido más que nada a la corrupción y debilidad de senadores y dirigentes, el más perfecto caldo de cultivo que nos enseñó la Historia para que alguien dispuesto a acaparar todo el poder logre su cometido.
Lo más rescatable de El ataque de los clones es la conducción de los hechos por parte de la amenaza cada vez menos fantasma y con más poder, una acción que llevará a una reacción, un peligro perceptible que no es consecuencia de algo sino que es construido para causar. Los clones del título conforman el ejército que crea la república para enfrentar a un enemigo de inciertos origen y causal. En este episodio, el argumento, algo ya establecido y conocido en su “qué”, cobra una importancia que obvia a sus protagonistas y eso influye en el resultado, estéticamente menor; el “cómo” cumple (este capítulo es el que más elementos contiene en su armazón) pero no dignifica.
El final es La venganza de los sith, al que llegamos con varios personajes que reencontraremos la próxima vez que veamos el episodio IV, incluso el entrañable Chewbacca. En este capítulo se remarcará en el seguidor standard de la saga (ni crítico ni fanático) la sensación de que los hechos podrían suceder de una manera más convincente (otra vez fallas en el “cómo”). La república ya se encuentra en guerra contra una federación de comercio pero su verdadero enemigo está dentro de ella, aguardando a dar el golpe de gracia para alcanzar el poder imperial. El prometedor caballero jedi Anakin Skywalker, contrariando las reglas de la orden, como si fuera un sacerdote católico, espera en secreto un hijo (dos) de la senadora ex reina Padmé Amidala, un punto débil (sumado a su creciente ambición y al resentimiento por el asesinato de su madre en el anterior episodio) mediante el cual se ganará un boleto de ida al lado oscuro de la Fuerza. Según la milenaria profecía manejada por los jedis, el Elegido (lo que en algunas culturas se le llama Mesías), Anakin, sería llamado a eliminar el lado oscuro y lograr la estabilidad de la Fuerza. Como bien se sabe, sucederá todo lo contrario… al menos por el momento. Obi-Wan Kenobi se establece como el héroe principal de esta segunda trilogía al arruinar, por lo menos en parte, los planes del Emperador, mutilando a Darth Vader (en forma acertada pero enigmática, en el episodio IV Obi-Wan le dirá a Luke Skywalker que Vader mató a su padre).
Al final, absolutamente todo lo que era incógnita en el episodio IV, en el III se hace certeza, como para ver las seis películas de corrido un fin de semana que nos quedemos en casa, con una bolsita de suero al costado del sillón.

LA FUERZA NOS ACOMPAÑA. Conclusiones finales sobre Star Wars

2006-08-19T02:41:00.000-03:00

Tranquilamente la saga de Star Wars pudo haber quedado en las tres primeras películas y aun así permanecería en la historia del cine con muy pocos reproches para hacerle; los episodios IV y V suelen encontrarse en numerosos listados entre las mejores películas de todos los tiempos. Ocurre que el suceso Star Wars trascendió las salas de cine derivando en un icono de la cultura pop reconocido en todo el mundo, incluso con un subconjunto de fanáticos que pasados los 40 años de edad coleccionan muñequitos articulados de los personajes… y hasta alguno tendrá un disfraz de Darth Vader en el placard. Por lo tanto, hubo que cumplir con cancelar ese incómodo IV en la primera película y realizar la triple génesis restante por la enorme demanda, como una serie de televisión que debido a su éxito en el rating se ve obligada a canjear calidad por cantidad y estrenar más temporadas cuando la funcionalidad de la historia ya está en su punto máximo.
Si el episodio I hubiera sido el primer film en estrenarse, sin dudas que el interés del público no hubiera llegado al tercero y a estas alturas George Lucas estaría pidiendo limosna en algún suburbio de Los Angeles. Sin embargo la presentación cronológica fue al revés y así es como en estos momentos Lucas está haciendo bolitas con la pelusa del ombligo en su mansión de Hollywood.
A pesar de esto, el episodio I no es una mala película y llega a estar a la altura de lo que se esperaba de ella. No se puede decir lo mismo de los capítulos II y III, con más pasos en falso que el VI y sus ositos vengadores.
La diferencia más sustancial de ambas trilogías, aparte de veinte años de evolución en efectos especiales, es el contexto en el que transcurre cada mitad de la historia. Veamos en el orden teóricamente correcto: en momentos que la galaxia era regida por una república en donde había igualdad entre planetas y razas, los protagonistas representan la imagen de conservadurismo que implica el marco legal de cargos políticos como el de la reina y senadora Padmé, y religiosos como los caballeros jedis. Por supuesto que aparecen los vicios de toda sociedad: la corrupción del senado, la esclavitud descarada en el planeta Tatooine, o una federación de comercio independiente que invade territorios, como si fuera un FMI con agallas. La derrota del bien y del orden establecido surge en forma totalmente lícita en forma de única solución a todos los problemas de la república, que no son otra cosa que sus propias deficiencias, por error u omisión, y que provocan la encerrona del futuro emperador. Los errores de los protagonistas de la república no son decisivos… hasta un momento, en el que ya es demasiado tarde para remediarlos.
Con el imperio en su punto álgido, Sidious y Vader al frente del sometimiento de la galaxia, el glamour y la plusvalía estética ya no están, sino que cada locación ofrece lo inhóspito de su naturaleza; la tristeza y la pesadumbre que el lado oscuro le imprime a la galaxia se siente por doquier como un enemigo a vencer por los protagonistas, que ya no forman parte del oficialismo gubernamental (que ahora es un imperio y como tal no permite oposición), sino una fuerza de resistencia guerrillera, que en muchos puntos recuerda a ¿Arde Paris? (René Clément, 1966), y que no se puede permitir errores porque significan la muerte, de personas e ideales. Ya los jedis están extinguidos y los rebeldes sólo cuentan con sus propios talentos e instintos para vencer al lado oscuro de la Fuerza, tarea ciclópea hasta que, por una sucesión de circunstancias o por causa-efecto (por el mismo motivo que los jedis habían conocido a Anakin), hay una nueva esperanza. La tan mentada profecía finalmente se cumplirá cuando Darth Vader, el Elegido, se encargue de eliminar a Sidious y establecer el equilibrio de la Fuerza, como si se tratara de un Jesucristo díscolo pero finalmente cumplidor de su misión.
Ese panorama más extremadamente peligroso para los héroes es el factor determinante para convertirlos en apasionados guerreros que expresan más emoción y sentimientos que ideas y conceptos. Por esto es que la primera trilogía se nos quedará en la memoria por siempre, mientras que recurriremos a la segunda sólo como breve introducción.
El legado que entrega George Lucas con Star Wars es una historia fantástica vinculada a la realidad en las acciones de sus protagonistas. Historias como estas aparecen hasta en la Biblia, y les son de gran utilidad a las culturas y generaciones para comprender mejor la realidad, o aunque más no sea para pasar un buen rato. Gracias tocayo (a pesar de todo).

LA RECETA HITCHCOCK

2006-08-12T02:29:00.000-03:00

Cuenta la leyenda que una tarde el “gordo” Hitchcock se encontraba a bordo de un tren, cuando vio que junto a él otro viajero portaba un extraño equipaje. Por curiosidad, Alfred preguntó:
–¿Qué es ese paquete que ha colocado en la red?
–Oh, es un MacGuffin –respondió el hombre.
Naturalmente, eso requería una explicación.
–¿Qué es un MacGuffin?
–Pues un aparato para cazar leones en las montañas Adirondacks –contestó el hombre con contundencia.
Los montes Adirondacks son un macizo ubicado en el estado de New York, por lo que es imposible que haya leones en él. Hitchcock lo sabía, y así lo proclamó.
–¡Pero si no hay leones en Adirondacks!
–Entonces no es un MacGuffin.

Con esta anécdota, real, ficticia (nunca se sabe), el gordo ilustra que el MacGuffin está pero no está, es en realidad un vacío, una nada (un truco de ilusionismo si se quiere); sin embargo, él construía la mayoría de sus films alrededor de ese algo que era de vital importancia para los protagonistas pero que era sólo un mero pretexto sin interés para el narrador, él, el inefable gordo. Aunque no siempre fue así ya que en su filmografía encontramos variados géneros.

ÉPOCA MUDA
1. THE PLEASURE GARDEN. El jardín de la alegría (1925)
2. THE MOUNTAIN EAGLE. El águila de la montaña (1925)
3. THE LODGER. El inquilino (1926)
4. DOWNHILL. Decadencia (1927)
5. THE RING. El ring (1927)
6. EASY VIRTUE. Virtud fácil (1928)
7. CHAMPAGNE (1928)
8. THE FARMER'S WIFE. La esposa del granjero (1928)
9. THE MANXMAN. La isla del pecado (1929)
ÉPOCA SONORA
10. BLACKMAIL. Chantaje (1929)
11. JUNO AND THE PAYCOCK. Juno y el pavo real (1930)
12. MURDER! (1930)
13. THE SKIN GAME. Juego sucio (1931)
14. RICH AND STRANGE. Lo mejor es lo malo conocido (1931)
15. MARY (1931)
16. NUMBER SEVENTEEN. El número 17 (1932)
17. WALTZES FROM VIENNA. El gran vals de Strauss (1934)
18. THE MAN WHO KNEW TOO MUCH. El hombre que sabía demasiado (1934)
19. THE 39 STEPS. Los 39 escalones (1935)
20. SABOTAGE. Sabotaje (1936)
21. THE SECRET AGENT. Agente secreto (1936)
22. YOUNG AND INNOCENT. Inocencia y juventud (1937)
23. THE LADY VANISHES. La dama desaparece (1938)
24. JAMAICA INN. La posada maldita (1939)
25. REBECCA (1940)
26. FOREIGN CORRESPONDENT. Corresponsal extranjero (1940)
27. MR. AND MRS. SMITH. Su amado enemigo (1941)
28. SUSPICION. La sospecha (1941)
29. SABOTEUR. Saboteador (1942)
30. SHADOW OF A DOUBT. La sombra de una duda (1943)
31. AVENTURE MALGACHE. Aventura malgache (1944)
32. BON VOYAGE (1944)
33. LIFEBOAT. 8 a la deriva (1944)
34. SPELLBOUND. Cuéntame tu vida (1945)
35. NOTORIOUS. Tuyo es mi corazón (1946)
36. THE PARADINE CASE. Agonía de amor (1947)
37. ROPE. La soga (tcc Festín diabólico) (1948)
38. UNDER CAPRICORN. Bajo el signo de Capricornio (1949)
39. STAGE FRIGHT. Desesperación (1950)
40. STRANGERS ON A TRAIN. Extraños en el tren (tcc Pacto siniestro) (1951)
41. I CONFESS. Mi secreto me condena (tcc Yo confieso) (1953)
42. DIAL M FOR MURDER. La llamada fatal (tcc Crimen perfecto) (1954)
43. REAR WINDOW. La ventana indiscreta (1954)
44. TO CATCH A THIEF. Para atrapar al ladrón (1955)
45. THE TROUBLE WITH HARRY. ¿Quién mató a Harry? (1955)
46. THE MAN WHO KNEW TOO MUCH. El hombre que sabía demasiado (1956)
47. THE WRONG MAN. El hombre equivocado (1956)
48. VERTIGO (1958)
49. NORTH BY NORTHWEST. Intriga internacional (1959)
50. PSYCHO. Psicosis (1960)
51. THE BIRDS. Los pájaros (1963)
52. MARNIE. Marnie la ladrona (1964)
53. TORN CURTAIN. Cortina rasgada (1966)
54. TOPAZ (1969)
55. FRENZY. Frenesí (1972)
56. FAMILY PLOT. Trama macabra (1976)

PODER ES QUERER (y sólo eso)

2006-07-27T04:01:00.000-03:00

En abril de 1945, aunque duraría cuatro meses más, la Segunda Guerra Mundial ya estaba definida en favor de los Países Aliados, tanto que las muertes de grandes protagonistas de la misma fueron casi una formalidad, pero por supuesto tuvieron un significado particular.
En la película alemana La caída (Oliver Hirschbiegel, 2004), se retratan con sorprendente exactitud y realismo los últimos días de Adolf Hitler y su imperio, el último de la historia que se pudo palpar en expansión territorial (en cambio, el que vivimos en la actualidad se puede ver en todos lados menos en los mapas); derrota que ya todos conocían menos el propio dictador, que ordenaba fantasiosos contraataques cuando le caían bombas a metros de su humanidad (sí, era humano).
Lo curioso de la situación fue que dieciocho días antes de que Hitler (por fin) decidiera suicidarse, el hombre que con su intervención decretó el comienzo del fin nazi también moría, pero siendo consciente de la victoria. Me refiero a Franklin D. Roosevelt, el presidente que todos quisiéramos tener, y que durante sus múltiples presidencias elevara a Estados Unidos al nivel de superpotencia (sin que el poder se le subiera a la cabeza), el prólogo de lo que más tarde se tradujo en imperio… y ahora es un mejunje globalizado, más nazi que los nazis. El hecho es que Roosevelt indefectiblemente atravesaba hacía tiempo ya el final de su vida, lo que se pudo apreciar en la Conferencia de Yalta, dos meses antes de su muerte, cuando le dijo que sí a todas las pretensiones post guerra de Stalin, para desesperación de Churchill. Así y todo, más postrado que nunca y con un par de jugadores menos en su cabeza, permanecía erigido como la figura de poder que supo construir. Y aquí volvemos a Alemania.
El mayor logro de La caída es mostrar cómo los estertores del Tercer Reich se apoyaban en la imagen de poder que Hitler se formó por más de una década, con ese mesiánico poder de convencimiento hacia el desesperado pueblo alemán, deseoso de revertir el partido de ida de la Primera Guerra Mundial con la contundente revancha prometida por el führer. El castillo de poder que construyen ese tipo de figuras suele ser más grande que ellos mismos, pero por una cuestión biológica el poder no puede ser mayor que la vida misma; cuando llegás al punto de tener la manzana rodeada, el cuerpo hecho pelota por el Parkinson y el paso del tiempo y la mente en su punto máximo de desequilibrio, el poder es una mera ilusión de permanencia que no te sirve para un carajo. Alejandro Magno en pocos años había conquistado todo lo que se le pusiera enfrente, pero lo picó un mosquito (un mosquito!!!), se cagó muriendo y su imperio duró menos que un pedo en una canasta.
Volviendo a La caída, ésta se relata a través de los ojos de la tan mentada secretaria de Hitler, muerta en 2002 pero que antes plasmó sus impresiones de aquellos días en libro y documental. O sea que la película no termina con la muerte de Hitler y la romántica y voladora Eva Braun (como una decorativa María Antonieta) sino que se extiende hasta la rendición alemana ante el ejército soviético a cargo del mariscal Zhukov (otra figura fundamental de la Segunda Guerra, aunque muchas veces obviado); ergo, el título no se refiere a la caída de la figura de poder sino a la del poder mismo, por lo que es un film muy necesario y que todos debemos ver; tampoco estaría de más si se proyectara en las clases de historia de colegios y universidades.
Roosevelt murió habiendo capitalizado su poder a favor de una causa; Hitler se mató teniendo al poder como causa principal. ¿Quién ganó?

FRAGMENTOS DE KATIE (cuidánosla, Tom)

2006-07-15T03:43:00.000-03:00

Fragmentos de Abril es como se dio a conocer la película a la que me referiré (Pieces of April), dirigida por el debutante Peter Hedges (guionista de ¿A quién ama Gilbert Grape? y Un gran chico). Película chiquita en duración (hora y cuarto) pero grande en corazón, pretensiones y resultado.
El argumento de base es bastante simple: la típica cena de Acción de Gracias (algo así como una prenavidad), pero no en la casa familiar sino en el departamento suburbano de la hija pródiga, de quien el resto de sus congéneres tiene su propia opinión negativa formada ya hace tiempo. No es una cena más ya que podría ser la última para la madre, quien está siendo devorada (literalmente) por el cáncer, a la vez que es ella misma la que funciona en la película como una represa hidroeléctrica generadora de humor negro, papel a cargo de la súper eficiente (y nunca tenida en cuenta a la hora de entregar premios) Patricia Clarkson (Los intocables, Milagros inesperados, Dogville, Buenas noches y buena suerte). Y la misma madre es la que aparece como principal crítica de su hija April, bordeando el desprecio. El cuadro familiar se completa con el padre gordito y bonachón en clave conciliadora y componedora; hermano y hermana menores de April, conscientes de la cercana desaparición física de su madre y colaborando bastante para alivianar el trámite (a la vez que se preguntan si su hermana mayor los podrá equiparar en ese menester), y la abuela en el rinconcito, llegada ya al grado de senilidad en el que alguien debe informarle lo que pasó dos minutos antes.
Por el otro lado está la bombardeada April, deseosa de hacer buena letra pero con un dejo de sospecha realista de que al final no logrará satisfacer a su familia; es la encargada de cocinar el pavo… por primera vez, y sola, ya que su novio concubino también quiere dar una buena impresión y mejorar su apariencia (alguna reminiscencia a ¿Sabes quién viene a cenar? debido a la insignificante diferencia étnica), aunque acechado por la ley de Murphy. En algo tan simple como preparar una cena es donde surgirá el sentimiento de unión del que April saldrá enriquecida, y el pavo también. April está en la piel de Katie Holmes, quien se muestra lúcida y sorprendentemente sólida; ya no queda nada de aquella adolescente del culebrón Dawson’s Creek para quien su sentido de actuación era sólo torcer la boca (por aquella época ya había mostrado un trabajo convincente en Perturbados). En una de esas el milagro se logra y puede enseñarle algo de la profesión a su marido Cruise.
Madre e hija, una moviéndose sobre ruedas, otra sobre escaleras, avanzan hacia el postergado (y quizás último) encuentro, por más que no tengan el tema muy en claro. Sus únicas certezas son que nadie te enseña a ser madre, ni nadie te enseña a ser hija.

FILMOGRAFÍA DE UN BEST-SELLER. ORÍGENES

2006-06-08T03:51:00.000-03:00

Después de mucha ansiedad y espera, se estrenó mundialmente El código Da Vinci, dirigida por Ron Howard (Apollo 13, Una mente brillante, Ed TV y demás), surgida de la novela que un tal Dan Brown lanzó en 2003, y que a todos los que no la leímos (ni leeremos, ahora que está la película) nos fue recomendada aunque sea una vez.
Como decía, la espera de lo que se constituyó en una legión de fans (devenidos expertos en detalles sobre Jesucristo y Leonardo Da Vinci) de alguna manera aceleró los tiempos para estrenar la película, incluso sobreviviendo a una denuncia por plagio. La realización de la película se siguió paso a paso, a través de los numerosos sitios de internet creados a partir del suceso del libro (pero no tanto por el libro mismo); quién sería el director, quiénes los protagonistas, cuándo se estrena, si incluirían todos los detalles de la novela, si la iglesia católica la censuraría como en su momento hizo ridículamente con La última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988), otra película surgida de una controversial novela (escrita por Nikos Kazantzakis).

Sin embargo, alguna vez hubo un suceso similar, pero mucho más importante y con consecuencias que perduran hasta nuestros días. Sinceramente, no creo que dentro de setenta años alguien se acuerde de El código Da Vinci, como ahora recordamos a Lo que el viento se llevó. A continuación, una cronología de aquellos inolvidables hechos.

· 1926: Margaret Mitchell, una ex periodista de un diario de Atlanta, comienza a escribir una novela sobre la Guerra de Secesión llamada Gone with the wind (Lo que el viento se llevó), cuya protagonista se llama en un principio Pansy O’Hara, y luego Scarlett O’Hara.
· 1936: Junio: El lanzamiento de Lo que el viento se llevó se convierte en un inmediato best-seller. Julio: Mitchell vende los derechos de cine y televisión al mítico y visionario productor de Hollywood David O. Selznick, por U$S 50.000. Warner Bros. había hecho sonar el nombre de Bette Davis para interpretar a Scarlett O’Hara. En Universal no le dan mucha importancia al asunto. RKO tiene a Katharine Hepburn, pero considera los derechos muy caros. Alguien le advierte a Louis B. Mayer (el de Metro Goldwyn Mayer) que las películas de Guerra Civil “nunca dieron mucha plata”. 22 de diciembre: Tallulah Bankhead hace el casting para el papel de Scarlett, especial para su acento sureño de Alabama.
· 1937: En uno de los memorandos de Selznick Internacional Pictures, escrito por el propio Selznick, se informa que el papel de Scarlett está asegurado para una tal Vivien Leigh. Esta información no saldrá de la productora por años. A partir de ese momento, Selznick lanzará una disimulada campaña publicitaria con la frase “¿Quién hará de Scarlett?”. 19 de marzo: The New York Times anuncia “de buena fuente” que Miriam Hopkins hará el papel de Scarlett O’Hara, y Janet Gaynor el de Melanie. 2 de diciembre: Susan Hayward hace el casting para el papel de Scarlett.
· 1938: 9 de febrero: Mientras los medios la dan como “la cara de Scarlett”, Paulette Goddard hace el primero de varios castings para ese papel. 24 de junio: The New York Times confirma que Norma Shearer hará el papel de Scarlett, lo que sería desmentido por la misma actriz días después: “prefiero hacer el papel de Rhett (el protagonista masculino)”. 24 de agosto: Selznick contrata a Clark Gable, actor de la MGM, para interpretar a Rhett Butler, por lo que cobrará U$S 120.000. A cambio de la cesión del actor, MGM tendrá participación en las ganancias de la película. Gary Cooper había rechazado el papel afirmando que “esa película será el más grande fracaso de la historia de Hollywood”. 17 de noviembre: Lana Turner hace el casting para el papel de Scarlett. 10 de diciembre: comienza la filmación de Lo que el viento se llevó con la escena del incendio de Atlanta (con el set rodeado de bomberos y tanques de agua), y con parte de los decorados que habían pertenecido a King Kong (1933). En el set de filmación (con reporteros gráficos presentes invitados por Selznick), Myron Selznick, hermano de David, llega con la actriz de quien él es agente, una joven surgida del teatro y recién incorporada al cine, llamada Vivien Leigh; “Aquí traigo a tu Scarlett”, dicen que le dijo Myron a David para la posteridad. 17 de diciembre: Jean Arthur, quien alguna vez tuvo una relación con Selznick, hace el casting para el papel de Scarlett. 20 de diciembre: Joan Bennett hace el casting para el papel de Scarlett. 21 de diciembre: Vivien Leigh es la trigésimo primer actriz en hacer el casting para el papel de Scarlett (1.400 actrices habían sido entrevistadas). 25 de diciembre: en una fiesta de Navidad, el entonces director de Lo que el viento se llevó, George Cukor, anuncia que Vivien Leigh hará el papel de Scarlett O’Hara.
· 1939: 3 de enero: JEAN ARTHUR SERÁ SCARLETT, anuncia el New York Journal American, como noticia exclusiva. 13 de enero: Vivien Leigh firma el contrato para interpretar a Scarlett O’Hara, por el que cobrará U$S 30.000. Olivia De Havilland firma para interpretar a Melanie. 31 de enero: comienzan a filmarse las actuaciones. No hay buena química entre Gable y Leigh. Él dice que ella se hace la intelectual; ella dice que él es medio aburrido y se queja de su mal aliento (debido a su dentadura postiza). 13 de febrero: el director George Cukor es despedido, en parte porque para Selznick la filmación está retrasada, y en parte por orden de Clark Gable, que dice “no seré filmado por un maricón” (al parecer, Cukor sabía de un encuentro homosexual de Gable con un actor de cine mudo años atrás, y se lo hizo recordar en una oportunidad). Gable tampoco habría estado conforme con la religión judía de Cukor. El director declaró haber dejado de trabajar en la película porque “el guión es horrible y no se podía hacer un buen film con él”. 14 de febrero: Victor Fleming, que recientemente había concluido con la filmación de El mago de Oz, reemplaza a George Cukor. La personalidad heterosexual (y hasta machista) de Fleming fue lo que hizo que Gable lo eligiera. 26 de mayo: se filma la escena en la que Rhett sube la escalera con Scarlett en sus brazos. 27 de junio: se filma el adiós de Rhett a Scarlett. Selznick agrega “Frankly” (Francamente) a último momento a la mítica frase “[Frankly] my dear, I don’t give a damn” (“Francamente, querida, me importa un demonio”). La Hays Office (el organismo censor de Hollywood) multará con U$S 5.000 a Selznick por la palabra “damn”. La fotografía principal es completada. Julio: la primera edición de la película dura 4 horas y media; serán recortados 48 minutos. 23 de agosto: Sidney Howard, el guionista de la película, muere en un accidente en su granja. 9 de septiembre: antes de la proyección diaria, en el cine Fox de Riverside, California, el presentador anuncia el avance de una “larga película”. Cuando el nombre de Margaret Mitchell aparece en la pantalla, el público estalla en vítores y aplausos. David O. Selznick, sentado en la parte de atrás del cine, se larga a llorar. 14 de diciembre: Clark Gable y su esposa Carole Lombard llegan a Atlanta para asistir al estreno. Junto con Leigh, De Havilland y otros protagonistas, viajan a través de la ciudad en coches descapotables haciéndose ver por una multitud de trescientas mil personas. En honor al estreno, el alcalde de Atlanta otorga un asueto de tres días. 15 de diciembre: en un cocktail de recepción, Carole Lombard se acerca a una mujer de tímida apariencia y le dice “Clark se muere por conocerla, señorita Mitchell”. En el mismo salón se encontraba un ministro protestante negro junto a su pequeño hijo, Martin Luther King. Esa noche, el estreno mundial fue en el cine teatro Loew’s Grand. Gable llegó a las 20:40 provocando enorme revuelo en el público femenino. Pero la mayor ovación se la llevó Margaret Mitchell. 16 de diciembre: LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ CAUTIVA A LA AUDIENCIA CON ESPLENDOR, anuncia el Atlanta Constitution’s. La reseña comienza con “Es maravillosa”. 21 de diciembre: Howard Rushmore renuncia como crítico de cine del diario del Partido Comunista, el Daily Worker, rechazando seguir la línea del Partido, que ataca a la película por su glorificación de la esclavitud en el Sur del siglo XIX. 26 de diciembre: el presidente Franklin D. Roosevelt ve Lo que el viento se llevó en el cine de la Casa Blanca. 28 de diciembre: dos cuadras de reflectores a lo largo de San Vicente Boulevard iluminan el camino hacia el estreno en Hollywood, en el cine Carthay Circle. Durante el intervalo de la película, los baños del lugar son desbordados.
· 1940: 29 de febrero: Lo que el viento se llevó bate todos los récords de entonces y gana ocho Oscars: película, director (Victor Fleming), actriz (Vivien Leigh), actriz de reparto (Hattie McDaniel, la primera actriz negra en ganar), montaje, dirección artística, guión (entregado post mortem a Sidney Howard) y fotografía.
· 1942: David O. Selznick disuelve su productora y le entrega a Margaret Mitchell una parte del capital: U$S 50.000.
· 1949: 16 de agosto: Margaret Mitchell muere atropellada por un auto.
· 1968: se reestrena Lo que el viento se llevó, y nuevamente es un éxito de taquilla.
· 1976: Lo que el viento se llevó se estrena en televisión.
· 1985: Lo que el viento se llevó se estrena en VHS.
· 1998: Lo que el viento se llevó se estrena en DVD.
· 2005: Según el libro Guinness de los records, si se ajustaran los valores a la inflación, Lo que el viento se llevó sería la película más taquillera de la historia (contando todas las veces que fue proyectada), recaudando hasta la fecha U$S 3.785.107.800.

Así las cosas, como podrán apreciar, lo que por estos días ocurre con El código Da Vinci no es nada del otro mundo. Desde la obra de Jules Verne que se plasmó en Viaje a la luna (Georges Méliès, 1902), hasta el bombardeo de la (hasta la fecha) hexalogía de J.K. Rowling y su púber mago Harry Potter con su correlativa serie de lanzamientos fílmicos, el público siempre recibió con mucha ansiedad y expectativa la versión en imágenes de lo que había consumido en letras y que poseía únicamente en su mente, en su calidad de lectores imaginativos.
Por estos días estoy leyendo Viñas de ira, de John Steinbeck, que tuvo su versión fílmica casi inmediatamente (John Ford, 1940). Libro y película, ambos los recomiendo calurosamente.

UN MONTÓN DE AMOR (temazo de Led Zeppelin)

2006-05-15T02:58:00.000-03:00

La película Realmente amor (Richard Curtis, 2003) se presenta en el formato de comedia romántica con varias historias contadas al mismo tiempo y un cierto grado de entrelazado. La buena noticia es que se trata de una muy linda (sí, usaré ese adjetivo) película; la calidad es algo difícil de encontrar en este género: la única de verdad buena que había surgido en la presente década es Alta fidelidad (Stephen Frears, 2000), el resto hasta la fecha fue todo metraje descartable; mientras que en los ’90 se hizo muy cuesta arriba alcanzar a Cuando Harry conoció a Sally (Rob Reiner, 1989).
Ya desde el principio, el guionista (de varias y recientes obras del género como El diario de Bridget Jones, Notting Hill o Cuatro bodas y un funeral... todas fallidas) y debutante director Richard Curtis sienta las bases sobre las que se moverá para contar su historia: quien más, quien menos, todos queremos y/o amamos a alguien. Y lo demuestra partiendo de un lugar al que volveremos al final de la película, como haciendo una rotation, sobrevolando distintas situaciones afectivas en la ciudad de Londres, durante las semanas previas a Navidad.
Una feliz pareja durante su casamiento, y un tercero en discordia herido por su pasividad; un veterano e irreverente músico en busca de la reivindicación pública y personal, que se encontrará con el amor casi por accidente; un flamante Primer Ministro divorciado y algo perdido en su nueva función sin estabilidad afectiva; un viudo que decide renunciar al amor salvo que se dé algún tipo de milagro (de esos que se dan en Navidad); un joven algo torpe que no logra triunfar con las mujeres y supone que el problema no es él sino el hábitat así que decide migrar a Estados Unidos, tierra del sol y del buen sexo; un escritor que descubre un buen par de cuernos en su cabeza y también cambia de aires, sólo que viaja para poner su vida en punto cero, y conocer las bellezas de la campiña francesa; una pareja que se desnuda antes de conocerse; una tímida empleada que tiene a su príncipe azul en el mismo lugar de trabajo… y nada más; una pareja adulta que se enfrenta a su otoño con más brazos caídos que otra cosa, el cual no es el mejor momento para iniciar aventuras extramatrimoniales (¿o sí?); y del lugar menos esperado, surgirá alguien que está dispuesto a enfrentarse a cualquier cosa para jugarse por amor: un nenito de 10 años que acaba de perder a su madre.
Como no podía ser de otra manera, el elenco es multiestelar: grandes artistas como Emma Thompson, Alan Rickman o Laura Linney, una cuota de matungos como Hugh Grant, Colin Firth o Liam Neeson, y un grupito joven y principiante pero cumplidor, como el caso de la ascendente Keira Knightley, a la que no le sobra nada como para que se haga tanto bochinche alrededor de su nombre (salvo belleza), pero que muestra eficacia en su trabajo.
Alguien podrá decir que la película peca de ingenua o naif, pero el tema es que, así como muchas veces nos suelen decir que tomemos conciencia de toda la mierda existente en el mundo, también debemos darnos cuenta de que hay cosas buenas, aunque no muchas, y que vale la pena pelear por ellas. Sino, ¿para qué carajo estamos acá?
Realmente amor se dedica al amor, es funcional a él. Por estos días ese es un tremendo laburo.

UNA REMAKE QUE ESTÁ BUENA

2006-04-21T02:48:00.000-03:00

En 1962 el Muro de Berlin estaba recién estrenado, Kennedy seguía vivo, Castro se enquistaba en el poder y en Argentina el poder no estaba en la Casa Rosada sino en los cuarteles. Ese año se estrena El embajador del miedo (The Manchurian candidate), de John Frankenheimer y con Frank Sinatra como protagonista. Un pelotón de soldados estadounidenses es capturado durante la guerra de Corea para ser sometidos a procesos de lavado cerebral. Por supuesto, tras la guerra ninguno de ellos recuerda lo sucedido, pero todos tienen el mismo sueño recurrente que los atormenta y en algunos casos los lleva hasta el suicidio. Pero esta trama deriva en una temática mucho más controversial e inquietante: el enemigo no sólo es chino comunista, sino también interno, de la misma nacionalidad que los protagonistas. Paranoia que se sentía a ambos lados de la Cortina de Hierro.
La película fue un fracaso comercial y pasó sin pena ni gloria, pero fue altamente reconocida por la crítica especializada ya que, bueno, en realidad es un excelente film, pese a las fallas de montaje, sonido, efectos y hasta de actuación; su fuerte es la historia en sí misma, mostrada en plena Guerra Fría. Gracias a esto fue reestrenada, recién en 1987, con mejor suerte en las taquillas.
En 2004 se iniciaban las construcciones de un Muro separatista en Jerusalén, Juan Pablo II seguía vivo, Castro seguía en el poder pero cada vez le importa a menos gente y el World Trade Center no existía (igual que en 1962); Iraq se parece cada vez más a Vietnam y una estación de tren junto a trescientas personas se llevaron al Más Allá al anterior gobierno español. Sumado a que se veían acrecentadas las posibilidades de que la Casa Blanca cambie de inquilino… o no.
En medio de todo este guiso (que ahora, en 2006, se puso peor) se estrena El embajador del miedo, sí, la remake, esta vez con Jonathan Demme detrás de la cámara (Casada con la mafia, El silencio de los inocentes, Philadelphia) y Denzel Washington a la cabeza del elenco. Por todos es conocida mi poca simpatía hacia esta mala costumbre de hacer de nuevo las grandes películas, pero en este caso creo que la idea fue buena.
Como todos sabemos, el mundo pegó un volantazo a partir de septiembre de 2001; el imperialismo reinante hace décadas esta vez está a cargo de una de esas figuras que aparecen en la historia y cuyo poder absoluto provoca tanto odio como temor, más por defecto (Hitler, Stalin, Napoleón, Julio César) que por virtud (Alejandro Magno, Genghis Khan). ¿Sabían que si enviamos un e-mail con las palabras “Al Qaeda” en el título, el mismo será rastreado por el FBI (aunque el título sea “Al Qaeda es una cagada”)? En este contexto es que el arte se manifiesta en su típico rol de “espejo” de la realidad. Bush es el tipo más peligroso del mundo, pero no el más poderoso, y eso se da a entender en El embajador del miedo: los malos ya no provienen de una potencia del lejano Este, sino que no tienen país, son una multinacional que tiene sus tentáculos bien afirmados en la cabeza del imperio de las cincuenta estrellas; un gobierno títere, quién lo diría.
Mientras se desarrolla la recta final de una campaña presidencial, en los medios se puede observar (en esa cintita de noticias que van pasando en la parte baja de la pantalla) cómo se van desarrollando los hechos en el exterior de Estados Unidos, en una ficción tristemente familiar y actual. La película aparece en formato de thriller político, un subgénero del que se puede apreciar un exponente (de los buenos)… una, o dos veces por década. Pero, como dijimos antes, no sólo ponderamos su alta calidad, sino el momento justo en el que aparece.
De todas maneras, no alcanzó. El arte no pudo vencer a la realidad y el terror reinará, por lo menos, cuatro años más.

LA NUEVA OLA DE TERROR

2006-04-17T01:30:00.000-03:00

A propósito de haber visto la película Saw (James Wan, 2004), es que profundizaré sobre las últimas y más logradas producciones de cine de género terror salidas de Hollywood y de otros lugares también.
El antecedente “arcaico” que podemos encontrar es en cine de suspenso, el de la magnífica El silencio de los inocentes (Jonathan Demme, 1991), de donde salió el entrañable psiquiatra caníbal Hannibal Lecter, nuestro villano favorito, con secuela (Hannibal) y precuela (Dragón Rojo) incluidas. A modo de “pariente pobre”, podemos citar las 7 de Pesadilla y las 10 de Viernes 13 (por razones obvias, dejaremos de lado Jason vs. Freddy). Un poco más cerca en el tiempo vimos Pecados capitales (David Fincher, 1995), que apostó unas fichas más al casillero de las muertes originales en su atrocidad y que se dejaban ver en forma más explícita. Y esto es justamente lo que se privilegia en el terror de esta primera década del siglo XXI, pero apartándose de la gran calidad de Silencio…, Pecados… y si nos referimos a calidad también podemos mencionar a El nombre de la rosa (Jean-Jacques Annaud, 1986).
El resto del mundo también se le animó a este terror “zarpado”, con resultados por lo general muy buenos. La española Tesis (Alejandro Amenábar, 1996), que se adentraba en el mundo de los videos snuff, con filmaciones de asesinatos reales (y que años después tendría su reflejo estadounidense en la deficiente 8 Milímetros); las francesas Los ríos color púrpura (Mathieu Kassovitz, 2000), buena y nada más, y Pacto de lobos (Christophe Gans, 2001), mucho mejor y con influencias de El nombre de la rosa. Pero también es menester mencionar a todo un grupo de directores japoneses que le entraron a este asunto del terror de niveles cuasi sádicos, como el caso de Takashi Miike y su Audition (1999), o Hideo Nakata con Dark water y La llamada 1 y 2 (todas ellas con inmediatas pero menores remakes en USA).
En el último año, aparecieron un par de producciones como La cueva y El descenso, que aunque tienen su catálogo de muertes atroces, ya se acercan más al subgénero de “película sobre un grupo de gente joven cercada por algo o alguien que los va matando uno por uno”. Las más recientes, Creep y Hostel, lamentablemente resultaron de menor calidad, como también las nuevas versiones de clásicos como Masacre en cadena de Texas o El despertar del diablo.
A modo de conclusión, podemos decir que si bien la muerte es una sola, hay diversas formas de lograr el paro cardíaco, con varios niveles de dolor agonizante; esto vende ya que es por todos conocido el morbo del público de los medios en general, y más en estos inicios del siglo XXI, en donde nuestra capacidad de asombro está en peligro de extinción. Lo que sí, órganos extirpados y cuerpos mutilados deben estar obligatoriamente acompañados de un argumento válido y atrayente, sino, por más diversificación de achuramientos, a esto le veo corta vida.
En el caso de Saw (significa Sierra, por si no sabían), el catálogo de muertes tiene una intrincada ingeniería previa: el loco de turno coloca a sus víctimas en una situación tal, que no corren peligro de ser asesinados, sino de matarse ellos mismos, y hasta se puede afirmar que el objetivo final no es la muerte de la víctima. La trama es tan complicada como suena, y también muy interesante y sagaz, sin caer en lugares comunes. Hay segunda parte (claro, quedó el final abierto); mientras vamos viendo esta primera.

SPIELBERG RINDE SOCIOLOGÍA

2006-04-06T02:06:00.000-03:00

En su película La terminal (2004), Spielberg muestra otra vez su nueva faceta de comedia dramática, como en Atrápame si puedes (2002), si bien el humor siempre fue un compañero de ruta en sus realizaciones, desde el “necesitará un barco más grande” de Tiburón, pasando por las discusiones entre Indiana Jones y su padre, e incluso hasta en La lista de Schindler. Pero en este último caso se plantea una historia curiosamente basada en un hecho real: un viajero (Tom Hanks, tercera vez bajo el mando de SS y con una actuación impecable como todas las que hizo desde Un equipo especial) llega al aeropuerto de New York procedente de un ignoto país de Europa del Este (y ficticio en la película), que mientras el protagonista cruzaba el Atlántico, entraba en una guerra civil; debido a este hecho, el pasaporte de Victor Navorsky queda anulado y no puede ingresar a suelo estadounidense, como tampoco puede volver a su país, porque no se conoce a ciencia cierta el destino del mismo. Y así es como debe quedarse a vivir… en el aeropuerto por varios meses, convirtiéndose en un cobayo sociológico. Salvo los empleados que conviven con él, en un “no lugar” como un aeropuerto en donde todos están de paso, nadie nota su presencia, a excepción de una azafata (C. Zeta-Jones) con quien tiene un encuentro accidental (y luego algo más) y que lo confunde con uno de esos “viajeros frecuentes”.
Como dijimos, Spielberg toma una historia verídica para su opus 22 logrando, licencia artística mediante, un interesante cuadro sobre la supervivencia de un hombre en una “cárcel amistosa”, con un objetivo de fondo peligrosamente cercano a un sentimentalismo de dos con cincuenta (uno de los pocos pero habituales pecados de SS), pero al que finalmente no llega, equilibrando el tema incluso mejor que en Atrápame si puedes.
Y si hablamos de cárcel, debe haber un carcelero; para este personaje SS recurrió nuevamente a un enfoque antagónico pero no maniqueísta… que puede llegar a ser justificable (como los policías de Sugarland Express que hacían su trabajo, o los dinosaurios de Jurassic Park que actuaban según su naturaleza, o los soldados alemanes de Ryan, que batallaban como cualquier soldado): el recién ascendido jefe de seguridad de la aerostación, que tiene un deseo de poder tan grande como un dirigente peronista, odia que ese turista de ningún país se quede en “su” aeropuerto, y como matar es ilegal, preferiría que salga de una vez de allí y se lo lleven a una cárcel de verdad, así es que comienza a complicarle la vida (como si no estuviera ya complicada), pero Victor es un tipo que tiene a la paciencia y el entendimiento como patrones de conducta, y ésas son las armas que usará, tanto en la batalla de la diferencia idiomática como en el día a día para hacerse de amigos y aliados, como el empleado chicano del catering aéreo, que primero le hace un edulcorado chantaje y luego lo provee de alimento en forma constante, pasando también por… conseguir trabajo, y además conquistarse una chica.
De alguna manera, La terminal me hizo recordar a una que vimos todos, Condena brutal (John Flynn, 1989), con Sylvester Stallone, sólo que mucho mejor y sin golpes ni muertes. Claro, la violencia no conduce a nada.

TOP 5: SUBMARINOS

2006-02-24T01:43:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-DAS BOOT. El barco (Wolfgang Petersen, 1981)
2-THE HUNT FOR RED OCTOBER. La caza al Octubre Rojo (John McTiernan, 1990)
3-K-19 THE WIDOWMAKER (Kathryn Bigelow, 2002)
4-CRIMSON TIDE. Marea roja (Tony Scott, 1995)
5-U-571(Jonathan Mostow, 2000)

TOP 25: BANDAS SONORAS

2006-01-25T00:43:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede escuchar una música de película mejor. Ordenado alfabéticamente; son todas buenas)
Entre paréntesis el nombre del compositor.

1-BEN HUR (Miklos Rosza, 1959)
2-BRAVEHEART. Corazón valiente (James Horner, 1995)
3-CHARIOTS OF FIRE. Carrozas de fuego (Vangelis, 1981)
4-DANCES WITH WOLVES. Danza con lobos (John Barry, 1990)
5-DOCTOR ZHIVAGO (Maurice Jarre, 1965)
6-E.T. (John Williams, 1982)
7-EXODUS. Éxodo (Ernest Gold, 1960)
8-GLADIATOR. Gladiador (Hans Zimmer – Lisa Gerrard, 2000)
9-GONE WITH THE WIND. Lo que el viento se llevó (Max Steiner, 1939)
10-JAWS. Tiburón (John Williams, 1975)
11-LAWRENCE OF ARABIA. Lawrence de Arabia (Maurice Jarre, 1962)
12-LOVE STORY. Historia de amor (Francis Lai, 1970)
13-NUOVO CINEMA PARADISO (Ennio Morricone, 1989)
14-OUT OF AFRICA. África mía (John Barry, 1985)
15-PSYCHO. Psicosis (Bernard Herrmann, 1960)
16-STAR WARS. La guerra de las galaxias (John Williams, 1977)
17-SUNSET BOULEVARD. El ocaso de una vida (Franz Waxman, 1950)
18-THE GODFATHER. El padrino (Nino Rota, 1972)
19-THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY. El bueno, el malo y el feo (Ennio Morricone, 1966)
20-THE MISSION. La misión (Ennio Morricone, 1986)
21-THE OMEN. La profecía (Jerry Goldsmith, 1976)
22-THE PIANO. La lección de piano (Michael Nyman, 1993)
23-THE SOUND OF MUSIC. La novicia rebelde (R. Rodgers - O. Hammerstein II, 1965)
24-THE WAY WE WERE. Nuestros años felices (Marvin Hamlisch, 1973)
25-VERTIGO (Bernard Herrmann, 1958)
bonus track: THE STING. El golpe (Marvin Hamlisch, 1973)

TIM BURTON ES...

2006-01-18T01:12:00.000-03:00

Con motivo de la aparición de una encuesta en internet, que consulta si el director es un dormido, un soñador, un nabo o un adaptador, desde este espacio respondemos ese interrogante.

Tim Burton, soñador… no, nabo… para nada, dormido… ni ahí, adaptador… puede ser, pero no sólo eso.

En realidad yo preguntaría si Burton es un maestro o un genio. Un maestro es el que hace todas las películas con calidad superlativa, y en el peor de los casos, son buenas con alguna cosita que resalte; tiene un piso aceptable, pero no tiene techo. Un genio no hace todas las películas buenas, hace lo que se le canta, y entre todo eso aparece con mucha frecuencia alguna que otra maravilla, pero también puede aparecer un bodriazo por el que uno pregunta “¿cómo este tipo hizo esto???”. El genio no responde, sólo sigue su camino, si te gusta bien, si no al carajo; está demasiado arriba nuestro como para que todos lo entendamos; quizás podamos hacerlo con el paso del tiempo.

Tim Burton anda por el lado de la genialidad (¿es un genio?), con grandes dotes adaptadoras, como esas bandas que hacen excelentes covers. Se tomó el raje de Industrias Disney, así como Einstein papaba moscas durante la clase de matemática. Todos estamos de acuerdo en perdonarlo por La gran aventura de Pee Wee (1985), ¿no?

Todavía hay gente que se pregunta si Beetlejuice (1988) es un film de terror o una comedia, batido de ambos géneros al que el hombre seguirá recurriendo en varias de sus películas.

Para hacer Batman (1989), un personaje que había sido creado medio siglo atrás, no usó el carácter rimbombante que suelen tener los films de superhéroes, sino que apostó fuerte a la tónica “dark” y gótica (¿o Batman no vive en Ciudad Gótica?), y ganó también fuerte. Importante para una película de “buenos y malos” que el villano realice una gran actuación, y el colorinche y risueño Guasón de Nicholson fue el contraste perfecto para la oscuridad del hombre murciélago.

Antes de su secuela, Burton ahondó en otro personaje ya creado, sólo que éste era conocido por el mundo hacía 160 años; el engendro del Dr. Frankenstein también había sido retratado en el cine repetidas veces (incluso por él mismo en el corto Frankenweenie, de 1984), así que el hombre le dio una insólita vuelta de tuerca, al personaje y al espacio-tiempo de la historia; ya no se trataba de un collage de cadáveres sino de un Joven Manos de Tijera (1990), y conocemos a su creador sólo por flashbacks. Primer papel burtoniano a cargo de Johnny Depp, o sea, si los genios están locos, lo más probable es que se junten con otros locos. Al igual que Frankenstein, Edward no se integra del todo en ese pueblo con casitas de colores y viejas conventilleras (¿en qué otro lugar que no sea un circo se puede integrar un tipo con tijeras en vez de manos??), pero en este caso la ternura del personaje nos puede.

Batman Regresa (1992) fue una segunda parte a la altura de la primera, algo que como todos sabemos, casi no se consigue. Otra vez villanos que dan la nota por la disparidad con el entorno: el repulsivo Pingüino que nos hizo olvidar al de la serie, con galera y monóculo; la recontra hot Gatúbela de Michelle Pfeiffer, que se las arregló para poner las fantasías en punto de ebullición el mismo año en el que Sharon Stone cruzó las piernas. En la primera, Burton le otorgaba al héroe un objetivo de venganza, en este caso el desafío es mayor ya que el mal y el amor se ubican en la misma persona, aunque la salida se simplifica: el aparentemente normal empresario de Christopher Walken es el más hijoputa y peligroso de todos.

La obra maestra de Burton surge también de algo “que ya se había hecho”: pero en este caso se trata de la vida real y de un personaje de ella tan particular… que es considerado el peor director de cine de la historia. Ed Wood (1994) no era ni un genio ni un maestro, pero tampoco un nabo ni un dormido ni un adaptador, sino un soñador que si hubiera dejado las cosas en sueño, seguro hacía negocio; tener a un paradigma tan lejano como Orson Welles fue lo que lo siguió empujando hacia delante. El aporte de este cover de Burton es haber hecho algo brillante con tanta producción pedorra de Wood, incluso en su vida personal.

Con un puñado de platitos voladores, de esos que se cuelgan con hilos (y que el hilo se ve), que habían sobrado de Ed Wood, Burton satirizó a las películas de épocas de guerra fría que usaban la metáfora del extraterrestre enemigo para referirse a los “peligros” soviéticos. En Marte ataca (1996), Tim desarrolla otro elemento, el humor negro con pizcas de ironías: el primer ser que los cabezones espaciales eliminan en la Tierra es una hipotética paloma de la paz; los personajes que a priori uno puede suponer que salvarán el planeta (el presidente, el militar, el académico, el periodista, etc.) son fácilmente aniquilados, dejándole el lugar a los antihéroes marginales (el boxeador fracasado, el adolescente haragán, la viejita de geriátrico… Tom Jones), típicos de la factoría Burton.

Con lo que yo llamo “las libertades del consagrado”, Burton tomó otra historia de siglos pasados para mostrar su versión de los hechos. La leyenda del jinete sin cabeza (1999) es una sobria película de terror y de época, otra vez con Depp en el papel principal, y otra vez un incomprendido: el descabezado mata no por malvado sino porque es algo que debe hacer. Buena, pareja, entretenida. ¿Qué más quieren?

Si otro director hubiera realizado la innecesaria remake de El planeta de los simios (2001), quizás se le hubiera perdonado la vida, pero Burton otra vez puso en práctica el “a mi manera” y le salió así. “¿Cómo este tipo hizo esto???”, nos preguntamos en su momento agarrándonos la cabeza. Genio trabajando, no preguntar. “No nos gustó, Tim. Hiciste que extrañáramos a Charlton Heston”. “Al carajo”.

Si la vida fuera una película, Burton sería un personaje que presenta su biografía, y ésta se llamaría El gran pez (2003), porque en esta vida real nuestra, el hombre tiene la imaginación tan desarrollada como el protagonista.

Y lo demás, Chocolate, Cadáver, no las vi, pero bueno, a estas alturas creo que Burton ya está en condiciones de no rendir cuentas; si uno se pone a ver su nueva película de turno es porque el hombre cuenta con un enorme crédito, de ahí a que no te guste (o en verdad no sea una producción demasiado buena), le pasa a cualquiera; me encontré con gente a la que no le gustó Ed Wood, vieron cómo es esto. Después está lo otro, fans de Burton que toman las proyecciones de todos sus films como rituales… ¿director de culto? Capaz nomás.

Tim Burton no llega a genio, pero es algo así como un adaptador genial, que toma lo que todos vimos y nos lo muestra tal como él lo ve a través de sus anteojitos. Tómenlo o déjenlo. Pero que por lo menos una de sus películas les va a fascinar, de eso estoy seguro. ¿O acaso no somos casi todos “gente rara” con un mambo de fondo pero también con buenas intenciones?

TOP 5: GUERRA FRÍA

2006-01-05T01:06:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-DR. STRANGELOVE. Dr. Insólito (Stanley Kubrick, 1964)
2-THE MANCHURIAN CANDIDATE. El embajador del miedo (John Frankenheimer, 1962)
3-INVASION OF THE BODY SNATCHERS. La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956)
4-KISS ME DEADLY. Bésame mortalmente (Robert Aldrich, 1955)
5-NIGHT OF THE LIVING DEAD. La noche de los muertos vivos (George Romero, 1968)
bonus track: 007: THE SPY WHO LOVED ME. La espía que me amó (Lewis Gilbert, 1976)

FILMOGRAFÍA STANLEY KUBRICK

2005-12-10T01:52:00.000-03:00

(Un servicio a la comunidad)

FEAR AND DESIRE (1953). Difícil de conseguir; hecha con dos mangos.
KILLER’S KISS (1955). Un boxeador a medio paso del fracaso, una dama en apuros y todo lo demás. También baratita. Y cortita. Y buenita.
THE KILLING (1956). El robo maestro, y un peliculón. Ocean’s eleven, al preescolar.
PATHS OF GLORY (1957). Relato antibélico y antimilitar. El primero.
SPARTACUS (1960). SK se metió en terreno de superproducciones, y también le dio resultado. Y también algo de antibélico.
LOLITA (1962). Dicen que es una de las mejores adaptaciones cinematográficas de una obra literaria. Puede ser, puede ser.
DR. STRANGELOVE (1964). Relato antibélico en forma de sátira (no se puede pelear en el Salón de Guerra!!!). El segundo.
2001: A SPACE ODYSSEY (1968). El género de ciencia-ficción viene con filosofía incorporada en su mejor exponente. Allá arriba.
A CLOCKWORK ORANGE (1971). En mi humilde pero importante opinión, la mejor de SK. Los últimos diez segundos coronan toda la obra.
BARRY LYNDON (1975). Una historia dieciochesca redondita. Un amor de personaje.
THE SHINING (1980). Floja adaptación de la novela del otro SK (Stephen King). Este SK tenía que demostrar que era humano.
FULL METAL JACKET (1987). Relato antibélico, esta vez en Vietnam y con una cómica introducción. El tercero.
EYES WIDE SHUT (1999). El maestro se despide haciendo que Tom Cruise trabaje por primera vez. Buenas noches, y gracias por todo, SK.

TOP 5: MÁQUINAS Y ROBOTS (a pedido del público)

2005-12-04T00:59:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede conocer una máquina cinematográfica más pulenta)

1-HAL 9000 (voz de Douglas Rain, 2001: A space odyssey)
2-MATRIX / AGENTE SMITH (Hugo Weaving, The Matrix)
3-R2D2 (Star Wars. Episodios I, II, III, IV, V, y VI)
4-T-1000 (Robert Patrick, Terminator 2: Judgment Day)
5-ROBOCOP (Peter Weller, Robocop)
bonus track: T-800 (Arnold Schwarzenegger, The Terminator)
mención especial: ANDREW (Robin Williams, The Bicentennial man)

McMURPHY: "EL MEJOR DISCO DE THE POLICE"

2005-12-02T01:24:00.000-03:00

El eximio asesor cinematográfico se refirió a sendas películas sobre inteligencia artificial, obviando a la decepcionante obra de Steven Spielberg, durante un congreso de electricistas dado en el partido bonaerense de Escobar.

Aunque a simple vista no lo parezca, las películas El hombre bicentenario (Chris Columbus, 1999) y Yo, robot (Alex Proyas, 2004) tienen una base argumental no sólo parecida sino idéntica: en ambas se presentan androides de última generación al completo servicio del ser humano, estableciendo sus acciones sobre tres reglas primordiales: obedecer al ser humano, no causar daño y proteger al ser humano, y protegerse a sí mismos sin que esto signifique oponerse a ninguna de las dos reglas anteriores. Como para no sufrir una experiencia apocalíptica del tipo Terminator o Matrix. Ambas películas también están basadas en escritos surgidos de la pluma de Isaac Asimov. Y también, en este sentido nos podemos considerar afortunados, los dos filmes son bastante buenos, a diferencia de A.I. (Steven Spielberg, 2001), en la que SS se queda con el tema a mitad de camino (si Kubrick, que fue el que inició el guión, resucitara, le daría una patada en el culo y volvería a su tumba).
En la primera película, protagonizada por Robin Williams, un robot fuera de serie, con un desarrollo de adaptación superior a todos los de su clase, asimila en forma progresiva (por dos siglos) las características del hombre, desde ganar un sueldo hasta sentir emociones, pasando por tener apariencia humana, que es cuando le vemos la cara al excelente Williams. La interacción del androide con los humanos se desarrolla en forma cordial y amistosa, primero con su dueño original Sam Neill (funciona tan bien de bueno como de villano) y luego con su descendencia, en particular con su hija y su bisnieta. Esto deriva en un objetivo central: el robot quiere ser totalmente humano, aprende a querer… pero todos los que quiere van muriendo mientras él continúa existiendo.
En Yo, robot, que conserva el título de una de las obras más conocidas de Asimov (1950), los robots también están al servicio del hombre, y son mucho menos aparatosos que en El hombre bicentenario (cinco años en el mundo de los efectos especiales es un enorme tramo de tiempo). En este caso, se hace mucho más hincapié en las tres reglas básicas, al punto de que un robot es sospechoso de asesinato, nada menos que del científico creador de la línea robótica. Él mismo es el que formuló la teoría del “fantasma en la máquina” (Ghost in the Machine, como el mejor disco de The Police, el que tiene “Invisible sun”), que también sirve para explicar mejor lo sucedido en …Bicentenario: de alguna manera, se producen anormalidades en los sistemas binarios de los programas electrónicos de los robots y esto puede crear lo que en el (imperfecto) mundo humano se conoce como sueños o pensamientos propios, no basados en el cálculo matemático sino en el sentido común. La interacción inmediata que se presenta en la película con el ser humano es en forma de contrapunto; Will Smith (otra vez presentando su efectivo termómetro humorístico para el cine de acción) es un policía no sólo amante de las costumbres y los elementos del pasado (escucha música de 2004) sino que tiene una desconfianza casi dogmática hacia los robots, que se explica a mediados del film, aunque con algo de retórica. Antes de suicidarse, al menos en apariencia, el científico le deja un enigmático mensaje al policía de Smith (ambos se conocían desde hacía años) pidiéndole que investigue su muerte. Al igual que en …Bicentenario, aparece en escena un robot con capacidades desarrolladas más allá de las propias de su modelo, modelo que casualmente unos pocos días después de la muerte de su creador, será entregado a todos los hogares para tareas domésticas y otras más que sus dueños les deseen asignar. Aquí ya entra en juego el factor corporativo, que tanto había importado en el clásico del género Blade Runner (Ridley Scott, 1982) y en la sádica pero excelente Robocop (Paul Verhoeven, 1987).
Una mención aparte para el director de esta última película, Alex Proyas, uno de esos realizadores que toman un argumento que puede no tener mucho de original, pero se las arreglan para darle una vuelta de tuerca más al tema, con su propia impronta. Proyas es el responsable de El cuervo (1994), que se convirtió en film de culto por tener incluida a la accidental muerte de Brandon Lee; el director se agarró la cabeza pero que igual pudo filmar media película sin el protagonista. Otra obra destacable en su filmografía es Dark city (1998), la “pariente pobre” de The Matrix, no sólo porque tiene una temática similar y un presupuesto muchísimo menor al de la trilogía Wachowski, sino porque se estrenó meses antes y es casi tan buena como la primera de ellas.
El tema de la inteligencia artificial o no humana no es nuevo en la literatura ni en el cine; el antecedente más lejano y reconocido que podemos conseguir es el mismo Frankenstein, que si bien no es un robot mecánico sino un collage de cadáveres, no deja de ser un ser artificial. El objeto siempre es el mismo, “imitar a Dios” diría un extremista, “progreso, confort, bienestar” diría el tipo que nos quisiera vender una de esas latas, “ir más allá…a ver qué pasa, pero siempre conservando el control” diría… alguien. El desenlace de Yo, robot se asocia a lo que dicen el robot T-800 en Terminator 2 (“Está en la naturaleza humana autodestruirse”), y el agente Smith en The Matrix (“El humano es como un virus”): el pensamiento propio robótico aplica las lecciones de Maquiavelo en las tres reglas básicas, más que nada para proteger a los humanos de los humanos mismos. Debemos preguntarnos si esto sería realmente malo, o si es realmente bueno ir más allá y construir elementos que eventualmente se puedan volver en nuestra contra… como le pasó al doctor Frankenstein.
Igual, para hacernos mierda a nosotros mismos, no necesitamos mucha maquinaria, desde la época de los garrotes y las piedras que lo venimos haciendo. Sólo sería apurar un poco las cosas, ¿no? ¿no?
Está bien. No me contesten. Ya me tengo que ir, está por pasar el 60. Buenas tardes.

TOP 5: PRISIONEROS (a pedido del público)

2005-11-17T02:31:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-THE SHAWSHANK REDEMPTION. Sueño de libertad (Frank Darabont, 1994)

2-THE GREAT ESCAPE. El gran escape (John Sturges, 1963)

3-PAPILLON (Franklin Schaffner, 1973)

4-ESCAPE FROM ALCATRAZ. Fuga de Alcatraz (Don Siegel, 1979)

5-GARAGE OLIMPO (Marco Bechis, 1999)

bonus track: THE GREEN MILE. Milagros inesperados (Frank Darabont, 1999)

mención especial: STALAG 17. Infierno 17 (Billy Wilder, 1953)

TOP 5: PADRES E HIJOS (a pedido del público)

2005-11-10T01:27:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-THE KID. El pibe (Charles Chaplin, 1921)
2-FRANKENSTEIN (James Whale, 1931)
3-LA VITA È BELLA. La vida es bella (Roberto Benigni, 1998)
4-DANCER IN THE DARK. Bailarina en la oscuridad (Lars Von Trier, 2000)
5-KARAKTER. Carácter (Mike Van Diem, 1997)
bonus track: HE GOT GAME. El juego sagrado (Spike Lee, 1998)
mención especial: THE GODFATHER II. El padrino II (Francis Ford Coppola, 1974)

McMURPHY: "VON TRIER ES UN HIJO DE UNA GRAN P..."

2005-10-13T23:57:00.000-03:00

En una nueva demostración de sus cualidades como especialista en cinematografía, el licenciado Lucas McMurphy analizó y desmenuzó Las 5 obstrucciones, obra de los daneses Lars von Trier y Jorgen Leth, en una conferencia brindada en la Universidad Lumière Schelotto.

Las 5 obstrucciones (2003) es un pseudodocumental dirigido por el célebre Lars von Trier y por el ignoto Jorgen Leth, ambos de origen danés. Si uno ve la obra a simple vista pensará que es un documental, entonces ¿por qué digo que es un pseudodocumental?
En 1967 Jorgen Leth realizó un corto llamado El humano perfecto, con diversas imágenes de un humano hombre y una humana mujer, en algunas actividades cotidianas, como afeitarse, comer o acostarse, acompañados por una voz en off que registra algunas impresiones sobre “el ser humano perfecto”, o bien el ser humano sin nada que lo influya negativamente. En sí, el corto es bastante bueno e interesante (y la danesa está rebuena).
Lo que se deja ver en el film, es que von Trier se encuentra frente a algo así como su ídolo (quizás decidió dedicarse al cine después de ver El humano perfecto), y en los primeros minutos se dedican a hablar del corto de Leth, pero después…
Una cosa que no quiero dejar pasar es que, por supuesto, en la película se le puede conocer la cara a von Trier, algo raro que pase con un director, salvo que sea un mediático como Spielberg o Lucas. El asunto es que este hombre tiene un rostro muy poco confiable, o sea, si fuera vecino de uno, ni en pedo se le presta la máquina de cortar césped porque no la devolverá, o al menos eso es lo que parece. Esta cara de garca hijoputa está muy bien capitalizada en el film, y ya veremos por qué.
En un marco ficticio, que pretende no serlo, von Trier pone a prueba a Leth exigiéndole que rehaga El humano perfecto 35 años después, pero poniéndole algunas trabas u obstrucciones, en cinco oportunidades, quizás estando seguro que podrá superarlas ya que Leth es considerado por von Trier, quizás, como el mejor director que hay (“perfecto”); simultáneamente el múltiple ejercicio o tour de force parte de la base de que El humano perfecto es un film “perfecto”.
A qué nos referimos con obstrucciones. En la primera, se le “ordena” a Leth realizar el corto en un lugar diferente al original escenario danés, un lugar como Cuba, con protagonistas también distintos, en cuanto claro a diferencia étnica, y poniéndole como escollo la limitación técnica: filmar en 12 cuadros por segundo, algo que hace que una película se vea constantemente cortada y provoca en el espectador ganas de pegarle un tiro a la pantalla.
La segunda obstrucción ya se ubica más explícitamente en la locación, “el peor lugar del mundo”, ordena el director de Dancer in the dark (parece mentira), para que su veterano colega viaje semanas después a India. Y ojo con hacer algo que contribuya a mejorar la remake de El humano perfecto, ya que lo que von Trier quiere es que no salga tan bien (en su cabecita pensará “ya sé que mi ídolo puede filmar requetebién, así que veremos si sabe hacerlo… mal”).
La tercera dificultad que se le impone a Leth es “versión libre”, como cuando en la escuela la maestra de plástica venía con fiaca y pedía que hiciéramos “dibujo libre”, y uno no sabía qué carajo dibujar. Así de turro resulta Lars, más o menos como el protagonista de Los inútiles.
En la cuarta el maquiavélico plan queda deliberadamente deschavado: Leth debe hacer una versión de El humano perfecto que resulte Mala. Así es que el pobre hombre (que ya a estas alturas nos damos cuenta que es bueno en serio) decide incurrir en un terreno que le es por completo desconocido, como los dibujos animados.
Por último, lo que tiene que hacer el director de El humano perfecto es… nada. El que dirigirá la obstrucción final será el propio von Trier. Y a ver qué sale.
Uno efectivamente podría pensar que von Trier es un hijo de una gran puta, pero recordemos que lo expuesto en la película es ficción con nombres reales, y que en realidad las 5 obstrucciones a El humano perfecto son ideadas y filmadas por von Trier, y también por el mismo Leth, de común acuerdo. En realidad, bien podríamos estar apreciando una demostración unificada de egos, no del tipo “quién la tiene más grande”, sino “miren que grande que la tenemos los dos”. De ser así, es cierto, la tienen grande; Las 5 obstrucciones es buenísima, dos horas cátedras de Cine.

TOP 5: DELINCUENTES PULENTA

2005-10-13T23:49:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una con criminales más queribles)

1-BUTCH CASSIDY & THE SUNDANCE KID (George Roy Hill, 1969)
2-THE PROFESSIONAL. El perfecto asesino (Luc Besson, 1994)
3-BONNIE & CLYDE (Arthut Penn, 1967)
4-GOODFELLAS. Buenos muchachos (Martin Scorsese, 1990)
5-DOG DAY AFTERNOON. Tarde de perros (Sydney Lumet, 1975)
bonus track: SNATCH. Cerdos y diamantes (Guy Ritchie, 2000)

McMURPHY: "NO PODÉS DORMIR SI TE BAILAN ENCIMA"

2005-10-07T01:36:00.000-03:00

El destacado asesor cinematográfico ofreció sus impresiones sobre el film Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (Michel Gondry, 2004), en el salón auditorio de la Facultad de Cinematografía de la Universidad Lumière Schelotto.

Nos encontramos aquí frente a otro “director de videoclips musicales que se dedica a los largometrajes”, tal es el caso de Michel Gondry, experiencia que se observa en varios pasajes de Eternal sunshine of the spotless mind, su segunda película (la primera fue Human nature, de 2002).
El factor básico de la trama es un novedoso proceso neurológico para eliminar determinados recuerdos de la memoria de una persona relacionados a un lugar, una mascota, o una persona, esto último lo que más demandan los clientes (enfermos de “mal de amores” en su mayoría) del centro Lacuna, un modesto consultorio del tamaño que podría tener una .com creada por un par de universitarios. Joel, el personaje interpretado por Jim Carrey (que nuevamente demuestra que es más que un catálogo de muecas), descubre que su novia Clementine (Kate Winslet, que es como esos alumnos que nunca se sacan un 10, pero siempre se anotan con un 9 ó un 9.5) se sometió a dicho proceso, y en base al típico despecho que surge cuando el amor se va desintegrando, decide hacer lo mismo. La mayor parte de la película detalla el borrado mnemónico propiamente dicho, todos los recuerdos referidos a la relación con Clementine, dentro de la mente del protagonista mientras éste duerme… y sueña, por lo que la descripción aparece en formato onírico, tratado por Gondry con bastante originalidad y equilibrado manejo de la complejidad, e incluyendo, como dije recién, elementos que nos recuerdan a algún que otro videoclip musical, no necesariamente hecho por este director.
La historia de Joel y Clementine es sabiamente intercalada, y hasta relacionada, con la de los especialistas “borradores de recuerdos”. Y digo sabiamente porque sino la trama hubiera corrido peligro de caer en la fosa del tedio ya que el nudo del relato se prolonga… no sé si más de la cuenta, pero por ahí anda. Esta historia paralela incluye escenas de un “viaje” estupefaciente de los encargados de borrarle los recuerdos a Joel, que llega al extremo de bailar sobre el durmiente cliente. O sea, que fuera del desvanecimiento de sueños, el guión mantiene el nivel de “realidad distorsionada”, regresando a tiempo al mundo real para el inicio del desenlace.
El guión está a cargo de Charlie Kaufman, también creador de los escritos de Quieres ser John Malkovich (Spike Jonze, 1999) y El ladrón de orquídeas (Spike Jonze, 2002), entre otras. Por esta seguidilla de argumentos que contribuyen a refrescar la industria hollywoodense (con una sequía de ideas que se evidencia en el constante estreno de remakes), es que Kaufman es idolatrado por la camada de cinéfilos que no habían nacido cuando se estrenó el Episodio VI de Star Wars.

Un pequeño murmullo se produjo en el auditorio…

Sí, chicos, me refiero a ustedes. Está bien que apoyen las ideas nuevas, yo hice lo mismo con Gilliam y Tarantino, pero tampoco se dejen deslumbrar, recuerden a los “falsos profetas”.

El murmullo se convirtió en risas generalizadas.

Para terminar, les cuento que en los últimos años fueron apareciendo películas que también trataron la temática de “la ciencia al servicio de sentimientos y emociones humanas”, como Gattaca (Andrew Niccol, 1997), El sexto día (Roger Spottiswoode, 2000), Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2001, remake de la española Abre los ojos) o Inteligencia Artificial (Steven Spielberg, 2001), siempre con flancos descubiertos en el argumento, quizás por lo dificultoso de la temática misma. En el caso de Eterno… también aparecen esos baches, en la introducción más que nada, sólo que no influyen sobremanera en el resultado final, el cual entrega sobrada satisfacción.
El caso es que este coqueteo cinematográfico con un futuro relativamente cercano que presenta elementos científicos artificiales, íntimamente unidos al aspecto humano, intentando reemplazar a la típica ciencia ficción de extraterrestres, rayos, realidad virtual, guerras de robots y hasta incremento de comodidades hogareñas, de alguna manera hace que le prestemos más atención a las noticias que van apareciendo (a las que el público puede acceder) sobre clonación y otros procesos de dudosa aplicación práctica… y correcta, en manos del ser humano.
¿Preguntas?
Perfecto. Gracias por recibirme, no se paren, por favor. Buenas tardes.

McMURPHY: "UNA DE BARQUITOS"

2005-10-07T01:16:00.000-03:00

El experto en cinematografía Lucas McMurphy se refirió a la película Capitán de mar y guerra en una conferencia brindada en el liceo militar General George Patton.

El auditorio en donde usualmente se proyectan documentales sobre tácticas y estrategias de combate para las clases de los estudiantes del liceo, esta vez se utilizó como salón de conferencias para que el licenciado McMurphy hiciera su reseña del film protagonizado por Russell Crowe y ganador de dos premios Oscar, Capitán de mar y guerra (Peter Weir, 2003), o como él prefirió llamarlo durante toda la tarde, Master and Commander: The far side of the world. Uno podría pensar que, al tratarse de una película sobre combate, las autoridades de un liceo militar pueden sentirse a gusto disertando sobre ella, pero si uno piensa esto, es que está olvidando la antigua rivalidad entre el ejército y la marina, no sólo en nuestro país sino en cualquier grupo de fuerzas armadas del mundo. “¿Para qué nos viene a hablar de esto?”, protestó por lo bajo un malhumorado general; “Lo dejamos entrar porque proviene de una larga tradición militar en su familia”, explicó un coronel con aspecto de arrepentimiento, “pero me parece que éste salió medio zurdito”, concluyó.
Sin escuchar los comentarios insidiosos, pero haciendo frente a las caras largas, McMurphy inició su charla apuntando que Master and Commander fue “una de las películas estrenadas en los últimos años que más me satisfizo”, también calificándola como “estupenda y fabulosa”. “Claro, si siempre habla de películas viejas”, mencionó en voz baja un joven cadete al que le estaba creciendo su primera pelusa de barba. El asesor cinematográfico también introdujo al film en la categoría de “road movie”, aparte de por supuesto, ser de género bélico.
McMurphy continuó refiriéndose al director de la película, Peter Weir, y a otras grandes obras que llevaron su firma como el drama también bélico Gallipoli (1981), mención que contó con las primeras aprobaciones de su castrense público (“Peliculón”, se escuchó desde un par de lugares), pero que no continuaron al citar otros títulos como La sociedad de los poetas muertos (1989) y The Truman Show (1998), siendo que por ejemplo, el mismo general malhumorado opinó respectivamente de ambos films “Una vergüenza que se reivindique la figura de un profesor bolche” y “El control sobre los civiles nunca está de más”. Otro de los títulos fue Testigo en peligro (1985), pero nadie lo recordaba, hasta que McMurphy nombró a Harrison Ford.
La ponderación hacia Master and Commander continuó haciendo referencia al relato que “nunca pierde ritmo y propone interesantes planteos al protagonista, carismático líder de un grupo humano”, además que “no se apoya en la fuerza de las escenas (cuenta con una gran energía propia), aunque éstas son originalmente excelentes, sobre todo las de combate”. La actuación de Russell Crowe también recibió flores (“siempre es un placer verlo trabajar”, opinión que le valió al cinematógrafo recibir una nueva oleada de miradas de desaprobación). A modo de dato estadístico, McMurphy habló de la premiación de la Academia, con dos Oscars (efectos sonoros y fotografía), como que “podría haberse llevado dos o tres más, pero recordemos que Lord of the rings (Peter Jackson, 2003) barrió con todo”.
A modo de conclusión, McMurphy afirmó que “el final de la película da para una o dos secuelas”, opinando que “ojalá se dé”.
Su partida del recinto se vio acompañada por muy pocos y forzados aplausos, más una acotación a este periodista que realizó un capitán que hasta ese momento no había hablado: “la primera media hora de Nacido para matar, eso es cine, señor”.

UNA CHARLA SOBRE CINE CATÁSTROFE

2005-10-06T01:30:00.000-03:00

En una entrevista exclusiva para nuestro medio, el licenciado Lucas McMurphy hizo referencia al film “El día después de mañana” estrenado el año pasado.

-Primero y principal, ¿está buena El día después de mañana? O sea, ya la vimos todos, pero su opinión es muy respetada en el ambiente.
-Está buena, sí, pero sin que le sobre mucho.
-Digamos, 6 ó 7 puntos.
-Una cosa así. Pero para hablar de El día después… hay que hacer referencia a su director, Roland Emmerich, un profesional que, pese a ser alemán, es un típico director “hollywoodense” o “pochoclero”, esto es, sus películas basan su potencia en escenas de acción y efectos especiales, lo cual no es necesariamente malo si se lo hace con talento y calidad (podemos mencionar a James Cameron). Pero aparte de esto, Emmerich es bastante irregular en su filmografía. Tenemos para “todos los gustos”, desde bodrios como Soldado universal (1992) y Godzilla (1998), pasando por elementos muy interesantes como Stargate (1994) y El patriota (2000) hasta una gran película como es Día de la Independencia (1996).
-En una de sus conferencias escuché que calificaba a esta última como excelente, ¿no es una demostración más de “patriotismo demagógico yanqui”?
-No, de ninguna manera. Alguna vez critiqué a Michael Bay por ese motivo, expuse que estaba bien demostrar patriotismo, pero sin zarparse como hacía él en Pearl Harbor (2001). En Día de la Independencia está todo muy bien equilibrado en ese aspecto y en otros tantos a los que me referiré en otra oportunidad. Además, dejémonos de joder, si la película hubiera sido argentina, los extraterrestres volaban a la mierda el 25 de mayo o el 9 de julio, y todos contentos.
-Eso es cierto. Pero vale la pena mencionar una parte muy mala, la de Will Smith pegándole al extraterrestre…
-Sí, “Bienvenido a la Tierra”, lamentable. Pero bueno, volviendo a El día después de mañana, la película está buena (unos escalones debajo de Stargate, por ejemplo), pero tiene una especie de… malformación argumental.
-¿Cómo es eso?
-Claro, es como que la conexión entre el nudo y el desenlace de la historia no está bien construida; le pasa lo mismo a Gladiador (Ridley Scott, 2000), por ejemplo.
-A ver, vamos por partes. La introducción es bastante actual, incluso se menciona el Tratado de Kyoto que Estados Unidos, perdón, Bush, no quiso firmar.
-Correcto. La introducción es el descenso repentino de temperatura de una corriente marina debido al calentamiento global. También ahí tenemos un bache argumental: nunca se explica del todo cómo el proceso de glaciación que supuestamente tardará como mínimo un siglo se produce en una semana. Emmerich compensa con un enorme impacto visual, pero no alcanza, y mucho menos cuando, una vez que todo el hemisferio norte queda congelado y hecho pelota, el guión se queda sin recursos y se centra sólo en la historia personal del protagonista, Dennis Quaid. Es como si para Año Nuevo te comprás nada más que una enorme batería de fuegos artificiales; a las 12:00 la encendés, el espectáculo es hermoso, pero dura un par de minutos. A las 12:05 tus hijos te preguntan “¿no compraste petardos o cañitas voladoras?”. En ese sentido de la “historia particular”, La guerra de los mundos (Steven Spielberg, 2005) tiene un planteo más logrado.
-Sin embargo, hay una parte bastante… pintoresca, cuando Estados Unidos le perdona la deuda externa a México y demás países latinoamericanos para que dejen ingresar a los refugiados.
-Sí, eso está bueno… e irónico. Otra escena graciosa es cuando el grupo en la biblioteca tiene que quemar libros para no congelarse, y dos de ellos se ponen a discutir cuáles obras quemar y cuáles no (“¿Cómo vas a quemar un libro de Nietzsche?”), y finalmente terminan incendiando toda la sección de leyes impositivas. Pero, más allá de esto, creo que la película funciona, más o menos efectivamente, como un llamado de atención desde el punto de vista ecológico, sin llegar al sensacionalismo, sino como un relato puramente ficticio. Y, más allá de los errores, no deja de ser entretenida.
-Se suma al resurgimiento del cine catástrofe en los últimos años.
-Es un subgénero que dio interesantes resultados en la década del ’70, más que nada, con Terremoto, Aeropuerto y todas las de aviones siguientes, Infierno en la torre, Poseidón, por mencionar algunas. En los últimos diez años las mejores fueron Epidemia (Wolfgang Petersen, 1995), Titanic (James Cameron, 1997) y la misma Día de la Independencia; después en Dante’s Peak (Roger Donaldson, 1997), Armageddon (Michael Bay, 1998), El núcleo (Jon Amiel, 2003) o, debemos decirlo, El día después de mañana, lamentablemente el producto deja con las ganas, sea por errores u omisiones. Es una pena, porque en todos los casos el argumento inicial es bastante atrayente. Ahora que recuerdo hay una que está bastante buena y se puede recomendar, La suma de todos los miedos (Phil A. Robinson, 2002), basada en una novela de Tom Clancy, con Ben Affleck heredando injustamente (aunque es su actuación menos mala) el papel que alguna vez interpretaran Alec Baldwin y Harrison Ford.

-Gracias por su tiempo.

-Por favor, es un placer.

McMURPHY: "¿ES ESTE EL FUTURO?"

2005-10-05T01:40:00.000-03:00

El distinguido asesor cinematográfico se refirió a la segunda película de la hija de Francis Ford Coppola, ganadora del Oscar al mejor guión original y el Globo de Oro a mejor película. Su disertación se llevó a cabo de manera sorpresiva en un local céntrico dedicado al karaoke.

Antes que nada debemos afirmar que cuando vemos Perdidos en Tokyo (Lost in translation, 2003) estamos frente a una muy buena película, de las que no salen muy frecuentemente de la industria cinematográfica estadounidense. Primer punto en común que tiene el cine de la novata Sofia Coppola con el de su padre, el maestro FF (¿vieron alguna vez algo parecido a El padrino, Apocalipsis now o La conversación?). En su primera película, Las vírgenes suicidas (The virgin suicides, 1999), ya había demostrado que contaba con talento propio para, lo que comúnmente se llama, “contar una historia”, si bien aquella obra estaba unos escalones debajo de Perdidos…; mientras que su aporte de guión a la triple película Historias de New York (1989, en el segmento a cargo de FF) se encontraba varios metros debajo del sótano.
La historia es sobre dos personas que básicamente se encuentran con un tremendo embole en la capital japonesa, como un fin de semana sin dinero ni salida ni fútbol ni asado, pero multiplicado por mil. Uno es un famoso y cincuentón actor (Bill Murray, el cazafantasmas) al que contrataron para protagonizar la publicidad de un whisky local. Otra es la joven esposa (Scarlett Johansson, la renga de El señor de los caballos) de un fotógrafo que llegó a la tierra del sol naciente acompañando la gira de un grupo musical, pero que dedica todo el día a sus cámaras. Ambos muestran sus mejores sonrisas de diplomático, pero, aunque al principio lleven sus estadías por carriles distintos, se les nota que en sus mentes hay un mismo pensamiento: “no quiero estar acá”.
Como dijimos, Sofia (por razones obvias no la llamaremos por el apellido) sabe cómo relatar una historia, y cómo hacerlo bien, desde el guión y desde detrás de la cámara (su incursión delante de ella en El padrino III no fue muy feliz); nos convence por completo del “no quiero estar acá” de ambos personajes hasta el momento de su encuentro. La diversión de avanzada que supuestamente brinda Japón para locales y foráneos no alcanza a complacerlos, e incluso uno imagina que puede llegar a abrumar (si eso es el futuro, karaoke, videojuegos, aparatos de gimnasia y demás “juguetes” digitales, entonces hagamos mierda todo con un lanzallamas y empecemos de vuelta). El actor no pasa por el mejor momento de su matrimonio, ni de su carrera, y la chica está descubriendo que la vida de casada sin un proyecto de vida propio no es lo que más desea. Los momentos juntos los transportan de sendos tours de force a ese espacio indefinido entre la amistad y el cariño (o amor) que rara vez visitan un hombre y una mujer bajo determinadas circunstancias. Lo significativo de esto (reitero) es que Sofia hace que la historia le llegue al espectador sin recurrir a ninguna de las estratagemas que se suelen usar en las comedias de “hombre conoce a mujer (o viceversa)”. Así que debemos resaltar que este film no es para romanticones que esperan encontrarse con una “hermosa” historia de amor; para eso háganse miembros de los fan club de Meg Ryan o de Sandra Bullock. Esta es una historia de “hacerse el aguante” mutuamente.
Ah, y perdón por lo que dije antes sobre el karaoke, en realidad respeto a los que lo practican, sólo que yo canto muy mal y un día tuve un… pequeño inconveniente cuando intenté interpretar a Frank Sinatra, el público empezó a… fue muy feo. Gracias igual por recibirme esta noche, que les vaya bien.

McMURPHY: "King Kong se zarpó con la yerba mate"

2005-09-14T23:51:00.000-03:00

El renombrado asesor cinematográfico expuso su calificación de la película Hulk (dos años después de su estreno; tarde, como siempre) en la Convención de Fanáticos del Cómic, llevada a cabo en un desagüe cloacal, donde supuestamente habrían habitado las Tortugas Ninja y su sensei, la rata Splinter.

El olor que reinaba en el lugar era realmente desagradable, y la poca iluminación con la que contaba provenía de un conducto de salida que desembocaba en el río. “Respirá por la boca, cabeza, así no sentís la baranda”, me sugirió un muchacho disfrazado del Capitán América. Le hice caso y efectivamente dio resultado. El catedrático del cine hizo su aparición desde el interior del desagüe, a través de un túnel que, según me dijo un atlético joven vestido de Aquaman, llevaba al centro de la ciudad. Sobre el extraño lugar del encuentro, la mejor explicación que este periodista pudo recolectar, mediante declaraciones de una atractiva adolescente ataviada con la poca ropa que solía vestir la Mujer Maravilla, fue que la idea original era un congreso sobre las Tortugas Ninja, con la presencia de los actores que interpretaron a los quelonios mutantes en la exitosa trilogía de películas, pero que lamentablemente “los ortivas cancelaron a último momento”, y así fue que, para llenar el espacio libre “lo llamamos a este cuentero para que nos hable sobre la nueva película de Batman (Christopher Nolan, 2005) y la de los 4 Fantásticos (Tim Story, 2005)”, apoyados en la actividad que realiza el licenciado McMurphy sin fines de lucro (“menos mal que no cobra, porque hicimos cagar toda la tarasca en los disfraces”).
Luego de que McMurphy se quitara las patas de rana y el snorkel, la Mujer Maravilla y todos los demás fueron guardando silencio paulatinamente para dejarlo comenzar con la conferencia. Sin embargo, muchos se sorprendieron (no yo) al escuchar decir al licenciado que dedicaría sus palabras a analizar la película Hulk (Ang Lee, 2003). “Mi papá me dijo que siempre hace lo mismo”, denunció un púber debajo de la capucha de Batman (que esperaba escuchar sobre el quinto film de su héroe), haciendo referencia a una conferencia de McMurphy en la que su progenitor estaba presente, en la Sociedad Rural en 1993, cuando se suponía que tenía que hablar de Los imperdonables (Clint Eastwood, 1992), terminó analizando la obra “de un tal Sergio Leone”.
Sin más motivos para protestar, nos pusimos a escuchar al estudioso del séptimo arte. Lo primero que mencionó fue su alabanza hacia Hulk. “La eterna lucha del héroe contra su destino está tratada en forma muy madura por el director oriental”, sentenció, también afirmando que en la película “el Hulk, Increíble Hulk, como lo conocíamos, no aparece como un superhéroe con poderes extraordinarios sino como un experimento fallido de su loco padre más la accidental exposición a radiactividad que derivaron en su transformación en un ser con descomunal fuerza, tremenda resistencia y enorme tamaño cada vez que se enoja. Las proezas que realiza venciendo obstáculos, y permaneciendo conscientemente del lado del bien, sólo forman parte de su historia personal (perros mutantes como él, su escape de las prisiones militares, hasta su propio padre). Tendremos que esperar a la secuela prometida con el final abierto para verlo plenamente como el típico héroe que lucha contra el mal en las formas que éste tiene y que superan las defensas y ataques del ser humano medio”. McMurphy comparó este tratamiento del origen del héroe con la introducción de la historia que se ve en Spider-Man (Sam Raimi, 2002), a la que calificó como “algo ingenua, en comparación con la que hace Ang Lee en Hulk”.
Otra comparación que el estudioso del cine hizo con respecto a Hulk fue la similitud con el mítico King Kong, el simio gigante protagonista de la película homónima (M. Cooper – E. Schoedsack, 1933), en cuanto a “su debilidad hacia su gran amor, la única que lo podía tranquilizar… y la única que no lo hacía enojar, como si ella siempre hubiera sabido que se trataba de eso. Y estas es una de las tantas diferencias que encontramos en la película, para bien, con respecto a la serie que veíamos hace casi 30 años (el protagonistas ya ni siquiera se llama Banner) aparte de, obviamente, los efectos visuales y sonoros”.
Se pudo escuchar que algún joven preguntó por lo bajo “¿King qué?”, pero no se le prestó mayor atención. Siguiendo la comparación con King Kong (“Lee tomó varios elementos de esta película”, dijo McMurphy), se refirió al hostigamiento que recae sobre el gigante verde, por parte de las fuerzas militares, de lo cual se desprende una crítica hacia ellas, y por lo tanto al imperialismo, “medio metafórica, medio explícita”. La idea no quedó sin desarrollar: “por un lado, la forma de anular el ataque de un tanque doblando su cañón hacia sí mismo; por otro lado, la película muestra al ejército dominado corporativamente y pretendiendo utilizar algo sobrehumano como el mismo Hulk, a modo de arma de guerra contra un enemigo a designar”.
Cuando le tocó hablar del director, también fue benevolente ya que ponderó sobremanera su versatilidad y talento en películas anteriores como El banquete de bodas (Oso de Oro festival de Berlin), Sensatez y sentimientos (Oscar al guión adaptado), La tormenta de hielo (Premio mejor guión festival de Cannes) y El tigre y el dragón (Oscar a la película de habla no inglesa, banda sonora, dirección artística y fotografía), a la que sindicó como “una de las mejores películas de artes marciales”. McMurphy también mencionó la reciente obtención por parte de Lee del León de Oro del festival de Venecia por su última obra, Brokeback Mountain, sobre dos cowboys homosexuales.
En un momento de la conferencia, algunos jóvenes comenzaron a rememorar los momentos más impactantes de Hulk, comentándolos entre ellos, para luego atacar con golpes de puño al Capitán América acusándolo de ser “símbolo del imperialismo shanqui”, y quemando los jirones de su disfraz. Tal fue la distracción que en cuanto algunos de ellos miraron hacia el escenario improvisado (fabricado con un cajón de frutas y una parrilla oxidada) desde donde McMurphy dio su disertación, éste ya no estaba, como tampoco sus patas de rana y su snorkel.

TOP 5: ENFERMOS MENTALES

2005-09-14T00:42:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-ONE FLEW OVER THE CUKOO’S NEST. Atrapado sin salida (Milos Forman, 1975)
2-FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994)
3-RAIN MAN (Barry Levinson, 1988)
4-SHINE. Claroscuro (Scott Hicks, 1996)
5-LE HUITIÉME JOUR. El octavo día (Jaco van Dormael, 1996)
bonus track: SLING BLADE. Resplandor en la noche (Billy Bob Thornton, 1996)

TOP 5: PELÍCULAS DE DIOS

2005-09-10T00:48:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-BEN-HUR (William Wyler, 1959)
2-JESUS OF NAZARETH*. Jesús de Nazareth (Franco Zeffirelli, 1977)
3-THE LAST TEMPTATION OF CHRIST. La última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988)
4-JESUS** (Roger Young, 1999)
5-THE PASSION OF THE CHRIST. La pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004)
bonus track: THE KING OF KINGS. Rey de reyes (Cecil B. DeMille, 1927)

*: Miniserie para televisión.
**: Película para televisión.

TOP 5: MOCO TENDIDO

2005-09-04T01:36:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una más lacrimógena)

1-BRAVEHEART. Corazón valiente (Mel Gibson, 1995)
2-THE SHAWSHANK REDEMPTION. Sueño de libertad (Frank Darabont, 1994)
3-IT’S A WONDERFUL LIFE. Qué bello es vivir (Frank Capra, 1946)
4-IMMORTAL BELOVED. Amada inmortal (Bernard Rose, 1994)
5-PAY IT FORWARD. Cadena de favores (Mimi Leder, 2000)
bonus track: SCHINDLER’S LIST. La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993)

TOP 5: PARA CUANDO SE TE JODE EL SATURDAY NIGHT

2005-09-03T01:17:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones)

1-HIGH FIDELITY. Alta fidelidad (Stephen Frears, 2000)
2-TERMINATOR 2: JUDGMENT DAY (James Cameron, 1991)
3-PRETTY WOMAN. Mujer bonita (Penny Marshall, 1990)
4-NORTH BY NORTHWEST. Intriga internacional (Alfred Hitchcock, 1959)
5-SCARY MOVIE. Una película de miedo (Keenen Ivory Wayans, 2000)
Bonus track: LOCK, STOCK AND TWO SMOKING BARRELS. Juegos, trampas y dos armas humeantes (Guy Ritchie, 1998)

TOP 5: DEPORTES

2005-08-17T00:25:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-CHARIOTS OF FIRE. Carrozas de fuego (Hugh Hudson, 1981)
2-HE GOT GAME. El juego sagrado (Spike Lee, 1998)
3-ANO NATSU, ICHIBAN SHIZUKANA UMI. Escena frente al mar (Takeshi Kitano, 1992)
4-KINGPIN (P. Farrelly – B. Farrelly, 1996)
5-COOL RUNNINGS. Jamaica bajo cero (Jon Turteltaub, 1993)
bonus track: ANY GIVEN SUNDAY. Un domingo cualquiera (Oliver Stone, 1999)

TOP 5: SUPERHEROES

2005-08-14T01:08:00.001-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-ROBOCOP (Paul Verhoeven, 1987)
2-THE DARK KNIGHT. Batman, el caballero de la noche (Christopher Nolan, 2008)
3-SUPERMAN (Richard Donner, 1978)
4-SPIDER-MAN 2 (Sam Raimi, 2004)
5-HULK (Ang Lee, 2003)
bonus track: IRON MAN (Jon Favreau, 2008)

TOP 5: NOMBRES LARGOS

2005-08-13T00:50:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una que lo tenga más largo)

1-THE PERSECUTION AND ASSASSINATION OF JEAN-PAUL MARAT AS PERFORMED BY THE INMATES OF THE ASYLUM AT CHARENTON UNDER THE DIRECTION OF THE MARQUIS OF SADE. Marat/Sade (Peter Brooks, 1966)
2-EVERYTHING YOU ALWAYS WANTED TO KNOW ABOUT SEX BUT WERE AFRAID TO ASK. Todo lo que siempre quiso saber sobre sexo (Woody Allen, 1972)
3-DOCTOR STRANGELOVE OR HOW I LEARNED STOP WORRYING AND LOVE THE BOMB. Dr. Insólito (Stanley Kubrick, 1964)

4-PIRATES OF THE CARIBBEAN: THE CURSE OF THE BLACK PEARL. Piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra (Gore Verbinsky, 2003)
5-TEENAGE MUTANT NINJA TURTLES II: THE SECRET OF OOZE. Las Tortugas Ninja II: El secreto del Ooze (Michael Pressman, 1991)
bonus track: THE LORD OF THE RINGS: THE FELLOWSHIP OF THE RING. El señor de los anillos: La comunidad del anillo (Peter Jackson, 2001)

TOP 5: ROAD MOVIES

2005-08-07T01:27:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor sobre el tema)

1-APOCALYPSE NOW (Francis Ford Coppola, 1979)
2-EASY RIDER. Busco mi destino (Dennis Hopper, 1969)
3-BONNIE & CLYDE (Arthur Penn, 1967)
4-THE STRAIGHT STORY. Una historia sencilla (David Lynch, 1999)
5-THE WIZARD OF OZ. El mago de Oz ( Victor Fleming, 1939)
bonus track: BEAVIS & BUTT-HEAD DO AMERICA. Beavis & Butt-head recorren América (Mike Judge, 1996)

TOP 5: ABURRIDAS

2005-08-04T23:53:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una más embolante)

1-THE GREATEST STORY EVER TOLD. La más grande historia jamás contada (George Stevens, 1965)
2-TESS (Roman Polanski, 1980)
3-HENRY V. Enrique V (Kenneth Branagh, 1989)
4-KAVKAZSKIJ PLENNIK. Prisionero de la montaña (Sergei Bodrov, 1996)
5-1900. Novecento (Bernardo Bertolucci, 1975)
bonus track: BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, 1966)

TOP 5: ENQUILOMBADAS

2005-08-04T00:03:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una más enrevesada)

1-INLAND EMPIRE. Imperio (David Lynch, 2006)
2-ZERKALO. El espejo (Andrei Tarkovski, 1974)
3-HERZ AUS GLAS. Corazón de cristal (Werner Herzog, 1976)
4-HIROSHIMA MON AMOUR (Alain Resnais, 1959)
5-FORBRYDELSENS ELEMENT. El elemento del crimen (Lars von Trier, 1984)
bonus track: 2001: A SPACE ODYSSEY. Odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968)

TOP 5: LONGITUDINALES

2005-08-03T02:56:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una más larga que alguna de estas)
La duración se calcula excluyendo a los créditos finales.

1-1900. Novecento (Bernardo Bertolucci, 1975): 320’ (5 horas 20’)
2-GONE WITH THE WIND. Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939): 220’ (3 horas 40’) – THE TEN COMMANDMENTS. Los diez mandamientos (Cecil B. De Mille, 1956): 220’ (3 horas 40’)
3-LAWRENCE OF ARABIA. Lawrence de Arabia (David Lean, 1962): 214’ (3 horas 34’)
4-BEN-HUR (William Wyler, 1959): 213’ (3 horas 33’)
5-WAR AND PEACE. La guerra y la paz (King Vidor, 1956): 206’ (3 horas 26’)
bonus track: DAS BOOT. El barco (Wolfgang Petersen, 1981): 200’ (3 horas 20’)

TOP 5: MUDAS

2005-07-13T00:42:00.001-03:00

(sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor de aquella época)

1-BRONENOSETS POTYOMKIN. El acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein, 1925)
2-THE GENERAL. El maquinista de la General (Buster Keaton – C. Bruckman, 1927)
3-DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI. El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)
4-NOSFERATU, EINE SYMPHONIE DES GRAUENS. Nosferatu el vampiro (F.W. Murnau, 1922)
5-THE BIRTH OF A NATION. El nacimiento de una nación (D.W. Griffith, 1915)

bonus track: THE GOLD RUSH. La quimera de oro (Charles Chaplin, 1925)

McMURPHY: “LOS CLAVOS VAN EN LAS MUÑECAS”

2005-07-12T00:27:00.000-03:00

El prestigioso asesor cinematográfico presentó sus comentarios sobre la controversial película “La pasión de Cristo” (Mel Gibson, 2004), que relata las últimas horas de sufrimiento de nuestro Salvador, en los cuarteles generales de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (los mormones, bah)

A continuación se presenta la trascripción de la disertación que brindó el asesor cinematográfico desde el altar del ángel Mormon:

La que me faltaba ver de las que suelo llamar "películas de Dios", La pasión de Cristo, resulta que está muy buena. Es una de esas películas que gustan y no gustan por partes iguales, por ejemplo, desde el punto de vista de la crítica. Alguno dijo que era buenísima y verídica, otros que era horrible (por lo mala o por la explícita violencia). Pero no se puede pedir mucho de los críticos. Algunos también dijeron que era antisemita (esos que si el mozo les trae la comida fría, entonces el cocinero es antisemita, o si tiene que esperar mucho en una fila, el cajero es antisemita, o si reciben una mala noticia por carta, el correo es una corporación antisemita); creo que en cuanto a pintar de mierda a los representantes religiosos judíos de la época se queda algo corta; por ejemplo, no muestra cómo los miembros del Sanedrín contrataron y coimearon batatas para que gritaran "crucifíquenlo", "liberen a Barrabás" o "no al aumento de los pretzels". Toda la cuestión se reduce muy simplemente: un tipo como Jesús le cagaba el negocio a la iglesia judía. Si ahora apareciera un flaco diciendo que es Jesucristo que vuelve para salvarnos, y en realidad lo fuera, la iglesia católica haría exactamente lo mismo, sólo que ahora en vez de látigos con puntas de plomo y mazas con clavos tenemos la “piadosa” inyección letal. Y en una de esas, resucitaría como Keanu Reeves en Matrix.
Mucha violencia, es cierto (quizás pecando de repetitiva), pero personalmente a mí me gusta la veracidad, y así de turros eran los romanos, y el mundo de la época, que tranquilamente te cagaba a piedrazos en medio de la calle hasta que una te daba en el marote, como le pasó al primer mártir cristiano, san Esteban, que murió diciendo "después de tirarme la última roca, métanse esta en la boca". Aunque, como dije, mientras más realista una película épica mejor, comprendo que un ultracatólico como Mel Gibson haya puesto el elemento poético con una cruz entera en el via crucis cuando los condenados cargaban sólo el tronco horizontal (recordemos que no sólo Jesús murió así), que ya bastante pesado era, y los clavos en las manos, cuando en realidad te clavaban en las muñecas, entre los extremos del cúbito y del radio, de esa manera el cuerpo se sostenía colgado (los huesitos de las manos no pueden soportar tanto peso).
Hay un elemento, de los pocos innovadores en una historia que tantas veces se contó, que es la aparición de a ratos de un Satán (¿¡una mujer pálida y calva!?) por entre la multitud, que está bastante bueno en el desarrollo de la película. Otra cosa que me gustó mucho fue que usaran los idiomas originales de aquel entonces (arameo y latín), lo que le habrá provocado numerosas puteadas al director por parte de los actores, eso si no hemos presenciado el playback más grande del mundo. Los flashbacks también están bien ubicados y distribuidos; quizás hubiera convenido arriesgarse un poquito más en ese aspecto...
Probablemente no convenza a ateos y moshes, pero siempre pueden ver La última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988), que es mejor, los primeros, y la eterna Los diez mandamientos (Cecil B. De Mille, 1956) los segundos, aunque los antisemitas no se comen esa de que el mar Rojo se abrió, más bien piensan que una organización sionista construyó un túnel submarino con materiales robados de galpones fenicios para que el pueblo de Israel llegara a la tierra prometida. Lástima que una vez del otro lado del Rojo, a uno se le cayó una moneda y así es como estuvieron vagando 40 años por el desierto.
¿No hay preguntas? Bueno.
Ustedes hablan castellano, ¿no?
Me llevo una de sus bicicletas porque no tengo para el bondi… bueno, gracias.

El licenciado McMurphy se retira entre numerosas cabecitas rubias aplaudiendo de par en par.

MCMURPHY: “CHABÁN DEBERÍA HABER APRENDIDO DE IRRÈVERSIBLE”

2005-07-10T03:24:00.000-03:00

El licenciado Lucas McMurphy presentó sus comentarios sobre la polémica película francesa Irrèversible (Gaspar Noé, 2002) en la Facultad de Cinematografía de la Universidad Lumière Schelotto

A continuación se presenta la trascripción de la disertación que brindó el asesor cinematográfico en el salón auditorio de la ULS:

Antes de que nada, debo decir que este film no cumplió mis expectativas. En el mundo del cine uno suele darle especial atención a los directores nóveles, como hacen los DT con las categorías inferiores de los clubes, y más que nada fue eso lo que me movió a ver y compenetrarme en esta obra.

(pregunta de uno de los estudiantes asistentes): ¿Fue por eso o, como dijeron en algún medio, la vio para verla en bolas a Monica Bellucci porque se “había quedado con las ganas desde Matrix Recargado”?
(respuesta del lic. McMurphy): Eso es falso. Si bien en el segundo episodio de Matrix, en la película italiana Malena y en la francesa Pacto de lobos descubrimos qué pedazo de potranca es Bellucci, vi esta película por motivos puramente artísticos.

Breve interrupción del cinematógrafo para beber un poco de agua y secarse el sudor de la frente. Continúa sin problemas.

El formato de la película, que está contada desde el final hacia el principio, ya lo habíamos visto hace pocos años en la ingeniosa Memento (Christopher Nolan, 2000), pero en este caso no aporta demasiado a su riqueza argumental. Irrèversible se hizo conocida más que nada por sus escenas de violencia explícita, como la que expone una brutal violación prácticamente en tiempo real (como la cópula entre Antonio Banderas y Victoria Abril en Átame); el director por única vez en la película deja la cámara quieta (apoyada en el suelo) enfocando a víctima y victimario, demostrando así que lo que le interesa más que nada es la provocación y el escándalo, siempre claro, dentro del marco artístico ya que la historia es aceptable y, poniendo buena voluntad, algo interesante hacia el final (el principio), pero que, como se suele decir, “no le sobra nada”. Similar a las obras del Marqués de Sade, por ejemplo.
Otro momento de clímax de la historia, también de extrema violencia, lo vemos apenas nos introducimos en la película, o sea, en la resolución o desenlace. En estas escenas podemos apreciar cómo el violador es asesinado a matafuegazos en la cabeza. De aquí podemos recoger algo de mucha utilidad para nuestra sociedad argentina: si el irresponsable gerenciador Omar Chabán hubiera visto esta película y apreciado cómo un local nocturno de baja categoría (como lo era Cromagnon) puede cumplir con las normas básicas de seguridad, como ser la presencia de matafuegos, quizás hoy no estaríamos lamentando una tragedia.
Irrèversible se desplaza sobre la enclavada máxima “El tiempo destruye todo”, algo así como un “carpe diem” existencialista, y así es como, para construir la trama, ésta se relata del final al comienzo, como cuando se cepilla a contrapelo. Arrogancia de debutante que le dicen, aunque esto no es necesariamente malo ya que tiene como intención penetrar de manera profunda en la mente del espectador.

(estudiante de Dirección de Cine): A mí me pareció muy buena y apoyo las técnicas del director.
(respuesta del licenciado): ¿Qué opinión tenés sobre las películas de gladiadores y héroes mitológicos de los ’50 y ’60?
(estudiante): Son geni… digo, nunca las vi.
(McMurphy): Respetamos tus conceptos, gracias.

(Decano de la Universidad): Muchas gracias, licenciado.
(McMurphy): Por favor, siempre es un placer. Les agradezco a los miembros del consejo estudiantil por la calurosa acogida.

El licenciado McMurphy se retiró del auditorio entre aplausos silbando los acordes de “Rape me”, de Nirvana.

TOP 10: ACTORES MUERTOS

2005-07-10T03:17:00.001-03:00

(sujeto a modificaciones; alguno mejor que estos se puede morir)

1-HUMPHREY BOGART (1899-1957)
2-CARY GRANT (1904-1986)
3-JAMES STEWART (1908-1997)
4-MARLON BRANDO (1924-2004)
5-HENRY FONDA (1905-1982)
6-CHARLES CHAPLIN (1889-1977)
7-GARY COOPER (1901-1961)
8-GREGORY PECK (1916-2003)
9-LAURENCE OLIVIER (1907-1989)
10-ANTHONY QUINN (1915-2001)
bonus track: PAUL NEWMAN (1925-2008)

TOP 10: ACTORES POST-50

2005-07-10T02:00:00.003-03:00

(sujeto a modificaciones; alguno mejor que estos llegará a 50 o alguno se puede morir y hacer que otro ascienda)

1-AL PACINO (1940- )
2-ROBERT DE NIRO (1943- )
3-DUSTIN HOFFMAN (1937- )
4-ANTHONY HOPKINS (1937- )
5-JACK NICHOLSON (1937- )
6-SEAN CONNERY (1930- )

7-DANIEL DAY-LEWIS (1957- )

8-GENE HACKMAN (1931- )
9-ROBERT DUVALL (1931- )

10-GARY OLDMAN (1958- )
bonus track: SIDNEY POITIER (1924- )

TOP 10: ACTORES SUB-50

2005-07-10T01:50:00.002-03:00

(sujeto a modificaciones; puede aparecer algún nuevo talento… o alguien puede tener un accidente y morir joven dejando un cadáver apuesto, o simplemente puede cumplir 50 abriles)

1-SEAN PENN (1960- )

2-JOHNNY DEPP (1963- )
3-RUSSELL CROWE (1964- )
4-EDWARD NORTON (1969- )
5-KEVIN SPACEY (1959- )
6-JAVIER BARDEM (1969- )

7-PHILIP S. HOFFMAN (1967- )

8-GEORGE CLOONEY (1961- )

9-ETHAN HAWKE (1970- )
10-TIM ROTH (1961- )

bonus track: EWAN McGREGOR (1971- )

TOP 10: ACTRICES MUERTAS

2005-07-08T23:47:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; alguna mejor que estas se puede morir)

1-KATHARINE HEPBURN (1907-2003)
2-AUDREY HEPBURN (1929-1993)
3-INGRID BERGMAN (1915-1982)
4-MARLENE DIETRICH (1901-1992)
5-BETTE DAVIS (1908-1989)
6-GRETA GARBO (1905-1990)
7-VIVIEN LEIGH (1913-1967)
8-JOAN CRAWFORD (1908-1977)
9-CLAUDETTE COLBERT (1905-1996)
10- BARBARA STANWYCK (1907-1990)
bonus track: NATALIE WOOD (1938-1981)

TOP 10: ACTRICES POST-50

2005-07-08T01:44:00.000-03:00

(sujeto a modificaciones; alguna mejor que estas llegará a 50 o alguna se puede morir y hacer que otra ascienda)

1-MERYL STREEP (1949- )
2-GLENN CLOSE (1947- )
3-ELIZABETH TAYLOR* (1932- )
4-SOPHIA LOREN (1934- )
5-JANE FONDA (1937- )
6-KATHY BATES (1948- )
7-SHIRLEY MacLAINE (1934- )
8-OLIVIA DE HAVILLAND* (1916- )
9-DIANE KEATON (1946- )
10-SALLY FIELD (1946- )
bonus track: JEANNE MOREAU (1928- )

*: retirada

TOP 10: ACTRICES SUB-50

2005-07-07T00:31:00.001-03:00

(sujeto a modificaciones; puede aparecer algún nuevo talento… o alguien puede tener un accidente y morir joven dejando un cadáver bonito, o simplemente alguien puede cumplir 50 abriles)

1-JODIE FOSTER (1962- )
2-EMMA THOMPSON (1959- )
3-JULIETTE BINOCHE (1964- )
4-JULIANNE MOORE (1960- )
5-HOLLY HUNTER (1958- )
6-KATE WINSLET (1975- )
7-CATE BLANCHETT (1969- )
8-LAURA DERN (1966- )
9-HELENA BONHAM-CARTER (1966- )
10-JULIA ROBERTS (1967- )
bonus track: DIANE LANE (1965- )

TEORÍA DE LA MARATÓN por L. McMurphy

2005-07-06T00:29:00.000-03:00

Es posible ver una trilogía entera de corrido (llámese Padrino, Matrix, Star Wars, Lord of the rings, Back to the future, etc.), sin moverte del sillón más que para ir al baño y/o cambiar de video. Previamente necesitás una cura de sueño la noche anterior como para no quedar planchado por la sola quietud. Por supuesto, también hacen falta la tele y la video (o dvd), que los controles remotos anden bien, que el sillón sea cómodo (pero no demasiado, para no ser secuestrado y chupado por Morfeo). Pero el punto neurálgico de la empresa son los refrigerios: bebidas sin alcohol como café o gaseosas, según el momento del día, bien frías o calientes según corresponda; en materia de sólidos puede ser pochoclo (que lo haga otra persona, uno está viendo la película), maní pelado, palitos salados, chicitos, papitas (que no sean Pringles, así no te distraés hurgando el tubo), garrapiñada, pizza, sanguchitos de miga, facturas, algo de fruta por qué no... el abastecimiento se completa con uno o dos atados de fasos. Por supuesto, el teléfono debe estar desconectado, y si es posible, el timbre también... poner dos tablas cruzadas en la puerta no está de más. Es importante la ventilación del ambiente, la disminución de oxígeno te duerme. Convendría hacerse amigo de algún kinesiólogo o masajista: si empezás a ver la trilogía de El padrino a las 12 del mediodía, estarás terminando a las 10 de la noche masomenos, algo similar ocurriría con Lord of the rings.
Este servidor confía en que se puede llevar a cabo, y si se encuentra a algún incauto que la situación lo tiente a apostar, tanto mejor.

TOP 100. LOS 90’s (sujeto a modificaciones; siempre se puede ver una mejor que alguna de estas cien) Por L. McMurphy

2005-07-04T23:21:00.000-03:00

La década del ’90 es la época más cercana a nosotros en cuanto a influencia cultural, dentro de la cual se comprende la cinematografía. A partir de esos diez años, hubo un depuramiento del cine producido en Estados Unidos, con una mayor atención en los argumentos de tal manera de no enfocar las obras sólo hacia un público adolescente, como tanto se hizo en la década del ’80. Por otra parte, la globalización tuvo su lado bueno, ayudando a la distribución de películas europeas, asiáticas, latinoamericanas y de otros lugares lejanos. Nuevamente, el orden de este top 100 es cronológico y alfabético.

1-AWAKENINGS. Despertares (Penny Marshall, 1990). Robin Williams se pone serio y De Niro otra vez, muy bien felicitado.
2-DANCES WITH WOLVES. Danza con lobos (Kevin Costner, 1990). Gran debut de Costner detrás de la cámara; seguimos esperanzados en que no haya sido sólo una casualidad.
3-GOODFELLAS. Buenos muchachos (Martin Scorsese, 1990). Qué tiempos aquellos, cuando éramos jóvenes y todo lo arreglábamos por la mejor vía, la violenta.
4-MISERY (Rob Reiner, 1990). Por eso uno no se hace famoso, mirá si te agarra una fanática como Kathy Bates. En el anonimato nadie te revienta los tobillos de un mazazo.
5-REVERSAL OF FORTUNE. Mi secreto me condena (Barbet Schroeder, 1990). Queremos creer que el tipo es inocente, pero hace todo lo posible para que pensemos lo contrario. Hay gente rara.
6-THE GODFATHER III. El padrino III (Francis Ford Coppola, 1990). El final de la trilogía no está a la altura de las otras dos y la alejada ubicación cronológica de la trama tampoco ayuda. No dignifica, pero cumple.
7-TOTAL RECALL. El vengador del futuro (Paul Verhoeven, 1990). Después de la mediocridad de los ’80, de la que Schwarzenegger fue partícipe activo (excepto en Terminator), sorprendió ver una trama tan buena en una película de ciencia-ficción después de tanto tiempo. Lo que sí, dicen los entendidos que si quedás en el espacio exterior sin traje espacial, eso de que te saltan los ojos es una patraña efectista.
8-BARTON FINK (Joel Coen, 1991). Pobre Barton, pensó que su único problema era el síndrome de la página en blanco. Creo que es la mejor la corporación Coen, en mi humilde pero importante opinión.
9-BOYZ 'N THE HOOD. Los dueños de la calle (John Singleton, 1991). Lamentablemente, la violencia expuesta no tiene nada de ficticio; Laurence Fishburne hace un estupendo trabajo intentando medir la intensidad, pero no alcanza.
10-CAPE FEAR. Cabo de miedo (Martin Scorsese, 1991). Por lo general odio las remakes, pero el tándem Scorsese - De Niro vuelve a mostrar su eficiencia adaptando la historia tres décadas después.
11-DA HONG DENG LONG GAO GAO GUA. Esposas y concubinas (Yimou Zhang, 1991). Caras rocosas y planos de lejos, pero con lo que leemos en los subtítulos es suficiente para que conozcamos un machismo impresionante, como el final.
12-DUTCH (Peter Faiman, 1991). El actor de Married with children (no, Francella no) quiere ganarse el cariño del malparido y malcriado hijo de su novia llevándolo en un viaje iniciático en donde todo le sale mal, pero descubrirá que será mejor así.
13-JFK (Oliver Stone, 1991). Ya lo habían logrado, la opinión pública mundial tenía a Oswald como el único responsable del asesinato de Kennedy, hasta que el fiscal Garrison le dio tremendo palazo al avispero.
14-TERMINATOR 2: JUDGMENT DAY. El día del juicio (James Cameron, 1991). La nueva revolución de efectos visuales llega con la técnica del morphing que muestra el robot asesino último modelo. Con esta secuela, la historia postapocalíptica de viajes al pasado quedaría cerrada, aunque los productores se zamparon la tercera parte doce años después; aunque salió bien, Cameron no quiso quedar pegado.
15-THE SILENCE OF THE LAMBS. El silencio de los inocentes (Jonathan Demme, 1991). Sólo Anthony Hopkins podía interpretar a tan complejo personaje, y sólo Jodie Foster podía seguirle el tren.
16-THELMA & LOUISE (Ridley Scott, 1991). Lo que comúnmente se conoce como road movie; el sueño de las amas de casa sometidas, hecho realidad. Si hasta pegó fuerte en las vidas cotidianas de muchas de ellas, que de pronto quisieron trabajar o estudiar algo. Las niñeras, agradecidas.
17-1492, CONQUEST OF PARADISE. 1492, Conquista del Paraíso (Ridley Scott, 1992). Otra sobre Colón, esta vez conmemorando el quinto centenario; no se detiene en el (accidental) descubrimiento, sino que se amplía hacia los primeros pasos de la genocida conquista española. Todos los protagonistas usan métodos despreciables hacia los indios, incluso Colón, pero éste queda no como “el bueno”, sino como “el menos malo”; en aquella época, no era nada anormal evangelizar torturando y violando.
18-A FEW GOOD MEN. Cuestión de honor (Rob Reiner, 1992). En este caso, la obediencia debida no obtiene como respuesta un “así es como es”, sino el brazo de la justicia. En quince minutos, Nicholson hace un gran aporte al aprendizaje actoral de Cruise.
19-BRAM STOKER'S DRACULA (Francis Ford Coppola, 1992). Hopkins y Oldman se encargan de arrear a los forestales Winona Ryder y Keanu Reeves. Los anteojitos azules del conde, severamente criticados.
20-CHAPLIN (Richard Attenborough, 1992). Gran película biográfica. Robert Downey Jr. tenía el Oscar casi ganado, pero a Al Pacino se lo debían hacía tiempo. Otro afano.
21-DEATH BECOMES HER. La muerte le sienta bien (Robert Zemeckis, 1992). Perfecta sátira sobre la falta de identidad que implican las siliconas, los liftings, los estiramientos, etc. Asimismo, Meryl Streep quedó buenísima.
22-FALLING DOWN. Un día de furia (Joel Schumacher, 1992). ¿Golpe de suerte? Este director realiza una gran película, a diferencia del catálogo de bodrios que es la mayoría de su obra (salvamos El cliente y Tiempo de matar). Michael Douglas impecable, mejor que en Wall Street.
23-RESERVOIR DOGS. Perros de la calle (Quentin Tarantino, 1992). El sueño del pibe, un cinéfilo logra su primer largometraje; no sólo le sale bien, sino que hasta actúa en él. El final, plagiado a una película china (Ciudad de fuego)… que nadie vio.
24-UNFORGIVEN. Los imperdonables (Clint Eastwood, 1992). Los ‘90’s fueron testigos del final del western, más de una década después de la fallida Las puertas del cielo, por la que su director tiene prohibida la entrada en Hollywood.
25-A PERFECT WORLD. Un mundo perfecto (Clint Eastwood, 1993). Clint estrena Oscar con esta historia de amistad e intolerancia. La última película decente de Costner antes de caer en su mundo acuático.
26-JURASSIC PARK. Parque Jurásico (Steven Spielberg, 1993). SS rompe su propio record venciendo a ET (1982) en las taquillas históricas y provocando que toda una generación quiera estudiar paleontología y/o genética, aunque sea por unos meses.
27-NATURAL BORN KILLERS. Asesinos por naturaleza (Oliver Stone, 1993). La película más incomprendida que conocí; los reproches recibidos por llamarla “excelente” lo confirman. Es difícil controlar la psicodelia desde el puesto de receptor.
28-PHILADELPHIA (Jonathan Demme, 1993). Nuevamente este irresponsable director queda a cargo de una gran historia, pero el sol brilla hasta en el culo de un perro; esta vez no sólo lo salvan los protagonistas sino también la temática controversial de la película.
29-SCHINDLER'S LIST. La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993). Es cierto, Schindler era un nazi hijoputa y especulador, pero que salvó vidas, salvó. Para cerrar un año redondito, SS se toma venganza del vacío que la Academia le había hecho con El color púrpura (1985) y arrasa con 10 Oscars entre nazis y dinosaurios.
30-THE FUGITIVE. El fugitivo (Andrew Davis, 1993). A los fanáticos de la serie no les gustó, pero para conformar a un fanático hay que lavarle el cerebro. Para los que nunca vimos el programa, un thriller de la puta madre.
31-ED WOOD (Tim Burton, 1994). El llamado “peor director de la historia” se encuentra con el llamado “arquitecto del cine”: “El Ciudadano la hice a mi manera”, dice Orson, y Wood pasa un momento solemne, como nosotros.
32-FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994). La historia le pasa de costado, pero él sigue corriendo, porque es lo suyo. Run, Forrest, run!
33-IMMORTAL BELOVED. Amada immortal (Bernard Rose, 1994). La vida del genio Beethoven, con su propia banda sonora. La escena final del estreno de la 9ª Sinfonía nos lleva sin escalas al moco tendido.
34-KEINER LIEBT MICH. Nadie me quiere (Doris Dörrie, 1994). Una directora alemana que se las trae, y la protagonista que tiene “ese” pequeño problema. No queremos decir que en El diario de Bridget Jones plagian una de las escenas más memorables porque no somos mala leche.
35-ONCE WERE WARRIORS. El amor y la furia (Lee Tamahori, 1994). Certificado de ingreso del director a Hollywood, con altas (007: Otro día para morir) y bajas (Speed 2).
36-PULP FICTION (Quentin Tarantino, 1994). No sólo es una obra maestra, sino que se convirtió en un ícono cultural. Meses después de su estreno, en Argentina al Cuarto de libra con queso se lo comenzó a llamar Royale con queso, eso que hace casi 200 años que usamos el sistema métrico.
37-QUIZ SHOW. El dilema (Robert Redford, 1994). Un final con sabor a nada pero que deja pensando, en la película más lograda del fundador del festival Sundance. El Sundance Kid, claro.
38-SPEED. Máxima velocidad (Jan De Bont, 1994). Pedíamos a gritos una película que nos pegara de lleno en el depósito de adrenalina, y que fuera buena. Gracias totales.
39-THE LION KING. El rey león (R. Allers – R. Minkoff, 1994). Ingenioso, Hamlet para chicos, sólo que el protagonista no está demente.
40-THE PROFESSIONAL. El perfecto asesino (Luc Besson, 1994). El que mencione la palabra “pedofilia” al referirse a esta película hay que cagarlo a patadas.
41-THE SHAWSHANK REDEMPTION. Sueño de libertad (Frank Darabont, 1994). Los posters de mujeres exuberantes no sólo sirven para fantasías nocturnas.
42-TRUE LIES. Mentiras verdaderas (James Cameron, 1994). ¿Otra vuelta de tuerca al espía cheronca, fundado por James Bond? Se encargó de eso el Director de los Covers. El caballo estuvo a la altura de las circunstancias.
43-WYATT EARP (Lawrence Kasdan, 1994). La crítica la destrozó, Kevin Costner ganó la Frambuesa de Oro al peor actor, el género ya había caducado con Unforgiven, pero el comisario facho y el borracho tuberculoso siempre nos cayeron bien. Dennis Quaid, joyita.
44-APOLLO 13 (Ron Howard, 1995). “Houston, tenemos un problema”. Esto a los monos astronautas no les pasaba.
45-BRAVEHEART. Corazón valiente (Mel Gibson, 1995). Impresionante logro en las escenas bélicas; en la Edad Media, las espadas no empujaban, cortaban.
46-CASINO (Martin Scorsese, 1995). La gemela de Buenos Muchachos, aunque un escalón abajo. Sharon Stone mejor que nunca, y todos que aprendimos a nunca pisar un casino, salvo que tengas un hermano autista.
47-HEAT. Fuego contra fuego (Michael Mann, 1995). El momento tan ansiado, lo que Coppola nos mezquinó sabiamente en El padrino II: Pacino y De Niro juntos. Este duelo lo gana Al. Que se repita, por favor. El director nos muestra un soberbio policial… de casi tres horas.
48-IL POSTINO. El cartero (Michael Radford, 1995). Neruda era un grande, pero sabía cuándo quedarse en segundo lugar.
49-SEVEN. Pecados capitales (David Fincher, 1995). Uno de los nuevos nombres salidos de la camada de “directores de videoclips”, lo conocimos de reojo en Alien 3 (1992), pero acá pasa al frente.
50-STRANGE DAYS. Días extraños (Kathryn Bigelow, 1995). Contrario a lo que les pasó a muchas películas que relatan un futuro cercano, esta continúa vigente cinco años después del momento en el que transcurre la acción. A Juliette Lewis no sólo le sale bien la tonta o la loca, la guacha le sale perfecto.
51-OUTBREAK. Epidemia (Wolfgang Petersen, 1995). Con el virus del Ebola en los titulares de diarios y revistas (abusando del calificativo de “carnívoro”), esta película nos dio unas gotitas de paranoia. Dustin Hoffman y Donald Sutherland a cargo de demostrar que el cine catástrofe está vigente como en sus épocas de gloria con aviones sin piloto, terremotos y edificios incendiados.
52-THE BRIDGES OF MADISON COUNTY. Los puentes de Madison (Clint Eastwood, 1995). Pero, ¿es el mismo de El principiante y Los imperdonables? Sí, señor, se llama versatilidad como director.
53-THE USUAL SUSPECTS. Los sospechosos de siempre (Bryan Singer, 1995). ¿Quién es Keyser Soze? Menos mal que no era el argentino.
54-TWELVE MONKEYS. Doce monos (Terry Gilliam, 1995). Para los que decían que Brad Pitt no sabía actuar. Los burócratas futuristas de Brazil (1985) siguen revolviéndonos el estómago.
55-UNDERGROUND (Emir Kusturica, 1995). Bajo tierra, el punto más alto del yugoslavo, ahora serbio. Sus personajes siempre se nos quedan grabados en la retina, como el pibe cargando al mono o el general rebelde conociendo la superficie a través de los bombardeos de la última guerra serbio-bosnia.
56-BEAVIS & BUTT-HEAD DO AMERICA. Beavis & Butt-head recorren América (Mike Judge, 1996). El televisor no está en su lugar, hay huellas que se dirigen hacia una ventana rota… “Hey, Beavis, esto apesta”.
57-BREAKING THE WAVES. Contra viento y marea (Lars von Trier, 1996). Mucho gusto, nos presentan a un director danés (y su cámara parkinsoniana), uno de los mejores salidos de Europa en los últimos tiempos, entonces los videoclubes nos quieren encajar a rolete cine made in Dinamarca.
58-FARGO (Joel Coen, 1996). Si algo puede salir mal, saldrá mal, dijo un semitocayo mío. Si entrás a matar gente, ni te cuento. ¿La mejor de los Coen? No para mí.
59-LE HUITIÉME JOUR. El octavo día (Jaco van Dormael, 1996). Premio ex aequo en Cannes para el siempre efectivo Daniel Auteuil y el actor con síndrome de Down Pascal Duquenne. Bella obra.
60-SHINE. Claroscuro (Scott Hicks, 1996). ¿Por qué los niños prodigio siempre tienen un padre turro? Geoffrey Rush, gusto en conocerte, amigo. Cuatro años después salvarás las papas en Letras prohibidas (Philip Kaufman, 2000).
61-SLING BLADE. Resplandor en la noche (Billy Bob Thornton, 1996). Simpático y tierno el muchacho del labio prominente, pero si te tiene que matar… no cuenta los hachazos.
62-TRAINSPOTTING (Danny Boyle, 1996). Estás tan drogado que a la hora de estar con una muchacha no sólo no se te para, sino que te cagás encima.
63-BOOGIE NIGHTS. Noches de placer (Paul T. Anderson, 1997). Sos un actor porno y estás tan drogado que tu arma de trabajo ya no cumple sus funciones básicas, como quedar duro como palo de amasar.
64-CONTACT. Contacto (Robert Zemeckis, 1997) Carl Sagan pasa de la ciencia a la ficción a la velocidad de la luz; Jodie Foster agradece con hechos. ¿Por qué no le gustó a nadie??
65-DECONSTRUCTING HARRY. Los secretos de Harry (Woody Allen, 1997). El mejor Woody de vuelta entre nosotros, afilado y en tercera persona, llevando una puta a un acto escolar y visitando un infierno a su medida.
66-FACE/OFF. Contracara (John Woo, 1997). El director emigrado de Hong Kong, tierra del cine de artes marciales saturado, encuentra su lugar en Hollywood después de las fallidas Operación Cacería (1993) y Flecha Rota (1995), convenciéndonos de que un transplante de cara es posible.
67-HANA-BI. Flores de fuego (Takeshi Kitano, 1997). En un momento, el protagonista se queda quieto con su mejor cara de boludo mirando al mar; al momento siguiente, caga a patadas a alguien que se lo merece. Lecciones sobre el uso del contraste, mis amigos.
68-JACKIE BROWN (Quentin Tarantino, 1997). QT repite fórmula y sale bien parado, más de lo esperado. Música funky, Bridget Fonda más buena que una Ferrari, De Niro luciendo una panza etílica y las resurrecciones de Pam Grier y Robert Forster. Gracias por todo, Quentin.
69-KARAKTER. Carácter (Mike van Diem, 1997). En los últimos veinte años, Holanda se consiguió, a fuerza de calidad, el título de potencia cinematográfica. Esta es de las mejores.
70-L.A. CONFIDENTIAL. Los Angeles al desnudo (Curtis Hanson, 1997). Una ingeniosa trama que permite reflotar a Kim Basinger y carretear a Russell Crowe. Kevin Spacey se toma las libertades del consagrado.
71-PRIVATE PARTS. Partes privadas (Betty Thomas, 1997). El conductor radial Howard Stern (para el que no lo conoce, súmese Pergolini y Lalo Mir y multiplíquese por mil) cuenta su propia vida, desde que era un tímido titiritero adolescente, hasta que se presentó en un escenario como el Hombre Pedo.
72-THE SWEET HEREAFTER. El dulce porvenir (Atom Egoyan, 1997). En Canadá también hacen cine, y del bueno. ¡Que alguien le tire con algo a ese abogado!
73-TITANIC (James Cameron, 1997). El final es un homenaje a El ciudadano. Todos le deben algo al gordo Orson.
74-WAG THE DOG. Mentiras que matan (Barry Levinson, 1997). Una de las tantas virtudes de esta película es la de haber profetizado el escándalo Lewinski meses antes de que conociéramos el mal gusto de Clinton.
75-DE POOLSE BRUID. La novia polaca (Karim Traïdia, 1998). Nuevamente, Holanda muestra lo suyo. Un campesino bruto, de repente tiene compañía femenina, más tarde descubrirá que será como caída del cielo.
76-GODS AND MONSTERS. Dioses y monstruos (Bill Condon, 1998). Conocemos al director de Frankenstein y tantas otras del género. Con sus dramas sexuales hacemos una película.
77-EL FARO (Eduardo Mignogna, 1998). El cine argentino venía en deuda durante la década pasada. Con este film antitabaco, las cosas fueron tomando color.
78-FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS. Pánico y locura en Las Vegas (Terry Gilliam, 1998). Relato del viaje lisérgico y alocado que alguna vez realizara el legendario Hunter S. Thompson, o sea, todo lo que se ve en la película, licencias artísticas más o menos, pasó de veras. Johnny Depp, excelente, demostrando que es uno de esos grandes actores que se reconocen recién de viejos; el mejor de su generación me dijo alguien, y no creo que exagere.
79-HE GOT GAME. El juego sagrado (Spike Lee, 1998). El sistema adopta su típica forma de garrapata para acechar a la nueva promesa deportiva. El padre se aprovecha del mismo sistema para cuidar a su chaval.
80-LA VITA È BELLA. La vida es bella (Roberto Benigni, 1998). Con ese caballo verde estuve a punto de pedir que me devolvieran la plata de la entrada; luego, mi boca se cerró y mis ojos se abrieron.
81-LOCK, STOCK & TWO SMOKING BARRELS. Juegos, trampas y dos armas humeantes (Guy Ritchie, 1998). La escuela Tarantino llega a Inglaterra y este director aparece con una fábula de fracasados condenados al éxito. Debut con sorpresa; personalmente, me gustó más su gemela Snatch (2000).
82-MIA AIWNIOTHTA KAI MIA MERA. La eternidad y un día (Theo Angelopoulos, 1998). El cine griego venía bastante desaparecido después de M. Cacoyannis (Zorba el griego, Ifigenia); película profunda esta, como para reencontrarse con sí mismo.

83-SAVING PRIVATE RYAN. Rescatando al soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998). No es de las mejores películas de SS (algunos nubarrones de demagogia la cubren), pero la primera media hora contiene las mejores escenas de guerra moderna de la historia del cine. Spielberg y Hanks mejoraron el producto sobremanera con la miniserie Band of Brothers (2001).
84-SHAKESPEARE IN LOVE. Shakespeare enamorado (John Madden, 1998). Una ficción basada en hechos y personajes reales, como la mayoría de las obras de Shakespeare.
85-THE TRUMAN SHOW (Peter Weir, 1998). El reality show en su máxima expresión y con la complicidad fascista de los espectadores. Inquietante.
86-THERE'S SOMETHING ABOUT MARY. Loco por Mary (B. Farrelly – P. Farrelly). Los directores hermanos pulen su estilo de humor violento y casi negro después de bodrios como Tonto y retonto, en donde los protagonistas le regalan un loro muerto a un chico ciego. En Loco…, un perro es resucitado con dos cables pelados, pero se le incendia el pelaje. Luego el can ingeriría anfetaminas por accidente.
87-WANDAFURU RAIFU. La vida después de la muerte (Hirokazu Koreeda, 1998). Las oficinas del Más Allá también tienen sus problemas; por supuesto, si son atendidas por humanos.
88-AMERICAN BEAUTY. Belleza Americana (Sam Mendes, 1999). Un jefe de familia estancado en su trabajo y alzado con una pendeja, su esposa que lo menosprecia y lo engaña, una hija adolescente (con todo lo que eso implica), un vecino adorador de los uniformes cuyo hijo vende drogas… es hora de cambiar algunas cosas.
89-EYES WIDE SHUT. Ojos bien cerrados (Stanley Kubrick, 1999). El maestro se despide haciéndole perder el control a Cruise y capitalizando al máximo la frigidez de Kidman. ¿Ven lo que pasa cuando no se garcha?
90-FIGHT CLUB. El club de la pelea (David Fincher, 1999). “Las posesiones terminan poseyéndote” dice el filósofo de la violencia Tyler Durden; “No cogía tanto desde la primaria” dice la perdida Marla; “Si tuviera un tumor, le pondría de nombre Marla” dice el volátil Jack (¿Ese era su nombre?). Y los monos del espacio que obedecen: “Nos dijo que le cortáramos las bolas, usted es un genio, señor”. Única.
91-GARAGE OLIMPO (Marco Bechis, 1999). Tuvo que venir un extranjero a hacer la película que debíamos hacer nosotros. ¿Bolas de plomo?
92-OCTOBER SKY. Cielo de octubre (Joe Johnston, 1999). Los sueños de superación pueden contra cualquier mediocridad, eso si se los persigue. Todos hubiéramos querido tener una maestra como Laura Dern, no sólo porque está buenísima, sino por su aguante.
93-SOUTH PARK: BIGGER, LONGER & UNCUT (Trey Parker, 1999). Los dibujos animados peor dibujados y más corrosivos, aparecen en formato largometraje con una sátira sobre el abuso de poder extraterritorial de Estados Unidos, dos años antes de que conociéramos a Osama Bin Laden y nos quisieran hacer creer que Saddam Hussein era su amigo de la infancia.

94-TEA WITH MUSSOLINI. Té con Mussolini (Franco Zeffirelli, 1999). A simple vista, el título parece poco feliz, pero al grupo de viejas ricachonas amantes del arte protagonistas de la película, no les pasó hasta que les pasó.
95-THE GREEN MILE. Milagros inesperados (Frank Darabont, 1999). Stephen King y el director vuelven a la cárcel, esta vez para hacernos conocer a un enorme negro con las mismas iniciales del tipo que tenemos colgado de una cruz en casi todas las casas. Por supuesto, el libro es mejor.
96-THE MATRIX (L. Wachowski – A. Wachowski, 1999). La historia de la profecía y el Salvador, esta vez en versión futurista, y esquivando balas.
97-THE SIXTH SENSE. Sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1999). El género de suspenso se encontraba dando vueltas sobre sí mismo en los últimos años. Los fantasmas se pueden ver sólo un par de veces (sólo se ven) pero con eso alcanza, el chico ya nos convenció: “I see dead people”.
98-THE STRAIGHT STORY. Una historia sencilla (David Lynch, 1999). Alguien por ahí lo resumió muy bien, es la película más rara de Lynch: se entiende. La primera road movie… en tractor.
99-TODO SOBRE MI MADRE (Pedro Almodóvar, 1999). Pedro nos demuestra una vez más que sus conocimientos sobre el sexo femenino son asombrosos. Todo sobre Eva (conocida aquí como La malvada) presente cada tanto. Hay gente que lloró junto al travesti.

100-WO DE FU QIN MU QIN. El camino a casa (Zhang Yimou, 1999). Bella historia de amor contada una generación después, con la política del gobierno totalitario como barrera a franquear. ¿Nunca esperaron a alguien con muchas ganas por mucho tiempo?

TOP 100 (sujeto a modificaciones. O sea, siempre se puede llegar a ver una mejor que alguna de estas) Por L. McMurphy

2005-07-01T23:20:00.000-03:00

Los títulos se encuentran ordenados cronológicamente, salvo El padrino, al que el autor considera, según su leal saber y entender, la mejor película que vio hasta la fecha (teniendo razones para considerarla la mejor de la historia). Las 99 restantes demuestran sus gustos y conocimientos sobre cine.
El desequilibrio en la cantidad de películas por década entre la del ’90 (30%) y las restantes (14% en los ’80, 18% en los ’70, 14% en los ‘60…) se debe a la época en la que el licenciado McMurphy inició su carrera, allá por 1995, por lo que desarrolló su experiencia con numerosos filmes de la década pasada.

1-THE GODFATHER. El padrino (Francis Ford Coppola, 1972). Allá arriba. El relato, el hilo de la trama, la ambientación, las actuaciones. Todo 100 puntos.
2-BRONENOSETS POTYOMKIN. El acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein, 1925). Película fundacional de la historia del cine. De Rusia con amor… y carne podrida.
3-THE GENERAL. El maquinista de la General (Buster Keaton – C. Bruckman, 1927). Cómo provocar carcajadas sin mover un músculo de la cara, a cargo del maestro Buster, en su mejor film.
4-FRANKENSTEIN. (James Whale, 1931). Es tan profunda que se podría decir que no es de terror; nuestras creaciones se nos vuelven en contra… lo vemos cotidianamente.
5-M. El vampiro negro (Fritz Lang, 1931). El expresionismo alemán sigue emocionando en la era sonora. El desenlace de la historia tira el maniqueísmo al tacho de basura.
6-MODERN TIMES. Tiempos modernos (Charles Chaplin, 1936). Alegato contra la automatización del trabajo, en manos del andrajoso más sagaz de la historia.
7-BRINGING UP BABY. La adorable revoltosa (Howard Hawks, 1938). Hacia finales de los ’30, se la acusaba a Katharine Hepburn de piantataquilla. ¿En qué estaban pensando??
8-GONE WITH THE WIND. Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939). Película tan grandiosa que se podría hacer una película sobre ella. Treinta de las más grandes actrices de Hollywood rebotaron el casting para Scarlett O’Hara. La trigésimo primera fue la recién llegada (para quedarse) Vivien Leigh.
9-THE GRAPES OF WRATH. Viñas de ira (John Ford, 1940). Estados Unidos también tuvo su época de malaria, y John Steinbeck la reflejó a la perfección en su libro. John Ford y Henry Fonda lo convirtieron en imágenes.
10-CITIZEN KANE. El ciudadano (Orson Welles, 1941). Más allá de ser un excelente film, es fundamental para comprender al cine. Lo que comúnmente se llama una bisagra. El primero en usar flashback en función de la historia.
11-CASABLANCA (Michael Curtiz, 1942). Cada vez que la veo me gusta más; junto a la anterior, no pueden faltar en ningún otro top 100. Tiene de todo, una historia de amor, acción, suspenso, humor, frases célebres, nazis, traficantes, rebeldes, colaboracionistas… y un gran tema musical reflotado de una olvidada obra de teatro.
12-IT'S A WONDERFUL LIFE. Qué bello es vivir (Frank Capra, 1946). No, no es naif; y si llorás, perfecto, sos humano. La cuestión es conseguir nuestro par de alas.
13-THE BEST YEARS OF OUR LIVES. Lo mejor de nuestra vida (William Wyler, 1946). Drama de posguerra en tres historias que se separan y entrelazan magistralmente. El primer Oscar sin manos.
14-ALL ABOUT EVE. La malvada (Joseph L. Mankiewicz, 1950). Lo que se dice un peliculón. El blanco y negro no le hace perder vigencia. Bette Davis al poder. Anne Baxter demuestra que tiene lo suyo. Eso sí, ojo con los obsecuentes.
15-SUNSET BOULEVARD. El ocaso de una vida (Billy Wilder, 1950). Después de hacer esta película, el director recibió numerosas puteadas de sus colegas… sólo por relatar la verdad sin mandar al frente a nadie. Gloria Swanson, impresionante.
16-STRANGERS ON A TRAIN. Extraños en el tren (Alfred Hitchcock, 1951). Una del gordo hay que poner. Esta es la que más me gusta. Cada una es un curso de manejo de cámaras y dirección.
17-HIGH NOON. A la hora señalada (Fred Zinnemann, 1952). Alegato contra la caza de brujas en forma de western. A los macarthistas, brutos como todos los censores, se les pasó por alto.
18-FROM HERE TO ETERNITY. De aquí a la eternidad (Fred Zinnemann, 1953). En una base militar con mucho tiempo de ocio hay espacio para liberar sentimientos, los buenos y los otros, construir historias de amor imposibles, defender los propios ideales… eso hasta que te bombardean los japoneses.
19-STALAG 17. Infierno 17 (Billy Wilder, 1953). Hay un buchón en el grupo, tiene que ser ese hijo de… ¿y si no es?
20-THE KILLING. Casta de malditos (Stanley Kubrick, 1956). Horrible traducción del título para el mundo hispanoparlante. ¿Existe el robo perfecto? Puede ser.
21-PATHS OF GLORY. La patrulla infernal (Stanley Kubrick, 1957). Los militares están hechos mierda de la cabeza, eso ya lo sabían, ¿no?
22-THE BRIDGE ON THE RIVER KWAI. El Puente sobre el río Kwai (David Lean, 1957). Si vas a hacer algo, hacelo bien, y silbando una simpática marchita. Si conviene o no, después veremos.
23-TOUCH OF EVIL. Sed de mal (Orson Welles, 1958). Planos secuencia que se cuentan entre los mejores de la historia en la segunda mejor película de Welles, que se muestra despreciable delante de cámara y admirable detrás de ella. Un Duro policial que coquetea con lo morboso.
24-BEN-HUR (William Wyler, 1959). Una historia sobre Cristo, rezaba la frase comercial, aunque el Salvador aparece un par de minutos de los 213 que dura la película. Con eso alcanza.
25-INHERIT THE WIND. Heredarás el viento (Stanley Kramer, 1960). Si les cuento que alguna vez un profesor fue a la cárcel por enseñar la teoría de la evolución, ¿me creen? Lamentablemente, está basada en un hecho real. Spencer Tracy y Fredric March, una vez más la rompen; Gene Kelly asoma la cabeza.
26-SPARTACUS. Espartaco (Stanley Kubrick, 1960). Kirk Douglas produce y protagoniza; echó al primer director y contrató al joven Kubrick, que nunca había hecho una superproducción, ni la volvería a hacer. Los gladiadores se rebelan y su líder… son todos; aguante Fuenteovejuna.
27-LAWRENCE OF ARABIA. Lawrence de Arabia (David Lean, 1962). Otra de las que no puede faltar en ningún top 100. Mucha arena, pero en ningún momento aburre.
28-THE MANCHURIAN CANDIDATE. El embajador del miedo (John Frankenheimer, 1962). La película tiene fallas de montaje, sonido, efectos y hasta de actuación, pero es excelente. A la calidad no hay con qué darle.
29-TO KILL A MOCKINGBIRD. Matar a un ruiseñor (Robert Mulligan, 1962). La primera actuación de Robert Duvall, aunque se lo ve recién al final. La bella inocencia, y esa mala costumbre que tiene de terminarse.
30-THE GREAT ESCAPE. El gran escape (John Sturges, 1963). Un plan para que 250 prisioneros de Guerra se fuguen de un campo de detención nazi. Al final, se escapan sólo… mejor véanla y aprendan a hacer túneles.
31-DR. STRANGELOVE OR HOW I LEARNED TO STOP WORRYING AND LOVE THE BOMB. Dr. Insólito (Stanley Kubrick, 1964). Un militar pirado, una inminente amenaza nuclear y una fantástica sátira de la guerra fría. Peter Sellers, por triplicado.
32-DOCTOR ZHIVAGO (David Lean, 1965). Historia de amor marcada por el destino como Rusia fue marcada por el comunismo.
33-PERSONA (Ingmar Bergman, 1966). De las llamadas “películas jodidas”, histeria, gritos, mala leche… se comprende, las protagonistas son mujeres.
34-THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY. El bueno, el malo y el feo (Sergio Leone, 1966). Máximo exponente del “spaghetti western”, género que demuestra que se puede hacer una película de cowboys sin ser estadounidense, y a mitad de camino de la sátira al género, y si tenés talento como S. Leone, mejor aún.
35-2001: A SPACE ODYSSEY. Odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968). La más grande película de ciencia-ficción. Ojo con la inteligencia artificial, sino vean a HAL 9000, la abuela de Matrix.
36-BUTCH CASSIDY & THE SUNDANCE KID (George Roy Hill, 1969). El cine hizo que ciertos delincuentes nos cayeran bien, sino, no estaríamos orgullosos de que estos dos chavales hayan vivido en Argentina.
37-MIDNIGHT COWBOY. Cowboy de medianoche (John Schlesinger, 1969). Aclaro, no es un western. Meses después de eliminado el organismo censor en Estados Unidos, se pudo estrenar esta película sobre el espejismo del Sueño Americano.
38-THE WILD BUNCH. La pandilla salvaje (Sam Peckinpah, 1969). La primera escena es un culto a la muerte; de ahí en adelante vemos más violencia de que la que el cine de la época acostumbraba. Esta sí es un western.
39-PATTON (Franklin Schaffner, 1970). El general de las fuerzas aliadas con más agallas y el menos reconocido. Será porque, como dice un amigo mío, era más nazi que los nazis que enfrentaba: “Ningún pobre bastardo ganó jamás una guerra muriendo por su país; la ganó haciendo que el otro bastardo que tenía enfrente muriera por su país”.
40-A CLOCKWORK ORANGE. La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1971). Una de las favoritas de la censura para ser prohibida, pero no por las escenas de sexo y violencia, sino por su denuncia de la manipulación controladora que puede realizar un Estado.
41-THE EXORCIST. El exorcista (William Friedkin, 1973). La mejor película de terror, aunque no creamos en esas huevadas del exorcismo.
42-THE GODFATHER II. El padrino II (Francis Ford Coppola, 1974). La segunda parte perfecta de la película perfecta. Recomiendo la versión 1901-1959 en tres videos, con el relato ordenado cronológicamente, desde la llegada del pequeño Vito Corleone a New York hasta la “accidental” muerte de Freddo.
43-DOG DAY AFTERNOON. Tarde de perros (Sidney Lumet, 1975). ¿Un robo puede salir mal? Por supuesto, hay amores que matan.
44-JAWS. Tiburón (Steven Spielberg, 1975). Según una teoría mía, esta película cambió las tendencias de toda una generación de espectadores de cine… eso cuando Spielberg pudo conseguir un tiburón que no se le jodieran los engranajes con el agua.
45-ONE FLEW OVER THE CUKOO'S NEST. Atrapado sin salida (Milos Forman, 1975). Película excelente y libro más excelente todavía. No existe parentesco entre el protagonista y quien les habla.
46-ALL THE PRESIDENT'S MEN. Todos los hombres del presidente (Alan Pakula, 1976). Sólo el periodismo podía derribar al hombre más poderoso del mundo. Aquí fue cuando conocimos al recientemente autodeschavado “Garganta Profunda”.
47-NETWORK. Poder que mata (Sidney Lumet, 1976). El periodismo puede eliminar a quien sea, pero que la cámara y los micrófonos estén encendidos.
48-ROCKY (John Avildsen, 1976). En el Segundo centenario de la independencia estadounidense, un grupo de triunfadores quiere demostrar que el Sueño Americano funciona, pero las cosas no salen como lo esperaban. Esta entrañable y eficiente historia se arruina a sí misma en Rocky II, III y IV; en esta última, Rocky… vence al comunismo.
49-TAXI DRIVER (Martin Scorsese, 1976). Un veterano de Vietnam (lo que se suele llamar “loco de la guerra”) intenta asesinar a un candidato presidencial pero al final de la película se convierte en héroe.
50-STAR WARS. EPISODE IV: A NEW HOPE. La Guerra de las galaxias (George Lucas, 1977). Otra película bisagra. Todos los cuentos que nos leyeron de chicos, en versión futurista. Paradójicamente, el mensaje de fondo es antiimperialista. “Que la Fuerza te acompañe”.
51-THE DEER HUNTER. El francotirador (Michael Cimino, 1978). El antes, el durante y el después del drama de la guerra, con ruleta rusa incluida.
52-ALL THAT JAZZ (Bob Fosse, 1979). Te toca la muerte más bella, mientras realizás tu obra maestra.
53-APOCALYPSE NOW (Francis Ford Coppola, 1979). La mejor película sobre la Guerra de Vietnam… pero pudo haber sido relatada en cualquier otra guerra.
54-DIE BLECHTROMMEL. El tambor (Volker Schlöndorff, 1979). Un enanito rompe los cristales con sus gritos y las bolas con su tamborcito. Los nazis alrededor rompen otras cosas.
55-RAGING BULL. Toro salvaje (Martin Scorsese, 1980). Aunque esté en blanco y negro, todos vimos la sangre volar de un lado a otro. Y todos vimos cómo iba a terminar el boxeador de De Niro (aparte de hecho una vaca).
56-STAR WARS. EPISODE V: THE EMPIRE STRIKES BACK. El imperio contraataca (Irvin Kershner, 1980). Para la mayoría de los fanáticos de la hexalogía, este es el mejor episodio, quizás por el tono oscuro que imprime Darth Vader en toda su dimensión; traiciones, revelaciones, congelamientos y amputaciones también ayudan.
57-DAS BOOT. El barco (Wolfgang Petersen, 1981). En realidad es un submarino, pero lo destacable es que en este film de Segunda Guerra Mundial, los buenos son los alemanes.
58-GANDHI (Richard Attenborough, 1982). Fiel relato del líder que no mató a nadie para llegar al poder. Interesante para descubrir su poco conocida etapa sudafricana. ¿Los zombies de Mahatma y Nehru? No, dos actores casi iguales. Record Guinness a la cantidad de extras.
59-SCARFACE. Cara cortada (Brian De Palma, 1983). Resultó ser que Al Pacino sí podía interpretar a alguien más hijoputa que Michael Corleone. Michelle Pfeiffer nos debe las tetas.
60-THE KILLING FIELDS. Los campos de la muerte (Roland Joffé, 1984). Una de corresponsales de guerra; resaltamos el emocionante final con “Imagine” sonando de fondo.
61-BRAZIL (Terry Gilliam, 1985). El futuro, por qué no, rodeado de cables, gente que muere por culpa de una cucaracha, memorias borradas, derechos humanos inexistentes… y un angelito volando por ahí.
62-JEAN DE FLORETTE - MANON DES SOURCES. Jean de Florette – Manon del Manantial (Claude Berri, 1986). Dos películas en una narrando una historia de amor despechado, rencor y venganza.
63-PLATOON. Pelotón (Oliver Stone, 1986). Así era en Vietnam, dice Stone, que estuvo ahí. Las luchas internas son un mundo dentro del título de la película, y sorprenden.
64-FATAL ATTRACTION. Atracción fatal (Adrian Lyne, 1987). ¿Lo van a pensar dos veces antes de engañar a su pareja? Salvo que no tengan mascota. Una lección sobre hacer suspenso, de parte de un irregular director; las situaciones se renuevan y potencian convincentemente.
65-THE UNTOUCHABLES. Los intocables (Brian De Palma, 1987). El impecable elenco ayuda a De Palma a recibirse de maestro de la cámara. Con homenaje a Potemkin incluido.
66-DIE HARD. Duro de matar (John McTiernan, 1988). Lugar equivocado y momento equivocado para que un antihéroe cumpla con su deber… encima descalzo. Numerosas veces copiado el formato “un solo hombre contra un grupo terrorista” pero sin siquiera acercarse a la calidad de este film.
67-RAIN MAN (Barry Levinson, 1988). Dustin Hoffman la rompe, Tom Cruise llega jadeando y nosotros descubrimos el autismo.
68-NUOVO CINEMA PARADISO (Giuseppe Tornatore, 1989). A todos los cinéfilos les (nos) encanta esta película. Cómo no, si es la vida en forma de rollo de celuloide.
69-DANCES WITH WOLVES. Danza con lobos (Kevin Costner, 1990). Una de las pocas películas del género que retrata el exterminio indígena en América (del Norte, del Sur, Central, es lo mismo), y la mejor.
70-GOODFELLAS. Buenos muchachos (Martin Scorsese, 1990). Dignísimo segundo lugar en el podio de películas de mafia. La eficiencia del ritmo vertiginoso y el relato en off marca registrada Scorsese, es asombrosa.
71-BOYZ 'N THE HOOD. Los dueños de la calle (John Singleton, 1991). Violencia y guerra silenciosa en los barrios negros de Los Angeles. ¿Spike Lee? en la costa este.
72-JFK (Oliver Stone, 1991). 42 años después (y contando), todavía no se sabe quién mató al presidente más carismático de la historia. Acá eso no pasa… sólo mutilamos al cadáver y le escondimos las manos para siempre.
73-THE SILENCE OF THE LAMBS. El silencio de los inocentes (Jonathan Demme, 1991). El director es un inepto, pero la historia se mantiene sola gracias a las actuaciones y a sí misma. ¿Hannibal Lecter? ¡Nuestro villano favorito!
74-UNFORGIVEN. Los imperdonables (Clint Eastwood, 1992). Epílogo de lujo para la historia llamada Western, reconociendo la decadencia, pero retirándose por la puerta grande.
75-NATURAL BORN KILLERS. Asesinos por naturaleza (Oliver Stone, 1993). Los asesinos seriales son una nota de color en sí, el verdadero tema de la película es la manipulación mediática, relatada en tono cuasi caricaturesco. El guión viene de Industrias Tarantino y la banda sonora es única; Leonard Cohen al principio y al final, un placer.
76-SCHINDLER'S LIST. La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993). Spielberg en su punto más alto, en blanco y negro, lo que logra que ninguna otra película sobre el tema sea tan explícita en imágenes. La genealogía de los acontecimientos también es eficiente. Ralph Fiennes logra uno de los villanos más hijoputas cuando sus últimas palabras son “Heil Hitler!”.
77-ED WOOD (Tim Burton, 1994). Vaya paradoja, la historia del “peor director de cine de la historia” es contada en una gran película de un gran director. Algo bueno salió del muchacho.
78-FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994). Redondito resumen de 30 años de historia estadounidense, con un testigo de lujo: estuvo en todas pero no se involucró en ninguna. El viaje paralelo, metiéndose en todas, a cargo de Jenny.
79-ONCE WERE WARRIORS. El amor y la furia (Lee Tamahori, 1994). Violencia familiar en una sociedad tan machista y tribal como la neocelandesa. Hasta acá saltan las astillas y se huele el alcohol.
80-PULP FICTION (Quentin Tarantino, 1994). La mejor película de los ’90, si me permiten. El Gran Reciclador toma todos los elementos del género de acción e inaugura en un relato “triple” la “violencia inteligente”, que ya había asomado en su anterior Perros de la calle. La única con versos bíblicos incorporados.
81-THE PROFESSIONAL. El perfecto asesino (Luc Besson, 1994). ¿Alguien que mata por encargo puede ser un buen tipo y tener un corazón enorme? Por favor, es un trabajo como cualquier otro.
82-THE SHAWSHANK REDEMPTION. Sueño de libertad (Frank Darabont, 1994). El mejor libro de Stephen King no es de terror y se convirtió en una emocionante demostración de valores humanos como la amistad y la esperanza.
83-BRAVEHEART. Corazón valiente (Mel Gibson, 1995). El uso de licencias artísticas se facilita debido a la distancia de la historia (7 siglos) y su poca difusión, pero la película logró una movida patriótica en Escocia como pocas veces sucedió en un país sometido por un otrora imperio.
84-SEVEN. Pecados capitales (David Fincher, 1995). ¿Las siete formas más hijoputas de morir? Dante no se refería a eso, pero hay libre interpretación. Brad Pitt se convierte en actor; Morgan Freeman hace de Yoda.
85-THE USUAL SUSPECTS. Los sospechosos de siempre (Bryan Singer, 1995). Cuando terminé de verla, me dieron ganas de estrolar el video contra la pared. Una película que te agarre de boludo, dónde se ha visto.
86-BEAVIS & BUTT-HEAD DO AMERICA. Beavis & Butt-head recorren América (Mike Judge, 1996). Ya sé, pero es difícil hacer reír a alguien en forma sostenida por una hora veinte, y a mí me pasó.
87-TRAINSPOTTING (Danny Boyle, 1996). Chicos, no se droguen… tanto. Nada mejor que pegarse un viaje con heroína; si un bebé se muere al lado tuyo por no ser alimentado de tan drogados que están los padres, bueno, no se puede estar en todo.
88-CONTACT. Contacto (Robert Zemeckis, 1997). Una de extraterrestres, sin extraterrestres. No le gustó a nadie, pero yo la banco.
89-HANA-BI. Flores de fuego (Takeshi Kitano, 1997). El nuevo cine japonés viene de la mano de un ex presentador de televisión. Los cuadritos también son pintados por él. La reivindicación del contraste la conseguimos en este film.
90-KARAKTER. Carácter (Mike van Diem, 1997). Un padre ausente, una madre rencorosa y un hijo que hace lo que puede. Hay buena pasta fílmica en Holanda.
91-L.A. CONFIDENTIAL. Los Angeles al desnudo (Curtis Hanson, 1997). Grandioso relato policial, utilizando el glamour de los ’50 visto desde acá.
92-TITANIC (James Cameron, 1997). Mucho se temió que esta película tuviera el mismo destino que el trasatlántico al que se refiere, pero le fue muchísimo mejor. Digan lo que quieran, pero está muy bien hecha, de buen acero.
93-WAG THE DOG. Mentiras que matan (Barry Levinson, 1997). De Niro y Hoffman se unen por primera vez para un fin tan noble como limpiar la imagen presidencial manipulando a los medios a través de una enorme mentira. ¿Ficción?
94-BOOGIE NIGHTS. Noches de placer (Paul T. Anderson, 1998). Relato múltiple del mundo porno mostrando muy pocas tetas y penes, pero con más droga que Trainspotting y Scarface juntas.
95-LA VITA È BELLA. La vida es bella (Roberto Benigni, 1998). Al mal tiempo, buena cara… o lo penúltimo que se pierde es la esperanza. De última, ante lo inevitable, para qué esperarlo agónicamente cuando siempre se puede sonreír, sino qué sentido tuvo todo.
96-AMERICAN BEAUTY. Belleza Americana (Sam Mendes, 1999). Cuando no tenés nada que perder, podés hacer lo que se te cante, y más con esa turra de esposa. Aguante Lester, ¿quién no se masturbó en la ducha alguna vez?
97-FIGHT CLUB. El club de la pelea (David Fincher, 1999). Tan volada que no parece estadounidense. Nada como cagarse a trompadas para descargar tensiones. De paso, unos toques de subversión.
98-THE MATRIX (L. Wachowski – A. Wachowski, 1999). La última revolución de ciencia-ficción del siglo XX, que por falta de kilometraje de sus creadores, perdió la oportunidad de ser la primera gran saga del siglo XXI (rubro ganado por The lord of the rings). Una pena, las referencias al Mesías bíblico estaban muy bien utilizadas.
99-HIGH FIDELITY. Alta fidelidad (Stephen Frears, 2000). John Cusack repasa sus relaciones sentimentales en forma de top 5 con una excelente banda sonora de fondo, y preguntándose qué fue lo que salió mal. Si es una comedia romántica, es la mejor de los últimos 15 años.
100-MULHOLLAND DRIVE. El camino de los sueños (David Lynch, 2001). Si no la entendiste, recordá tus últimos sueños (que tampoco entendiste) y mirala de vuelta. Si la cajita azul te trae problemas, avisame.

SISTEMA DE CALIFICACIÓN

2005-07-01T23:11:00.000-03:00

0 a 34 - Una Cagada - UC
35 a 59 - Regular - R
60 a 79 - Buena - B
80 a 95 - Muy Buena - MB
96 a 100 - Excelente - E